jueves, 30 de abril de 2009

SQUEEZE- EAST SIDE STORY (1981)

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Tenía dudas acerca de cual era el LP con el que debía acabar el mes de abril. Varios grupos me revoloteaban la cabeza: The Teardrop Explodes, Teenage Fanclub, Television, The Left Banke, Mott The Hoople... Seguramente todos ellos tendrán su espacio en mayo o en fechas posteriores (también lo digo a modo de avance para aquellos que puedan leerme con mas asiduidad).
Porque al final, casi por azar, me decidí por el que fue cuarto álbum de uno de los grupos mas representativos de la new wave británica, Squeeze, y esto también fue algo meditado, porque cualquiera de sus anteriores trabajos merecería estar aquí. Quizá dejando un poco por debajo su LP homónimo de debut, producido por John Cale; pero si fueron obras claves tanto Cool for cats (1979) que contenía temas como Up the junction (que funcionaron bastante bien para no tratarse de una banda multitudinaria), como el anterior a este, Argybargy (que fue la confirmación definitiva del quinteto londinense), en el que destacaban canciones como Another nail in my heart o If I didn't love you.

Si bien Squeeze en no demasiado tiempo ya habían acusado cambios en su formación, estos eran relativamente irrelevantes, pues afectaban fundamentalmente a la sección rítmica. Pero sus dos elementos principales, los guitarristas, cantantes y compositores de prácticamente todo el material, Glenn Tilbrook y Chris Difford, siempre estaban ahí. Sin embargo, la tercera pata de esta mesa y miembro fundador del grupo, el teclista Jools Holland, una institución de la música inglesa (después ha colaborado con muchísima gente como Paul Weller, Joe Strummer de The Clash, George Harrison, The The, Amy Winehouse y muchos mas) que había sido clave en los primeros discos de Squeeze, si que había abandonado el barco, y esta baja podía haber sido sensible.

No obstante, en la discográfica A & M tenían plena confianza en el talento de Tilbrook y Difford, a los que se consideraba (como a tantos otros antes y después) algo así como unos nuevos Lennon y McCartney, sobre todo tras mostrar que su capacidad para hacer buenas canciones permanecía intacta pese a llevar varios álbumes a un alto nivel. La comparación de todas formas era absurda, entre otras cosas porque Lennon y McCartney dejaron de componer canciones juntos al poco de iniciarse los Beatles; después cada uno elaboraba e interpretaba las suyas propias aunque las firmaran juntos. Mientras que en Squeeze, Tilbrook se encargaba siempre de la música y Difford de la letra.

Hay que decir, por otro lado, que si bien la new wave, como respuesta o consecuencia del punk fue una etiqueta en la que cabían todo tipo de influencias, las de Squeeze eran claramente el beat y el pop mas sencillo y amable de la primera mitad de los 60, interpretado, eso si, con la energía propia de la era punk y con el teclado (a veces sintetizador) de Holland que ponía todo ello en vigor a los tiempos que corrían.
Así que en A & M pensaron que era el momento de tirar la casa por la ventana: el proyecto de East Side Story era un doble LP en que 4 productores distintos se encargarían respectivamente de una cara del disco. Y estos productores serían 4 nombres importantes del pop y la new wave británica: nada menos que Paul McCartney, Elvis Costello, Nick Lowe y Dave Edmunds.

Esta idea al final quedó reducida a la mínima expresión. El doble LP solo fue uno sencillo, producido integramente por Costello con la colaboración de Roger Bechirian. El disco supuso en cierto modo la ruptura de Squeeze con la new wave y aunque contenía algunos sonidos similares a sus anteriores álbumes, tambien se notan influencias tan dispares como el soul o el rockabilly.

East side story, aunque cualitativamente estuvo a la altura de sus predecesores, fue un relativo fracaso a nivel comercial, muy por debajo de lo esperado por su compañía: pese a temas como Tempted, Is that love, In quintessence o Picadilly. Y también supuso el canto de cisne de lo mejor del grupo, que incluso llegó a deshacerse poco después y desde entonces ha funcionado de forma itinerante, pero siempre con Tilbrook y Difford al pie del cañón.

