DISCOS DE LOS QUE NUNCA TE HABLÉ

ALICE COOPER- LOVE IT TO DEATH (1971)

2011-11-07T05:46:00.000-08:00

Descubiertos por un auténtico iluminado del rock como Frank Zappa, que les produjo su primer álbum, Alice Cooper (bajo cuya identidad, nunca mejor dicho, se escondía Vincent Furnier, procedente de un lugar con tanta tradición rock como Detroit y que además ponía nombre a toda la banda) fue pionero de una teatralidad llevada al máximo con espectaculos en sus conciertos que incluían la simulación de su propia decapitación, entre otras lindezas (si bien grupos conmo The Crazy World of Arthur Brown ya habian comenzado en los 60 a hacer algo similar, no llegando a tanto, eso si). Pero bajo esta fachada se esconden unos primeros álbumes de alto nivel que resumían lo mejor del rock, hard rock, algo de pop post-psicodélico y mucho de glam al estilo americano que es en el estilo donde se les incluyó a grandes rasgos.

Detrás de toda esta parafernalia habia musicos de notable entidad como el bajista Dennis Dunaway, los guitarristas Michael Bruce y Glenn Buxton o el batería Neal Smith, en un trabajo mancomunado en el que estos se encargaban de la parte musical y Cooper/Furnier de las nada edificantes letras. Así, nos encontramos con temas como I’m eighteen o Caught in a dream, cuidadas melodías para todos los publicos que muestran su vertiente mas comercial; la herencia de los 60 está presente en Second Coming, responsabilidad en solitario de Cooper. La vertiente mas hard-rock la podemos hallar en temas como Long way to go o Hallowed be my name, sin olvidar nunca el humor negro y las bromas siempre presentes en este y los siguientes álbumes.
Mas inquietantes resultan temas como Sun arise, que dan paso a la verdadera esencia de la banda, detrás de canciones supuestamente inocuas como The Ballad of Dwight Fry, pero sobre todo con pavorosos descensos a los infiernos llevados a su paroxismo en directo: es el caso de Black Juju, donde nos trasladamos al mundo de los zombies y la magia negra, nueve minutos de pavor que no dejarán indiferente ni al oyente mas escéptico, que quedará finalmente atónito ante tanta perversión sónica.

El resto de la carrera de Cooper sigue conteniendo discos muy notables como School's Out o Billion Dollar Babies, los cuales además contaban con portadas muy imaginativas (generalmente obviadas en CD) que podían abrirse y contenían otro tipo de interesantes añadidos en sus versiones originales. Desgraciadamente la estrella de Cooper fue decayendo a lo largo de la década entre otras cosas porque la gente encontró caricaturas aún mas extremas como Kiss que ocuparon su lugar. Todo ello no quita para que merezca un hueco en la historia del rock y además por su música, algo que muchas veces queda en un segundo plano.

LISTA DE CANCIONES
1."Caught in a Dream" (Michael Bruce) – 3:10
2."I'm Eighteen" (Alice Cooper, Glen Buxton, Bruce, Dennis Dunaway, Neal Smith)
3."Long Way to Go" (Bruce) – 3:04
4."Black Juju" (Dunaway) – 9:09
5."Is It My Body" (Cooper, Buxton, Bruce, Dunaway, Smith) – 2:39
6."Hallowed Be My Name" (Smith) – 2:29
7."Second Coming" (Cooper) – 3:04
8."Ballad of Dwight Fry" (Cooper, Bruce) – 6:33
9."Sun Arise" (Harry Butler, Rolf Harris) – 3:50

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ECHO & THE BUNNYMEN- CROCODILES (1980)

2011-10-07T04:49:00.000-07:00

Echo and the Bunnymen me parece uno de esos buenos grupos de los 80 que sin embargo no han recibido la atención que merecen y suelen ser algo olvidados cuando se hace alguna reseña al respecto. Al menos sus primeros tres discos (este y los siguientes Porcupine y en una línea mas asequible Ocean Rain) no admiten demasiados reparos en cuanto a su nivel.
Algo de lo que pueda decir al respecto ya lo reflejé al hablar de otra banda coetanea de Liverpool, The Teardrop Explodes, con cierta similitud sonica, no solo geografica, y cuyo disco Kilimanjaro se grabó en periodo similar a este Crocodiles.

La influencia de un sonido oscuro, que además tiene su reflejo en letras y estética, resulta evidente en un disco que aparece al mismo tiempo que piezas claves de este estilo como puedan ser el Closer de Joy Division o Seventeen Seconds de The Cure. Pero las influencias de Ian McCulloch, vocalista y autor de la mayor parte de temas son mas amplias, y el espíritu de o The Doors, con esos teclados siempre en el horizonte y una voz de fuerte presencia, también son notables en estas primeras grabaciones.

Es el caso de temas como Rescue, Villiers Terrace, Monkeys o la misma Do it clean, que aunque no apareciera originalmente (fue solo un single) si estaba incluida en la excelente reedición de 2003 y para mi es como si estuviera desde un primer momento, las cuales además anticipan ciertos senderos por los que transcurrirá un determinado tipo de pop británico desde entonces.

Quizá Echo and the Bunnymen no tuvieron el reconocimiento de otras bandas contemporáneas (ese mismo año se publica el primer disco de U2, Boy, con ciertas coordenadas similares; no hay que contar lo que pasó después con unos y otros). Lo suyo quizá era mas trascendente, pero si han dejado muchos seguidores y la sensación de que les corresponde un lugar alto en la música inglesa de los ultimos 30 años.

LISTA DE CANCIONES
1."Going Up" – 3:57
2."Stars Are Stars" – 2:45
3."Pride" – 2:41
4."Monkeys" – 2:49
5."Crocodiles" – 2:38
6."Rescue" – 4:26
7."Villiers Terrace" – 2:44
8."Pictures on My Wall" (Sergeant, McCulloch, Pattinson) – 2:52
9."All That Jazz" – 2:43
10."Happy Death Men" – 4:56

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BAD COMPANY- BAD CO. (1974)

2011-10-05T04:59:00.000-07:00

Muchas veces se me ha comentado la ausencia en esta enumeración de discos de algunos representativos del rock mas duro. Y, mas aún, valorando la buena consideración que tengo de bandas como, entre otras, Led Zeppelin, Black Sabbath, Deep Purple, Free, AC/DC, Thin Lizzy o Hawkwind, o al menos, de alguno de sus LP's, especialmente los de su primera época. Solo me referí una vez a los Blue Cheer, en cierto modo, como precedente de todos estos grupos, aunque fueran los británicos quienes se llevaran la palma de este sonido en sus tiempos iniciales; si bien no podemos obviar que determinadas grabaciones de Hendrix o Cream, la última epoca de Yardbirds u otras bandas menos conocidas como Gun fueron mas influyentes probablemente para todas estas bandas que el rock americano mas ácido. No obstante, si comenté grupos que se acercaron puntualmente a un concepto similar (Stooges, MC5, apurando mucho, Ten Years After, que acabaron cercanos al hard rock en su etapa final).