LISTA DE CANCIONES

1. "In Quintessence" - 2:55
2. "Someone Else's Heart" – 3:00
3. "Tempted" – 4:02
4. "Piccadilly" – 3:26
5. "There's No Tomorrow" – 3:27
6. "Heaven" – 3:49
7. "Woman's World" – 3:42
8. "Is That Love" – 2:31
9. "F-Hole" – 4:41
10. "Labelled With Love" – 4:44
11. "Someone Else's Bell" – 3:08
12. "Mumbo Jumbo" – 3:13
13. "Vanity Fair" – 3:09
14. "Messed Around" – 2:42

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Squeeze- In quintessence


Squeeze- "Is that love" en TOTP

DINOSAUR JR.- DINOSAUR (1985)

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Cuando al inicio de la década de los 90 un grupo como Nirvana, teóricamente ajeno a los postulados de la música mas comercial, se convirtió en un fenómeno de masas (y con ello el llamado grunge, un falso movimiento de bandas básicamente de noise rock que salvo un par de casos no valían mucho la pena y fueron de trayectoria fugaz), mucha gente (a causa del desconocimiento o justamente debido a la poca atención mediática que se prestaba y presta a determinados grupos) pudo pensar que era un fenómeno aislado que surgía de la nada.
Pero esa opinión estaba muy lejos de la realidad.

En los años 80 en los Estados Unidos proliferaron los grupos de hardcore, un estilo que fusionaba punk y rock duro, pero que no tuvo mucha trascendencia en sí mismo.
Lo que si fue trascendente es que, a partir de esa explosión de ruido acelerado, muchas bandas fueron evolucionando hacia sonidos que variaban desde lo experimental a lo decididamente pop, con referencias como The Velvet Underground o el Neil Young mas electrico, acercándose a un público mas amplio.

Sonic Youth fueron quienes abrieron la brecha por la que se colaron Pixies, Hüsker Dü, Yo La Tengo y otros discípulos, tan ruidosos como melódicos.

Así, en Amherst, pequeña localidad del estado de Massachussets, a unos 150 km. de la ciudad mas importante del estado, Boston, un trío empezaba a funcionar como Deep Wound, pero al poco tiempo se convertían en Dinosaur Jr.
Su miembro principal era J. Mascis, guitarrista, cantante y compositor de la mayor parte del repertorio del grupo, con pequeñas aportaciones del bajista, Lou Barlow. La formación la completaba el batería Murph.
La idea de Mascis era recuperar el protagonismo perdido de la guitarra eléctrica, incluidos solos a la antigua usanza, con lejanos ecos a Jimi Hendrix, en un sonido que procedía del hardcore, pero que resulta tremendamente pop en algunos temas, con una tonalidad siempre algo melancólica y doliente que tiene a Neil Young como principal influencia, hasta el punto de que las voces de Mascis y Young en su juventud son casi iguales.

Este primer disco (editado por el pequeño sello Homestad) no es evidentemente una obra maestra, estando claramente por debajo de sus mejores álbumes, que sin duda son el siguiente a este, You're living all over me (1987) y Green Mind (1991), ya grabado con una filial de la multinacional Warner (Blanco y Negro), en plena apoteosis mediática de sonidos similares (Kurt Cobain no paraba de escuchar los dos primeros discos de Dinosaur Jr. en su adolescencia y fueron una gran inspiración para él) lo que les abrió a un público mas mayoritario, con temas como The Wagon o Water.
Sin embargo, pese a que Dinosaur fue una grabación primeriza, ya se dejaba entrever el talento de J. Mascis, sobre todo, y a mi juicio, en dos temas que sobresalen muy por encima del resto, Repulsion y la balada Severed lips, que daban la alternativa a uno de los autores mas interesantes del rock independiente americano de los ultimos 20 años.

El grupo como tal se separó en 1997, comenzando Mascis una carrera en solitario, que incluyó una curiosa colaboración aportando alguna canción para la banda sonora de la película Grace of my heart (1997), producida por Scorsese y dirigida por Allison Anders, que cuenta la historia de una compositora de los años 60, que aunque se trata de un personaje de ficción, contiene muchas similitudes con Carole King. Destacaba especialmente uno de sus temas, Take a run at the sun, mas próximo al estilo de Beach Boys que al de su entonces ex grupo.

Pero en 2003 Dinosaur Jr. se reagrupó con la formación original y han grabado material nuevo y realizado varias giras (curiosamente coincidiendo con una reedición de sus tres primeros discos).
Sin duda J. Mascis y Dinosaur Jr. son nombres claves para entender el indie rock estadounidense de estas tres últimas décadas.

LISTA DE CANCIONES

1. Bulbs of Passion 4:16
2. Forget The Swan 5:09
3. Cats In a Bowl 3:35
4. The Leper 4:04
5. Does It Float 3:18
6. Pointless 2:47
7. Repulsion 3:04
8. Gargoyle 2:11
9. Severed Lips 4:02
10. Mountain Man 3:28
11. Quest 4:27

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Versión acústica de "Severed lips" por J. Mascis en solitario


Dinosaur Jr. interpretando en directo "Repulsion" durante su gira de reaparición

THE HUMAN LEAGUE- DARE (1981)

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La verdad es que sería mas fiel al espíritu de este blog si, al hablar de The Human League, hiciera referencia a cualquiera de sus dos primeros discos antes que a este, que supuso un claro tránsito hacia senderos mas comerciales.

Formados en la ciudad de Sheffield (la misma de bandas tan dispares como Pulp, Def Leppard, ABC o Cabaret Voltaire) fueron uno de los muchos grupos que en la 2ª mitad de los 70 empezaron a practicar con sintetizadores y sonidos fríos, herederos directos de los alemanes Kraftwerk. Su nombre provenía de un juego de mesa con temática fantástica.

De entrada grabaron dos primeros LPs, Regeneration y Travelogue, este último mas asequible para el oyente que su predecesor, y que ya alcanzó cierta repercusión, llegando al número 20 de los charts británicos.

El cambio estilístico de la experimentación a la comercialidad produjo ciertas grietas en el grupo. Así, dos de sus principales elementos, Ian March y Martin Ware, se separan para formar el grupo Heaven 17, que, aunque trató de continuar por otros senderos, acabaría en la línea musical de su grupo original.

Así que quedó como único líder el principal compositor del grupo y voz solista en la mayoría de temas, Phil Oakey, que manteniendo del cuarteto original a Adrian Wright (mas bien un miembro itinerante) añadió a Ian Burden y Jo Callis, y reclutó 2 voces femeninas, Susan Sulley y Joanne Catherall, habituales de los clubs de Sheffield, virando el sonido del grupo hacia el synth-pop con toques de la música disco de raíces negras.

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The Human League, a principios de los 80: De izquierda a derecha Jo Callis, Joanne Catherall, Phil Oakey, Adrian Wright, Susan Sulley e Ian Burden

En 1980 y 1981, año de publicación de este Dare! (con posterioridad el signo de admiración fue desapareciendo en las reediciones y no sé por qué), grupos con un sonido similar reinan en las listas inglesas sin oposición: son las fechas de los primeros álbumes de formaciones como Depeche Mode, Visage, Soft Cell, O.M.D., Yazoo o los mencionados Cabaret Voltaire o de los insustanciales Nuevos Románticos: Spandau Ballet, Duran Duran, Ultravox...(si bien sus primeros discos aún tenían cierta gracia, y grupos que ahora parecen de lo mas in como Franz Ferdinand beben descaradamente de sus fuentes) u otros a los que se les atribuyó esa etiqueta, como Japan o Adam & The Ants.

A destacar del disco, temas como Don't you want me (nº 1), Seconds o Things that dreams are made of.

Al año siguiente The Human League con el seudónimo de The League Unlimited Orchestra (guiño a la Love Unlimited Orchestra de Barry White) publicaron el prescindible LP Love and Dancing, que no es otra cosa que una remezcla de los temas de Dare!, en versiones básicamente instrumentales y más dirigidas a las pistas de baile, producido por Martin Rushent, que también había trabajado con un grupo teóricamente antagónico como Joy Division (si bien los miembros supervivientes de este grupo, tras el suicidio de Ian Curtis, se encargaron de desmentir esta observación mía creando New Order, mas orientados a la música electrónica).

Dare! es un disco que no ha soportado bien el paso del tiempo, no obstante algunos temas aún se dejan oír con cierta gracia. Pero The Human League continuaron varios años mas en la cresta de la ola, durante los cuales Oakey colaboró en la banda sonora del film fantástico juvenil de culto Sueños eléctricos (Steve Barron, 1984).
La llegada a la primera línea de grupos como The Smiths, que recuperaban el protagonismo de la guitarra eléctrica frente a los teclados, y algunos años después la eclosión del brit pop con Oasis, Suede, Pulp, Blur, Radiohead, The Charlatans, etc. enterró definitivamente, y tal vez afortunadamente, a la mayoría de estos grupos.