El motivo de ese presunto olvido por mi parte (que nunca fue tal) estaba justificado por el hecho de que todas estas bandas eran y son bien conocidas incluso a nivel masivo y particularmente por los buenos aficionados, con lo cual quizá no encajaban en lo que pretendía mostrar aquí, igual que otros muchos a los que obvié por ese motivo y que no obstante están entre mis preferencias y además la calidad de alguno de sus álbumes es indiscutible y esencial. Pero creo que para ello ya hay muchas otras páginas o libros. No obstante, hay casos que si pienso que si deberian estar aquí, y ese es el caso de Bad Company.

Bad Company aparecen de forma tardía entre ese batiburrillo de bandas de sonido similar. El motivo es que nacen de los restos de otras formaciones de parecidas caracteristicas, formando eso que muchas veces se ha calificado, quiza infelizmente, de "supergrupo", auténtico cajón desastre que aglutina cosas que no tienen mucho que ver entre ellas.

En concreto la semilla de Bad Co. la forman la mitad de los esenciales Free (los del clasico All right now, presente en su tercer disco, el imprescindible Fire and Water) , esto es, el vocalista Paul Rodgers y el bateria Simon Kirke, junto a un gran guitarrista, Mick Ralphs (de los en su dia comentados Mott The Hoople) y el bajista Boz Burrell, que estuviera provisionalmente en King Crimson.

Publicaron seis álbumes en esta primera etapa, siendo este para mi el mejor. Por el nivel de sus canciones podrían estar entre los mejores de los citados anteriormente, solo les faltó llegar unos años antes para merecer quizá mayor atencion.

¿Cómo podría olvidarme del rock existiendo discos como este?

LISTA DE CANCIONES
1. "Can't Get Enough" (Mick Ralphs) – 4:16
2. "Rock Steady" (Paul Rodgers) – 3:46
3. "Ready for Love" (Ralphs) – 5:01
4. "Don't Let Me Down" (Rodgers, Ralphs) – 4:22
5. "Bad Company" (Rodgers, Simon Kirke) – 4:50
6. "The Way I Choose" (Rodgers) – 5:05
7. "Movin' On" (Ralphs) – 3:21
8. "Seagull" (Rodgers, Ralphs) – 4:06

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DUSTY SPRINGFIELD- DUSTY IN MEMPHIS (1969)

2011-09-07T04:38:00.000-07:00

No es que tenga mala impresión de Dusty Springfield, pero creo que resulta algo sobrevalorada a nivel popular, especialmente en Reino Unido. Creo que fue una excelente vocalista (de temas ajenos), pero no mucho mas, no la considero una primerísimA figura y de hecho ella misma parecía alejada del concepto de glamourosa estrella del pop ingles (No sé si me caerán palos por esto que acabo de decir o se entenderá realmente, pero antes que nada, por favor, les ruego que sigan leyendo).

Otra cosa es, en cambio, este disco del que hoy hablo.

Situemos un poco los hechos.

En 1969, Jerry Wexler, aquel ex-periodista que se convirtió en catalizador del mejor soul sureño a través de la compañía Atlantic (aunque luego acabarian ampliando su catalogo, acertadamente, con nombres que irían de Cream a Led Zeppelin, estos últimos, por cierto, a sugerencia de la propia Dusty Springfield durante las sesiones) es encargado de la producción de este disco después de que el factotum de la discografica, Ahmet Ertegun (aquel turco enamorado de la música negra americana), decidiera contratar a la vocalista para un álbum grabado en la cuna de este estilo musical, Memphis, contando con la plana mayor de músicos de la compañia, si, los mismos que habian grabado con Aretha Franklin u Otis Redding sus grandes éxitos.
Ertegun, por cierto, también se trajo de su país a un excelente productor para su discográfica, Arif Mardin, el cual tambien sería una pieza clave en este disco.

En cierto modo, la idea de la cantante también era dar un cierto giro grabando un álbum mas sofisticado de lo realizado hasta el momento, y que le diera acceso a un publico mas selectivo, permitiendole una mejor valoración a nivel crítico.

Uno de los aciertos del disco fue el de añadir a las canciones el acompañamiento de un trío vocal negro femenino The Sweet Inspirations, y el resultado ofrece una nueva dimensión a la, eso si, innegable calidad vocal de la británica.

Dusty trató aquí de aproximarse a los registros de la mencionada Aretha o de una Dionne Warwick, por supuesto dentro de sus posibilidades. Curiosamente la parte vocal finalmente acabo registrándose en New York (al parecer la cantante tuvo finalmente dudas de grabar en el estudio con los musicos de estudio de Atlantic).

Pero finalmente, la cohesión de todos estos factores unido a una lista de canciones impecable de la mano de autores como Gerry Goffin & Carol King (Don‘t forget about me), Barry Mann & Cynthia Weil (Just a little lovin), Randy Newman (I don’t wanna hear it anymore), Burt Bacharach & Hal David (In the land of make believe) o Ronnie Wilkens (Son of a preacher man) fue mas que suficiente para crear un álbum monumental, tal vez el mejor de aquello que se dio en llamar Blue eyed soul.