Sin embargo, The Human League nunca se fueron del todo, y aparecieron por ejemplo hace un par de años en el FIB de Benicassim, donde jóvenes veinteañeros disfrutaban desprejuiciadamente de sus canciones. Será que los tiempos cambian, o bien que el posible regusto hortera que queda tras la escucha de Dare! (los 28 años transcurridos desde de su grabación no han pasado en balde), sea realmente mas virtud que defecto.

LISTA DE CANCIONES

1. Things That Dreams Are Made Of
2. Open Your Heart
3. Sound of the Crowd
4. Darkness
5. Do or Die
6. Get Carter
7. I Am the Law
8. Seconds
9. Love Action (I Believe in Love)
10. Don't You Want Me

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The Human League- Seconds (videoclip)


The Human League- Don't you want me

(Para ver el video original, ya que la inserción esta desactivada pincha aquí)

THE SORROWS- TAKE A HEART (1965)

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Aunque el single que dio titulo a todo el album, Take a heart, fue un éxito importante, The Sorrows, quinteto procedente de Coventry, no se encuentran, ni de lejos, entre los nombres de referencia dentro de los grupos ingleses de los 60, así que este LP puede ser considerado una pequeña joya mas propio de coleccionistas y completistas discográficos. Pero nada mas lejos de la realidad, ya que merece mas atención de la que tuvo.

Caminando mayoritariamente por los senderos del rythm and blues y el garage, lo que les emparenta con los primerizos Rolling Stones y más aún con los Them de Van Morrison, The Yardbirds o The Animals, por su sonido mas agresivo y por un vocalista carismático, Don Fardon, con una voz grave, nerviosa y enérgica que da fuerza a las canciones del grupo, por otro lado con un sonido primario, con escasez de arreglos, y que van desde el merseybeat al pop, pero sobre todo rock y blues. A destacar, aparte del tema que da titulo a todo el disco, Teenage letter, Baby, No no no o el que fue su primer single I don’t wanna be free.

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LISTA DE CANCIONES

01 - Baby - 2.24.
02 - No, No, No - 2.34.
03 - Take A Heart - 3.16.
04. The Sorrows - Take A Heart
05 - How Love Used To Be - 3.20.
06 - Teenage Letter - 2.35.
07 - I Don't Wanna Be Free - 2.36.
08 - Don't Sing No Sad Song For Me - 2.19.
09 - Cara-Lin - 2.39.
10 - We Should Get Along Fine - 2.27.
11 - Come With Me - 1.57.
12 - Let Me In - 2.44.
13 - You've Got What I Want - 1.58.
14 - Let The Live Live - 2.06.
15 - Pink Purple Yellow And Red - 2.48.
16 - My Gal - 2.29.
17 - Nimm Mein Herz - 3.13.
18 - Sei Mein Girl - 2.27.
19 - Mi Ci Spezza Il Cuore - 3.12.
20 - Vivi - 2.52.



The Sorrows- Take a heart (directo)

THE THE- SOUL MINING (1983)

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Como comenté desde un principio, los discos de los que aquí se habla son variados no solo en cuanto a estilo, sino también en el recibimiento comercial que tuvieron tras su publicación. Algunos de ellos si provocaron un cierto impacto mediático en su momento; después, han sido recordados en mayor o menor medida.

Pero hay algunos casos en los cuales álbumes que fueron muy recibidos han pasado prácticamente al olvido años después, excepto entre nostálgicos o entre aquellos que siempre guardamos un lugar en la memoria para aquellas grabaciones que, no siendo obras maestras, merecen un espacio donde ser comentados y vueltos a poner en la memoria ajena.

Un caso de estos bien puede ser Soul Mining, de The The, grupo ficticio (como veis eso de que un señor ponga un nombre de banda a un proyecto solitario en colaboración con un grupo de músicos viene de muy lejos, mucho antes de The The por cierto) que era la máscara tras la que se escondía el londinense Matt Johnson, fundamentalmente guitarrista,compositor y cantante.

De niño Matt tenía justo debajo de casa un pub regentado por sus padres, por el cual en los mágicos 60 pasaron nada menos que John Lee Hooker, Small Faces o The Kinks. Suponiendo el impacto que esto debió causarle, desde finales de los 70 anduvo formando varias bandas, sin un estilo definido, algo que será habitual en toda su carrera, donde la fusión de varios sonidos procedente de sus variadas influencias es evidente.

En 1982 tras una experiencia con Final Solution, aparece un primer LP, Burning blue soul, aunque inicialmente se lanzó a nombre de Matt Johnson.
Finalmente, ve la luz Soul Mining, cuya portada, por cierto, está diseñada por el propio hermano de Matt, Andrew.

Un disco que no es una obra maestra pero, aunque solo sea por los dos notables singles que contenía, Uncertain smile y This is the day, que en su momento tuvieron bastante impacto, debiera ser tenido en cuenta.
Pero esto no es suficiente para que Matt Johnson y The The hayan pasado prácticamente al olvido, pese a una trayectoria amplia que, no obstante, ha ido paulatinamente cayendo en un segundo plano.

Los colaboradores con los que ha ido contando Johnson, empezando por este mismo disco, son de lujo: toda una institución como el teclista Jools Holland (Squeeze), el guitarrista Johnny Marr (The Smiths) o el batería Zeke Manyika (Orange Juice, también ha tocado con Paul Weller).
Aunque pienso que el LP en conjunto es inferior a la mayoría de los tratados aquí, creo que merece este pequeño espacio.


LISTA DE CANCIONES

1. I've Been Waitin' For Tomorrow (All Of My Life)
2. This Is The Day
3. The Sinking Feeling
4. Uncertain Smile
5. The Twilight Hour
6. Soul Mining
7. Giant
8. Perfect

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The The- This is the day (versión single, la del LP es mejor)


The The- Uncertain smile

LEONARD COHEN & PHIL SPECTOR- DEATH OF A LADIES' MAN (1977)

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Aunque tenía pensado hablar en alguna ocasión de este disco, reconozco que me mueve cierto oportunismo al conocerse recientemente la sentencia que condena por asesinato a Phil Spector, quizá el mas fundamental ejemplo de productor (y a la vez de toda la megalomanía, neurosis y demas elementos que contiene el estrellato musical) del pop y el rock en los 60 y 70.
Como no es mi propósito tratar aquí cuestiones relativas a la prensa amarilla y a la de sucesos, me centraré en el aspecto exclusivamente musical, pero al referirme a un personaje como Phil Spector es inevitable que, desgraciadamente, tenga que hacer referencia, a alguna, digamos, "anécdota" mas bien escabrosa.

Spector comenzó su carrera musical en la adolescencia, a finales de los 50, formando un trío llamado Teddy Bears, con los que firmó el hit menor To know him is to love him. Desde principios de los 60 se dedicó a la composición y producción, pasando de su primera sede en Los Angeles a trabajar con autores asalariados en el famoso Brill Building de New York, como las parejas profesionales y sentimentales que formaban Gerry Goffin y Carole King o Barry Mann y Cynthia Weil, creadores de numerosos éxitos juveniles de la época.
Se especializó en grupos vocales femeninos negros, a los cuales añadió su "muro de sonido", una creación personal que incluía un tono grandilocuente con orquestaciones, ecos, coros, percusiones, teclados y sonido propio de auditorio en producciones de apenas cuatro pistas (eso si, entre los músicos que colaboraron con él, había nombres como Leon Russell, Sonny Bono o Jack Nitzsche). Aún hoy sigue siendo un secreto como pudo ser llevado a cabo esto con unos medios técnicos tan precarios como los de entonces.

Así fueron llegando los grandes éxitos: con gente como las Crystals (Then he kissed me, He's sure the boy I love), Ben E. King (Spanish Harlem), Righteous Brothers (You've lost that lovin' feeling, Soul and Inspiration, Just once in my life), Ike & Tina Turner (River deep, Mountain High) o el famoso Be my baby de las Ronettes, con cuya cantante Ronnie (Veronica Bennett) estaba casado (Spector empezaba a hacer de las suyas: le robaba los zapatos a su mujer para que no saliera de casa o le llegó a comprar un ataúd decorado para recordarle que ahí acabaría si osaba abandonarle, cosa que ocurrió igualmente).