LISTA DE CANCIONES
"Just a Little Lovin'" (Barry Mann, Cynthia Weil) – 2:18
"So Much Love" (Gerry Goffin, Carole King) – 3:31
"Son of a Preacher Man" (John Hurley, Ronnie Wilkins) – 2:29
"I Don't Want to Hear It Anymore" (Randy Newman) – 3:11
"Don't Forget About Me" (Goffin, King) – 2:52
"Breakfast in Bed" (Eddie Hinton, Donnie Fritts) – 2:52
"Just One Smile" (Randy Newman) – 2:42
"The Windmills of Your Mind" (Alan Bergman, Marilyn Bergman, Michel Legrand) –
"In the Land of Make Believe" (Burt Bacharach, Hal David) – 2:32
"No Easy Way Down" (Goffin, King) – 3:11
"I Can't Make It Alone" (Goffin, King) – 3:57

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THE LA'S- THE LA'S (1990)

2011-07-21T06:00:00.000-07:00

Aunque The La's pueden ser considerados un one hit wonder, y que éste sea el único disco que sacaron, sería injusto tildarlos con esa calificación tan superficial.

Surgidos en Liverpool (aunque puede inducir a confusión, el nombre es una abreviatura de Liverpooliands, gentilicio de sus habitantes), ciudad de gran tradición musical (de la que ya analicé algunos grupos en su día) y probablemente, desde finales de los 50 la población británica de mayor influencia americana (posee el mayor puerto de Inglaterra), y eso se ha dejado notar.

The La’s juntaron a dos emergentes talentos ingleses, Mike Badger y el cantante y guitarrista Lee Mavers, y fueron sus discrepancias las que provocaron que este disco saliera con mas de 1 año de retraso desde el momento en el cual se grabó y de la posterior separación del grupo, con una irregular carrera sucesiva.

La repesca años después del tema There she goes (un tanto desapercibido en su día) y un subsiguiente éxito ha podido tapar otras virtudes del disco, que es cierto que mantiene un tono un tanto revivalista; la susodicha canción es evidentemente deudora del beat clásico de Beatles o Hollies, pero también otras como Feelin’, reminiscencias mod en Son of a gun o ryhtm and blues británico al estilo Animals en Doledrum. Tampoco importa: otros grupos británicos hicieron lo mismo pocos años después y tuvieron gran éxito (mas del merecido, muchas veces) revisando fórmulas ya conocidas (y empeorándolas) y/o han acabado repitiéndose a si mismos.

Una pena, porque se perdió la posibilidad de una gran banda para los años siguientes y lo peor es que se fueron sin apenas dejar rastro.

LISTA DE CANCIONES
1. "Son of a Gun"
2. "I Can't Sleep"
3. "Timeless Melody"
4. "Liberty Ship"
5. "There She Goes"
6. "Doledrum"
7. "Feelin'"
8. "Way Out"
9. "I.O.U."
10. "Freedom Song"
11. "Failure"
12. “Looking Glass"

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NEIL YOUNG- ZUMA (1975)

2011-06-21T05:52:00.000-07:00

A estas alturas, no creo que sea necesario que haga ningún tipo de introducción o apuntes sobre la figura de Neil Young, y seguramente aquellos que lean esto tampoco la necesiten.

Tras una notable carrera que incluía Buffalo Springfield y un breve periplo con Crosby, Stills & Nash, Young grabó varios discos en solitario desde 1968 con bandas de acompañamiento como Stray Gators (con el gran Jack Nietzsche) y especialmente Crazy Horse, siendo este su grupo de referencia durante muchos años. ¿Porqué incluir aquí un disco de una figura relevante como Young, tan influyente en el rock americano posterior y al que incluso grupos del noise rock y grunge toman como referencia? Tal vez porque Zuma, y ahí puedo estar equivocado, no se valora como uno de sus mejores discos o a veces se incluye en un segundo plano en su discografía.

Pero probablemente este es mi disco favorito de Young en solitario. Prefiero este sonido mas guitarrero, que recuperaba el de sus temas añejos como Cinammon girl y que ahora era puesto al día tras varios discos mas acústicos y melancólicos (magistrales, de cualquier modo), y precisamente en un momento en que el canadiense venía de varias tragedias personales.

En esa línea podemos incluir las excelentes Don’t cry no tears (en realidad una vieja composición suya que habia permanecido inedita hasta ese momento), Barstool blues o Drive back. Danger bird fue alabada hasta por Lou Reed que hasta entonces no simpatizaba demasiado con Young, La etapa con Crosby, Stills & Nash es recuperada en Through my sails, y no falta el lugar para cierta épica en Cortez the Killer, crítica al colonialismo (con referencias a Hernán Cortés) pero con un barniz de romanticismo, siempre con la triste y aguda voz de eterno adolescente como sello característico del autor.

En todo caso, creo Zuma será el disco que mas agradará a los detractores de Neil Young y a aquellos mas alejados de su discografía, siendo al mismo tiempo uno de los preferidos de sus seguidores.

LISTA DE CANCIONES
1. "Don't Cry No Tears" – 2:34
2. "Danger Bird" – 6:54
3. "Pardon My Heart" – 3:49
4. "Lookin' for a Love" – 3:17
5. "Barstool Blues" – 3:02
6. "Stupid Girl" – 3:13
7. "Drive Back" – 3:32
8. "Cortez the Killer" – 7:29
9. "Through My Sails" – 2:41

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NEW YORK DOLLS- NEW YORK DOLLS (1973)

2011-05-21T04:57:00.000-07:00

Es difícil calibrar ahora el impacto que pudo suponer en el ya lejano 1973 la publicación de este debut de New York Dolls. La imagen de cinco travestidos en portada (en realidad todos eran heterosexuales) no debía sorprender en pleno apogeo del glam rock (pese a los intencionadamente grotescos maquillajes y plataformas) pese a tratarse de su vertiente americana, mas ecléctica que la británica. Pese a ello, causó cierto escándalo e incluso en algunos países como España dicha cubierta fue censurada (realmente ni siquiera se sacó portada: solo un fondo gris manteniendo, eso si, el característico logo del pintalabios).

Aunque ha sido considerado precedente estetico y musical de la explosion del punk que acontecería poco después a ambos lados del Atlántico (Malcolm McLaren tomó de ellos algunas ideas que luego utilizaría con su posterior producto estrella, Sex Pistols), en realidad, bajo la batuta del ilustre productor, compositor y músico Todd Rundgren, el estilo de los New York Dolls estaban mas cerca de unos Rolling Stones setenteros (con exceso intencionado de maquillaje) que de de bandas como Stooges o MC5 .

Para corroborar este dato, sus dos elementos fundamentales eran su carismático vocalista David Johansen, una fotocopia vocal e incluso física de Mick Jagger y el habilidoso guitarrista Johnny Thunders, cuya inspiración última (al igual que la de Keith Richards) era Chuck Berry, pero también el propio Richards. El que uno de los temas estrella del disco sea una versión del Pills de Bo Diddley no hace mas que aclarar la verdadera filiación inicial de la banda, mas próxima al blues y al rock primigenio, como en Subway Train, pese al tono intencionadamente chulesco en Personaliy Crisis o Looking for a kiss, más glam en Trash o con guitarras mas afiladas en Vietnamese baby o Jet boy .

New York Dolls no fue, realmente, un grupo de gran éxito, ni siquiera en Estados Unidos, excepto en la zona de New York (de la que además eran originarios todos sus miembros, con excepción del franco-egipcio Sylvain Sylvain) donde si fueron auténticos ídolos (o tal vez por eso) y, tras un posterior LP fallido (Too much too soon) bajo la batuta de otro notable productor, Shadow Morton, Johansen y Thunders emprendieron caminos separados con cierta repercusión, ya que el primero grabó un estimable disco en solitario en 1976 y Thunders fue uno de los abanderados del nuevo punk neoyorkino con The Heartbeakers (junto a otros elementos como Richard Hell), falleciendo luego prematuramente en 1983.

El intento posterior de Johansen de reflotar la banda junto con el unico miembro superviviente, Sylvain, ha sido mas nostálgico que otra cosa y lejos de reverdecer viejas glorias, pese a sus esfuerzos, que han incluido nuevas grabaciones sin demasiado brillo.

LISTA DE CANCIONES
1. "Personality Crisis" – 3:43
2. "Looking for a Kiss" – 3:20
3. "Vietnamese Baby" – 3:39
4. "Lonely Planet Boy" – 4:10
5. "Frankenstein (Orig.)" – 6:00
6. "Trash" – 3:09
7. "Bad Girl" – 3:05
8. "Subway Train" – 4:22
9. "Pills" (Bo Diddley) – 2:49
10. "Private World" – 3:40
11. "Jet Boy" – 4:40

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THE BEAT (A.K.A PAUL COLLINS' BEAT)- THE BEAT (1979)

2011-04-09T14:03:00.000-07:00

En realidad, casi todo lo que podria decir de este disco ya se comentó al hablar de The Nerves y de los Plimsouls , grupos de Los Angeles de coordenadas similares, en los cuales Paul Collins participó, directamente en el primero, y en el segundo de ellos lo hizo Peter Case, antiguo cómplice suyo en los mencionados Nerves y que luego grabarían algunas canciones juntos como The Breakaways, una transición entre ambas etapas y en la cual se incluyeron temas que aparecen en este debut del proyecto personal de Collins.

A partir de esta gran creación de rock y power-pop, un siguiente LP muy notable, The Kids are the same y una carrera coherente que en los últimos años ha virado un poco hacia otro tipo de sonidos.

Por cierto, he mencionado en el título los nombres de The Beat y Paul Collins’ Beat pues en su momento se generó cierta confusión ya que coetaneamente a este grupo angelino de Paul Collins, surgió otra banda británica revivalista de ska y rocksteady con el mismo nombre, lo que llevó a estos últimos a ser nombrados como The English Beat en algunos países y sin embargo en Europa el grupo americano fue nombrado alternativamente como Paul Collins‘Beat.

LISTA DE CANCIONES
01. Rock N Roll Girl (2:17)
02. I Don't Fit In (2:47)
03. Different Kind Of Girl (3:27)
04. Don't Wait Up For Me (3:02)
05. You Won't Be Happy (2:23)
06. Walking Out On Love (1:45)
07. Work-A-Day World (2:56)
08. U.S.A. (2:14)
09. Let Me Into Your Life (2:27)
10. Working Too Hard (1:57)
11. You And I (2:49)
12. Look But Don't Touch (3:12)
13. There She Goes (2:41)

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WONDERMINTS- WONDERMINTS (1995)

2011-04-09T14:02:00.000-07:00

En plena fiebre del brit pop y otros productos de temporada que se olvidaron al pasar su momento (y con toda justicia, con honrosas excepciones), llegó de tapadillo un disco que incluso tuvo que ser publicado por una compañía japonesa al no tener el grupo la repercusión suficiente en su propio país.

Wondermints fue una banda californiana cuyos principales elementos eran el teclista Darian Sahanaja y el guitarrista Nick Walusko, por otro lado autores de casi todo el repertorio propio. Y haciendo honor a su procedencia, es evidente la influencia de bandas como The Byrds (y otros grupos de jangle pop y sunshine pop), Beach Boys, Super Stocks y sus derivados (como los proyectos de Gary Usher y/o Curt Boettcher) y otras referencias de los 60 y power-pop en general, añadiendo ciertas e inevitables influencias británicas (de hecho versionearon a The Hollies junto a otras bandas en un disco homenaje contemporáneo a este), todo ello reinterpretado con acierto. De hecho, su siguiente LP se nutría fundamentalmente de versiones de alguno de los grupos antes mencionados.

Wondermints continuan en activo, aunque a partir de 1998 sufrieron varios cambios paulatinos en su formación y pasaron a un segundo plano, perdiendo la frescura que se aprecia en esta excelente opera prima.

LISTA DE CANCIONES
1. Proto-Pretty
2. Fleur-De-Lis
3. Tracy Hide
4. She Opens Heaven's Door
5. Libbyland
6. Shine
7. Thought Back
8. Time
9. Global Village Idiot
10. Playtex Aviary
11. In A Haze
12. Carnival Of Souls

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HOODOO GURUS- STONEAGE ROMEOS (1984)/ MARS NEEDS GUITARS (1985)

2011-03-09T14:01:00.000-08:00

LISTA DE CANCIONES

STONEAGE ROMEOS
1."I Want You Back" - 3:12
2."Tojo" - 3:23
3."Leilani" (Faulkner, James Baker, Roddy Radalj, Kimble Rendall)[6] - 5:36
4."Arthur" (Faulkner, Radalj)[6] - 3:10
5."Dig It Up" - 3:36
6."(Let's All) Turn On" (Baker, Darcy Condon, Faulkner, Radalj)[6] - 3:04
7."Death Ship" (Faulkner, Radalj, Alan Sharples)[6] - 2:37
8."In The Echo Chamber" - 3:44
9."Zanzibar" - 3:25
10."I Was A Kamikaze Pilot" - 3:12
11."My Girl" - 2:40