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Phil Spector, en la época de grabación de "Death of...", sosteniendo a una de sus mas queridas amigas

Después, cuando los Beatles andaban en desbandada, trabajó con el material suelto que tenían grabado de antes del Abbey Road, para dar forma al último LP oficial de los de Liverpool, Let it be, en 1970. Al parecer el trabajo de Spector no convenció, hasta el punto de que McCartney rehizo hace unos años este disco a su manera, con el nombre de Let it be Naked. Sin embargo tanto Lennon como George Harrison confiaron en Spector para sus primeros discos en solitario.

No obstante la, digamos, controvertida personalidad del productor iba a mas. Había empezado a aficionarse peligrosamente a las armas de fuego, que siempre llevaba a las sesiones de grabación, amenazando con ellas a los músicos o incluso al propio Lennon, si bien este, durante las sesiones del LP Imagine, en 1971, se encaró con él diciéndole: "Si quieres matarme, Phil, hazlo de una vez, pero no acabes con mis oídos".

En este contexto, Spector se encuentra con Leonard Cohen.


Muerte de un mujeriego

Leonard Cohen era escritor y poeta, no había pensado en dedicarse a la música, pero una versión de uno de sus textos, Suzanne, por Judy Collins, le animó a convertir (aunque ya superaba ampliamente la treintena) lo que para él hasta ese momento solo era una afición, en algo serio: transformar en canciones sus propias escrituras.
Tras el éxito de su primer LP Songs of Leonard Cohen (1968), decidió seguir en una línea similar, pero en 1976, con la eclosión del punk y la new wave decide dar un cambio de rumbo a su estilo, hasta entonces de trovador acústico.
Fue invitado a una cena en casa de Spector, y cuando llegó la hora de marcharse, Phil decidió que de ahí no se iba nadie, cerrando todas las puertas y ventanas con sus candados correspondientes, algo habitual en él (otra de sus excentricidades era poner el aire acondicionado a 0º). Ante lo incómodo de la situación, Cohen pensó que en vez de estar perdiendo el tiempo, podían emplearlo en una creación musical, que era algo que gustaba a los dos. Tenia en mente un álbum conceptual sobre la muerte de un mujeriego, idea que interesó rápidamente a Spector y se pusieron a trabajar en ello, surgiendo las ideas con fluidez. El encierro finalmente terminó, y así se originó el LP Death of a Ladies man.

Pero lo peor, como era de esperar, estaba por llegar en el estudio de grabación.
Spector se presentó con todos sus guardaespaldas y con un arsenal de armas, amenazando de muerte a lo músicos y al propio Cohen durante las sesiones si no obtenían los resultados deseados. Por la noche se llevaba las grabaciones del día a su casa y las guardaba en una caja fuerte de máxima seguridad, en un exceso de celo, para que nadie pudiera acceder a ellas.
Cohen apenas pudo tomar partido en la creación del disco y casi todas las tomas de su voz se hicieron a la primera, con lo cual en todos los temas daba la sensación que estuviera cantando dentro de un pozo (algo que le disgustó), aunque quedó mas o menos contento con los arreglos. Paradojicamente Cohen ha obviado (con toda la intención, suponemos) las canciones de este disco en sus directos.

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Portada de "Songs of Leonard Cohen" (1968)


No obstante, el cantautor quiso rehacer el LP, por distar mucho de su idea inicial, pero Spector le amenazó de que, en ese caso, se encargaría de que no saliera a la luz nunca o lo hiciera con mucho retraso, cuando ya no interesara al publico. Así que aceptó.
Además Spector en los créditos se postulaba como coautor de todas las canciones.

El peculiar productor impuso a la cantante Ronee Blakley (también actriz, hacía el papel de madre de la protagonista en Pesadilla en Elm Street, de Wes Craven) que ponía la segunda voz en tres canciones, empezando por la primera True love leaves no traces. Ya en el segundo corte, Iodine, comprobamos que es Spector quien tiene el control total, haciendo gala de todo su arsenal de efectos sonoros: baterías con eco, orquestaciones, teclados, y una sección de viento (en la que colaboró Nino Tempo, saxofonista ítaloamericano que hizo lo propio dos años antes el LP de versiones Rock and Roll de Lennon, también del mismo productor) más propia de un musical de Broadway, mientras la parte vocal de Cohen queda prácticamente ahogada en ese caos. Algo que se transmite a Paper-Thin Hotel, pero la sobredosis de lirismo y el tono melódico e intimista de esta canción predominan sobre la sensación de horterada supina que transmite por momentos el disco. Memories, en cambio, recuerda las viejas producciones de Spector de principios e los 60, también su letra es nostálgica. Don't go home with your hard-on (literalmente "No vayas a casa empalmado") es la parte humorística del disco, con la colaboración de Bob Dylan y Allen Ginsberg a los cuales podemos percibir vagamente en los coros. Cierra el álbum el tema que le da titulo, una reflexión final en una larga cantinela repetitiva, con un tono que recuerda, como algunos otros cortes, el sonido las producciones realizadas con Lennon y Harrison.

El resultado total es un LP inclasificable, a medio camino entre canción de autor, literatura y poesía, y un sonido pop decididamente kitsch, que para algunos resultó un patinazo en la carrera de Cohen, y sin embargo para otros es su mejor creación. En todo caso, resulta un producto anacrónico para la fecha en que se grabó y lo suficientemente curioso para aparecer aquí.

Por cierto, Phil Spector, tras este disco, solo produjo el End of the century de Ramones en 1980, donde tiroteó el techo del estudio. Después prácticamente permaneció apartado de la música y del mundo. Desgraciadamente siendo noticia mas por otras cuestiones que por un pasado musical, pese a algunos pinchazos, glorioso.

LISTA DE CANCIONES

1. "True Love Leaves No Traces" – 4:26
2. "Iodine" – 5:03
3. "Paper Thin Hotel" – 5:42
4. "Memories" – 5:59
5. "I Left a Woman Waiting" – 3:28
6. "Don't Go Home with Your Hard-On" – 5:36
7. "Fingerprints" – 2:58
8. "Death of a Ladies Man" – 9:19

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CURTIS MAYFIELD- CURTIS (1970)

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Seguramente, Curtis Mayfield es uno de los mas grandes nombres de la música negra, pese a no tener la resonancia mediática de otros. Cantante, compositor y guitarrista, en los años 60 triunfó con The Impressions, trío de Chicago, su ciudad natal, donde se practicaba una especie de tercera vía dentro de la música soul, a medio camino entre los mas puristas sonidos del sur, reflejo del alma del pueblo negro, que estaba representado por las grabaciones de compañías como Stax o Atlantic, y los sonidos mas comerciales y pop (pero igualmente gratificantes) que la mítica Motown facturaba desde su sede de la mas norteña Detroit.

En todo caso, el sentimiento de Mayfield estuvo mas próximo a la reivindicación del orgullo afroamericano, y así lo dejó ver en las letras de sus discos, especialmente al iniciar su carrera en solitario en 1970, cuando The Impressions se separaron. Mayfield, junto con otros como Marvin Gaye, Stevie Wonder o Smokey Robinson, fue uno de los primeros artistas negros que grababan su propio material, cuando la mayoría de cantantes de soul interpretaban las composiciones de otros autores.

Fundamentalmente la carrera de Mayfield en solitario, que se abrió con este disco que aquí presentamos, viró hacia la música funk, sonidos mas bailables y psicodélicos, sin olvidar baladas que recordaban a su antigua formación (si bien una de sus mayores influencias fue el gospel), y en cierto modo inauguró el género blaixplotation al componer la banda sonora de Superfly (Gordon Parks Jr., 1972) una de las mejores películas de este estilo, donde la música de Curtis brilla incluso por encima del film y supuso un gran éxito, que ya no repetiría a esa escala durante el resto de la década.

A destacar la gran cantidad de músicos, en torno a 30, que podían intervenir en la grabación de un álbum como este, una riqueza instrumental que avisaba de la proximidad del Sonido de Philadelphia o la naciente música disco negra, y algo que seria inviable hoy día, donde todo esto sería reducido a un exiguo sampler, efectivo pero sin el calor humano de estas sesiones.

A partir de los 80 Curtis Mayfield apenas produjo material; pero la desgracia se cebó con él cuando, durante una actuación en 1990, en Brooklyn, le cayó encima una torre de iluminación y quedó tetrapléjico, falleciendo en 1999.
Este año se cumplirán 10 años y si bien quedan algunos meses para ello, he querido hacer este pequeño homenaje, modesto para sus grandes méritos musicales.

LISTA DE CANCIONES

1. (Don't Worry) If There's A Hell Below We're All Going To Go
2. The Other Side Of Town
3. The Makings Of You
4. We The People Who Are Darker Than Blue
5. Move On Up
6. Miss Black America
7. Wild And Free
8. Give It Up

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