MARS NEEDS GUITARS
1."Bittersweet" – 3:44
2."Poison Pen" – 4:09
3."In the Wild" – 3:07
4."Death Defying" – 3:21
5."Like Wow - Wipeout!" – 3:09
6."Hayride to Hell" – 3:15
7."Show Some Emotion" – 2:56
8."Other Side of Paradise" – 3:31
9."Mars Needs Guitars" (James Baker, Clyde Bramley, Faulkner, Mark Kingsmill, Brad Shepherd)[4] – 2:52
10."She" – 3:28

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THE FLESHTONES- BLAST OFF! (1982)/ HEXBREAKER (1983)

2011-03-09T13:58:00.000-08:00

Podemos decir que después de los 70 ya estaba todo inventado a nivel musical, y a partir de ahí todo se limitó a mezclar diferentes influencias pasadas o a evolucionar en sonidos ya conocidos aprovechando las innovaciones técnicas que permitían los avances tecnológicos.

Así pues, en esta era de revivalismo, también le tocaba el turno al llamado sonido garaje o garaje rock (conocido ya como punk rock en su origen en Estados Unidos) situado específicamente en tierras americanas entre 1965 y 1967 y que mezclaba elementos del rock, blues y la influencia de los grupos británicos que reinaban en las listas en aquel momento. A todo ello había que añadirle velocidad y energía juvenil con un sonido sucio y una producción casi inexistente.

Uno de los grupos mas representativos de esta recuperación eran (y son) The Fleshtones, además neoyorkinos de origen y que surgieron de la cantera del mítico local CBGB (tristemente desaparecido) de la Ciudad de los Rascacielos, donde también lo habían hecho Ramones, Television, Blondie o Talking Heads, entre otras luminarias de la época.

El dinámico vocalista Peter Zaremba y el guitarrista Keith Streng eran y son sus principales elementos, los cuales además se han mantenido siempre en la formación, alternando diferentes bajistas y baterías con mayor o menor longevidad (en esta época creo que contaban con el bajista de origen polaco Jan Marek Pakulski y Bill Milhizer en la percusión) y con el inconfundible sonido del órgano Farfisa, habitual de los temas garajeros, adornando algunas canciones.

Tras empezar con modestas grabaciones en aquellas míticas cassettes con la compañía Roir, alguna de las cuales eran llevadas a disco grande, firmaron con una compañía de mayor entidad, IRS, con la que comercializaron su primer LP oficial Roman Gods, probablemente el mejor, aunque los siguientes, entre los que se incluye este, presentan las mismas coordenadas y no van mucho a la zaga, recuperando además grabaciones de algunos años antes que no se habían publicado hasta entonces, al menos en LP. Por cierto, el pertenecer a la discográfica IRS hizo que aparecieran en la película musical Urgh! A music war (1982) junto a otros grupos del repertorio de esta compañía, su actuación en la misma la podéis ver abajo.

En fin, diversión garantizada que evoca aquellas viejas fiestas universitarias americanas de los 60.

LISTA DE CANCIONES

BLAST OFF!
1. Soul Struttin'
2. American Beat
3. Cara-Lin
4. Shadow Line
5. Comin' In -- Dead Stick
6. Rocket U.S.A.
7. Atom Spies
8. B.Y.O.B.
9. The Way I Feel
10. Watch Junior Go!
11. Judy
12. Critical List
13. Rockin' This Joint

HEXBREAKER
01 Deep in my heart
02 What's so new (about you)_
03 Screamin' skull
04 Legend of a wheelman
05 New scene
06 Hexbreaker
07 Right side of a good thing
08 BRAINSTORM
09 This house is empty
10 Want!
11 Burning hell

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VANILLA FUDGE- VANILLA FUDGE (1967)

2011-03-08T14:01:00.000-08:00

Primer LP de un cuarteto neoyorkino que tuvo un fuerte impacto debido fundamentalmente al éxito de una versión de The Supremes, You keep me hangin' on, aunque luego no tuvo continuidad en posteriores grabaciones.

Casi todos los temas de este disco son versiones, canciones de Beatles, Impressions, The Zombies... a las que Vanilla Fudge daban la vuelta completamente y convertían en odiseas de 6-7 minutos de duración (triplicando a veces su duración original) que incluían trazos de psicodelia extrema, rock duro, underground, soul y tonos melodramáticos, que protagonizaba sobre todo el sonido del órgano casi eclesiástico de Mark Stein, también vocalista con un tono afectado y doliente al que contribuyen los coros en falsete; sin embargo, la poderosísima sección ritmica con el bajista Tim Boogerd y el batería Carmine Appice (posteriormente integrantes del grupo Cactus y compañeros del ilustre Jeff Beck), así como algunos ramalazos de guitarra de Vince Martell, los emparentan con otro tipo de sonido.

Así, temas como Ticket to Ride o Eleanor Rigby son alargados y transformados en algo más próximo al sonido ácido de California (aunque fueran de New York), el Bang Bang de Sonny Bono vía Nancy Sinatra es convertido en una balada psicodélica con tonos inquietantes y partes casi experimentales, las versiones de música soul, como el People get ready o el antes mencionado You Keep me hangin' on parecen tratados con mas respeto, así como el She's not there de los mencionados Zombies, en coordenadas mas cercanas a una versión posterior de Santana. Entre canción y canción, o al inicio de cada cara del disco, se cuelan algunos sonidos, fragmentos de música al revés o frases sueltas que incrementan el tono psicodélico y experimental del disco.

La influencia de Vanilla Fudge puede verse en bandas posteriores de muchos estilos, en mi opinión grupos españoles contemporáneos o posteriores, como Los Módulos o Triana beben claramente en las fuentes de este álbum.

En definitiva, debut notable pero que no tuvo de una continuidad, probablemente porque se trataba mas de buenos músicos que disfrutaban experimentando con canciones ajenas que de compositores, y cuando la formula dejó de funcionar, cada uno siguió su camino.

LISTA DE CANCIONES
1."Ticket to Ride" (John Lennon-Paul McCartney) – 5:40
2."People Get Ready" (Curtis Mayfield) – 6:30
3."She's Not There" (Rod Argent) – 4:55
4."Bang Bang" (Sonny Bono) – 5:20
5."STRA (Illusions Of My Childhood - Part One)" – 0:20
6."You Keep Me Hangin' On" (Brian Holland-Lamont Dozier-Eddie Holland) – 7:20
7."WBER (Illusions Of My Childhood - Part Two)" – 0:23
8."Take Me For A Little While" (Trade Martin) – 3:27
9."RYFI (Illusions Of My Childhood — Part Three)" – 0:23
10."Eleanor Rigby" (John Lennon-Paul McCartney) - 7:40
11."ELDS" - 0:31
(Nota del autor: En las versiones en CD los cortes que duran unos segundos se integran en las canciones anteriores o posteriores, por lo tanto contienen 7 temas y no 11)

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THE SHADOWS OF KNIGHT- BACK DOOR MEN (1966)

2011-02-09T13:57:00.000-08:00

Recuperamos el (oficialmente) segundo disco de esta banda de Chicago que podemos incluir dentro del saco de grupos americanos garajeros de mediados de los 60, si bien, viniendo con una ciudad con tanta tradicion en el blues y rythm and blues, reciben gran influencia de este tipo de sonido con un fuerte componente, como ellos mismos reconocieron en su momento, de bandas británicas contemporáneas, como Yardbirds o Them.

Con el vocalista Jim Sohns como único miembro fijo, su repertorio se nutría fundamentalmente de versiones, de hecho el título del LP es el mismo de una canción del bluesmen local Willie Dixon (versionada por The Doors en su primer larga duración), que sin embargo no aparece en este disco (si lo hacen otros temas de Dixon como Spoonful). Así, el r'n'b está muy presente en Gospel Zone, Bad Little Woman es un claro ejemplo de garage-rock pasado por el filtro británico, incluso se atreven con un instrumental de tonos arábigos, The behemoth, que permite el lucimiento del guitarrista Joe Kelley, incorporado recientemente al grupo. Entre los temas propios cabe destacar I'll make you sorry.

En definitiva, buen disco de un grupo algo perdido en el batiburrillo de bandas míticas americanas de esos años y que merece la pena reivindicar.

LISTA DE CANCIONES
1."Bad Little Woman" (Armstrong, Catling, Demick) - 2:37
2."Gospel Zone" (Schiffour) - 3:19
3."The Behemoth" (Pye) - 2:34
4."Three for Love" (Kelley) - 3:11
5."Hey Joe" - 5:42
6."I'll Make You Sorry" (Kelly) - 2:42
7."Peepin' and Hidin'" (Reed) - 3:01
8."Tomorrow's Going to Be Another Day" - 2:23
9."New York Bullseye" - 2:43
10."High Blood Pressure" - 3:38
11."Spoonful" - 2:57
12."Gospel Zone" (Schiffour) - 3:20
13."Willie Jean" (Traditional) - 2:50
14."I'm Gonna Make You Mine" (Carr, Derrico, Sager) - 2:30

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THE JESUS & MARY CHAIN- PSYCHOCANDY (1985)

2011-02-09T13:54:00.000-08:00

Desde un primer momento he tenido dudas de si comentar este disco, pues no se puede tildar de desconocido, mas bien de clásico, pues en su momento tuvo cierta fama entre determinados sectores musicales pese a no disfrutar de un éxito comercial.

The Jesus & Mary Chain hoy han caído un tanto en el olvido, injusto por el extraordinario nivel de sus dos primeros LP’s (reconozco que ambos son de mis favoritos de los realizados en los 80), no así por su trayectoria posterior, donde los escoceses hermanos Reid, artífices del grupo, han destacado mas por sus polémicas (muchas veces motivadas por ciertos excesos alcohólicos) que les han llevado a ofrecer lamentables actuaciones en directo) como por el descenso de nivel de sus grabaciones.

TJMC (lo escribo así para abreviar), comenzaron como una típica banda punk, tocando de espaldas al público en conciertos (muy breves, a petición propia) que acababan en tumultuosas peleas. Hay que decir que eso los distanciaba del pelotón de grandes grupos escoceses del momento: Lloyd Cole & The Commotions, Teenage Fanclub, Aztec Camera u Orange Juice (entre otros), con un sonido totalmente antagónico. En realidad, no tenían nada que ver con lo que se escuchaba en las FM británicas en 1985.

Tras el éxito del single Upside down que ya reúne las coordenadas que aparecerán en Psychocandy, firman por la compañía Blanco y Negro y reclutan a Jim Gillespie (luego alma mater de Primal Scream) como batería.

Si fuera posible en una coctelera a los Beach Boys, Velvet Underground, The Stooges, Ramones, el pop comercial para adolescentes, el rock siniestro, la producción de Phil Spector y una distorsión sónica por encima de lo soportable a veces en un sistema nervioso sensible, el resultado sería muy similar a este disco. De hecho, el disco se inicia suavemente con la balada Just Like Honey (recuperada acertadamente hace unos años en la película Lost in translation) para ir en un crescendo de 15 mini-canciones cada vez mas turbadoras, a veces interrumpidas por alguna balada acústica (Some candy talking, Cut dead, Sowing seeds), a modo de reposo.

Muchos sectores de la crítica masacraron Psychocandy, diciendo que tras el envoltorio sónico de ruido y distorsión no había prácticamente nada. La respuesta fue publicar posteriormente Darklands (1987), un LP casi totalmente acústico donde el espíritu melódico seguía siendo el mismo pero sin artificio alguno, más en la línea de de los grupos mencionados antes, y que estaba practicamente al nivel de su debut.

Lamentablemente, fue casi el canto de cisne de la mejor época del grupo.

LISTA DE CANCIONES
1."Just Like Honey" – 3:03
2."The Living End" – 2:16
3."Taste the Floor" – 2:56
4."The Hardest Walk" – 2:40
5."Cut Dead" – 2:47
6."In a Hole" – 3:02
7."Taste of Cindy" – 1:42
8."Some Candy Talking" - 3:19
9."Never Understand" – 2:57
10."Inside Me" – 3:09
11."Sowing Seeds" – 2:50
12."My Little Underground" – 2:31
13."You Trip Me Up" – 2:26
14."Something's Wrong" – 4:01
15."It's So Hard" – 2:37

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(Ojo que este directo es de 2008)

THE SEEDS- THE SEEDS (1966)

2011-02-09T13:42:00.000-08:00

Grupo mítico del garaje americano, que al pertenecer a la costa oeste, al contrario que otras bandas coetáneas del otro lado del país (mas influenciadas por los grupos ingleses) se decantaba por un rock mas ácido y psicodélico.

El elemento principal de la banda era Sky Saxon (seudónimo de Richard Marsh), cantante y bajista que al fundar The Seeds en 1965 ya tenía cierta veteranía (de hecho, nunca se supo su edad real que, al parecer, era 10 años por encima de la oficial). En este primer envite le acompañaban el guitarrista Jan Savage, el batería Rick Andridge y el teclista Daryl Hooper.

Como curiosidad, Saxon fue un personaje excéntrico que en algún momento de su vida llegó a pertenecer a una especie de pseudo-secta con un curioso ideario, todo ello probable consecuencia de ciertos excesos lisérgicos en su momento.

Desde un punto de vista musical (que es de lo que aquí se trata), si bien su segundo disco, A web of sound (1967), es considerado su punto culminante, yo me decanto por este primer LP, mas directo aunque menos elaborado, que contiene sus primeros éxitos, desde el inicio lento pero con esa guitarra machacona de Can’t seem to make you mine, hasta Pushin' too hard. El resto camina por derroteros similares y sin duda resultará imprescindible para los amantes de este tipo de sonido, destacando en mi opinión (aparte de las mencionadas antes) No escape, You can’t be trusted o Excuse excuse.

Saxon nunca abandonó las tablas con diferentes reediciones de los Seeds y otros proyectos (sin el brillo de antaño) y de hecho giró por España no hace mucho tiempo, antes de fallecer en cierto olvido mediático y en circunstancias no muy claras a mediados de 2009.
En definitiva, otro disco notable, quizá eclipsado por su segundo trabajo y por la sobredosis de grandes grabaciones realizadas entre 1965-67 entre grupos de características similares.

LISTA DE CANCIONES
1."Can't Seem to Make You Mine" – 3:05
2."No Escape" (Lawrence, Dan Savage, Saxon) – 2:16
3."Lose Your Mind" – 2:11
4."Evil Hoodoo" (Daryl Hooper, Saxon) – 5:19
5."Girl I Want You" – 2:26
6."Pushin' Too Hard" – 2:38
7."Try to Understand" – 2:53
8."Nobody Spoil My Fun" – 3:54
9."It's a Hard Life" – 2:40
10."You Can't Be Trusted" – 2:12
11."Excuse, Excuse" – 2:21
12."Fallin' in love"

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ANY TROUBLE- WHERE ARE ALL THE NICE GIRLS (1980)

2011-01-29T14:09:00.000-08:00

Grupo infravalorado que formó parte del ejército de bandas británicas surgidas en la segunda mitad de los 70 y que podemos meter en el saco de lo que se dio en llamar new wave, con elementos del power-pop y del pub-rock, curtidos con numerosas actuaciones en directo antes de entrar en el estudio de grabación.

Este es un disco que, en mi opinión, merece mas atención de la que tuvo, no en vano Clive Gregson, su lider cantante y guitarrista, fue comparado (salvando las distancias) con Elvis Costello y esto no es algo baladí, pues la coincidencia en estilo musical, voz, e incluso parecido físico, es notable. Además el disco fue editado por la mítica discografica Stiff, que incluía en su catálogo a algunos de los grupos británicos mas emergentes de aquel momento.

Sin embargo, aunque recibió buenas críticas, sus escasos resultados comerciales provocaron que Any Trouble fuera una banda de corta duración.

El álbum consta de trece canciones que son singles potenciales, destacando No idea, Yesterday's love o Second Choice.

Reconozco que este disco fue un descubrimiento relativamente reciente y lo lamento. La verdad es que determinadas épocas son tan prolijas en grandes bandas y discos que muchos han quedado injustamente sepultados detrás de otros que se llevaron la fama, no siempre con justicia.

LISTA DE CANCIONES
1. Yesterday's Love
2. Second Choice
3. Playing Bogart
4. Foolish Pride
5. Nice Girls
6. No Idea
7. Turning Up The Heat
8. Romance
9. The Hurt
10. Girls Are Always Right
11. Growing Up
12. Honolulu
13. (Get You Off) The Hook

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CAPTAIN BEEFHEART & HIS MAGIC BAND- SAFE AS MILK (1967)- UN RECUERDO A ALGUNOS DE LOS QUE SE FUERON ESTE AÑO (y 2)

2011-01-28T13:47:00.000-08:00

Concluimos este seguramente demasiado breve recuerdo (y probablemente con mas de un olvido) a algunos grandes de la música que nos dejaron en 2010 o principios de 2011 haciendo una mención a Don Van Vliet mas conocido como Captain Beefheart, y a este notable debut de 1967.

Muy vinculado al incalificable gurú musical Frank Zappa (de hecho, algunos de los componentes de Magic Band, como el guitarrista Elliot Ingber, aunque aquí con el seudónimo de Winged Eel Fingerling, intervinieron un año antes en la grabación del Freak out de The Mothers of Invention) y a la escena musical de San Francisco (o mas bien de la Costa Oeste en general), el disco supone una mezcla de blues contundente y psicodelia, no exento de ciertos toques garajeros, como corresponde al año de grabación, aunque no siempre es plenamente digerible y eso si, cuenta con músicos de enorme talla como Ry Cooder.

A destacar la portada con esa fotografía tomada con ojo de pez y que era tendencia habitual en la época (sin ir mas lejos la edición británica del Are you experienced de Jimi Hendrix o del Mr. Tambourine man de The Byrds, contenían una instantánea similar), perfectamente acorde con el contenido sonoro.

LISTA DE CANCIONES

1."Sure 'Nuff 'n Yes I Do" (Don Van Vliet, Herb Bermann) – 2:15
2."Zig Zag Wanderer" (Van Vliet, Bermann) – 2:40
3."Call On Me" [10] – 2:37 (Van Vliet)
4."Dropout Boogie" – 2:32 (Van Vliet, Bermann)
5."I'm Glad" – 3:31 (Van Vliet)
6."Electricity" – 3:07 (Van Vliet, Bermann)
7."Yellow Brick Road" – 2:28 (Van Vliet, Bermann)
8."Abba Zaba" – 2:44 (Van Vliet)
9."Plastic Factory" (Van Vliet, Bermann, Jerry Handley) – 3:08
10."Where There's Woman" (Van Vliet, Bermann) – 2:09
11."Grown So Ugly" (Robert Pete Williams) – 2:27
12."Autumn's Child" (Van Vliet, Bermann) – 4:02

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THE KNACK- GET THE KNACK (1979)/ STEALERS WHEEL- STEALERS WHEEL (1972). UN RECUERDO A ALGUNOS DE LOS QUE SE FUERON ESTE AÑO (1)

2011-01-27T13:23:00.000-08:00

Aunque este tipo de cosas suelen generar injustos olvidos, siempre intento hacer aquí, de un modo u otro, y desde un punto de vista musical, un recordatorio de aquellos que nos dejaron a lo largo de cada año o mas recientemente.

Si ya la pasada primavera hice referencia a la desaparición de Alex Chilton, a lo largo de 2010 también perdimos otros nombres destacados como Peter Quaife, bajista original de The Kinks y presente en sus mejores años (sería absurdo incluir un solo disco de este grupo porque tienen muchos y excelentes y además es una banda mítica), Willie Mitchell, compositor y productor de soul habitualmente asociado al gran Al Green, de quien fue descubridor; Bobby Hebb, cantante afroamericano que fuera autor e intérprete original del conocido tema Sunny en 1966, o Dale Hawkins.
En la escena nacional me gustaría destacar a Rockin Pauly, artífice del grupo valenciano de rockabilly Rock’n’bordes que tuvo cierta repercusión en los ambientes rockeros a finales de los 80 y que fue homenajeado en su momento por algunos de sus antiguos compañeros.

Y me dejo para el final, no por ser mas ni menos importantes, sino por motivos circunstanciales, tres nombres que comentaré sucesivamente.

Comoquiera que siempre me gusta incluir algún disco a modo de homenaje, me refiero a este trío de álbumes que tenía guardados para mencionar algún día y que estos tristes acontecimientos trajeron a mi memoria. Hoy empezaré por el disco de debut de la banda de power pop/new wave The Knack, cuyo nombre se basaba en una película de Richard Lester (premiada en Cannes) rodada en el intervalo de sus trabajos con The Beatles.
El disco es conocido por el inesperado éxito de su tema My Sharonna, compuesto por uno de aquellos que perdimos en 2010 a los que quiero recordar, Doug Fieger (guitarrista y cantante del grupo) en colaboración con su segundo de a bordo, Berton Averre.

Pero el disco era mucho mas que un tema de éxito (por importante que fuera): nos encontramos ante un tratado de rock juvenil enérgico y con reminiscencias de los 60, también desde el punto de vista estético, como podemos comprobar en el video adjunto de Let me out. Eso si, el grupo no volvería a hacer un disco de este nivel y vivió en cierto modo de las rentas de esta primera grabación, pese a tener una trayectoria de mas largo recorrido.

LISTA DE CANCIONES
01. Let Me Out
02. Your Number Or Your Name
03. Oh Tara
04. Selfish (She's So)
05. Maybe Tonight
06. Good Girls Don't
07. My Sharona
08. Heartbeat
09. Siamese Twins (The Monkey And Me)
10. Lucinda
11. That's What Little Girls Do
12. Frustrated

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Con respecto a Gerry Rafferty, decir que la noticia de su fallecimiento nos sorprendió en este mismo mes de enero. Stealers Wheel se planteó en su momento como una especie de versión británica de Crosby, Stills & Nash y, aunque se movió en los terrenos del Folk-Rock en mi opinión están mas cercanos a Lennon o al Dylan setentero (o incluso a la segunda etapa de The Byrds).
Coliderando este quinteto con Joe Egan, el grupo también tuvo un corto recorrido y Rafferty continuó después en solitario, mas cercano por momentos al mainstream. La inclusión de uno de los temas de este disco en la banda sonora de Reservoir Dogs (1993) le devolvió una cierta relevancia a mediados de los 90.

LISTA DE CANCIONES
1. "Late Again" Joe Egan, Gerry Rafferty 3:16
2. "Stuck in the Middle" Egan, Rafferty 3:23
3. "Another Meaning" Egan 2:56
4. "I Get By" Egan 3:16
5. "Outside Looking In" Rafferty 3:54
6. "Johnny's Song" Rafferty 3:45
7. "Next to Me" Egan, Rafferty 3:37
8. "José" Egan 3:23
9. "Gets So Lonely" Egan 2:57
10. "You Put Something Better Inside Me" Egan, Rafferty 3:50

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THE BIRTH OF SURF (2007)

2010-12-23T04:22:00.000-08:00

Dadas las fechas en que escribo esto (las cuales no me agradan demasiado por no decir que las odio en muchos de sus aspectos, aunque tiempo atrás fueran una época propicia para la búsqueda de discos) había pensado cerrar el año con algo que fuera un tanto la antítesis del típico LP a comentar en esta época. Por otro lado he querido romper un poco la norma habitual al incluir un disco recopilatorio, algo de lo que no soy muy partidario, pero que en este caso está plenamente justificado por tener unas características especiales.

¿Y que mejor que incluir un disco como este, que remite plenamente al verano? Si, una recopilación del primer surf instrumental (en realidad la única música surf existente en aquel momento), que pese a la fecha de su publicación contiene material grabado fundamentalmente entre 1960 y 1963.

La verdad es que, aunque incluye algunos clásicos de la especialidad (Ventures, Dick Dale, Link Wray, The Bel-Airs, The Chantays), también presenta grupos semi-desconocidos, rarezas y temas que estaban prácticamente inéditos hasta su publicación, lo que lo convierte en una notable obra para los aficionados. Además, su escasa distribución en España me ha llevado también a comentarlo aquí.

Por cierto, recientemente se publicó una segunda parte, tan estimable como esta (o mas: ya que contiene mas material incunable que esta); pero lo dejaremos para otro momento (tal vez dentro de un año). Y ahora que lo pienso, es posible que en verano comente un disco navideño.

Bien, pues seguiremos en 2011, pues aún queda mucho que comentar, y muchos discos de los que nunca he hablado en el tintero, que garantizan la continuidad de esta página pese a sus altibajos (los míos, en realidad). Y no tiene pinta de que nadie vaya a cerrarla. En todo caso gracias a los pocos (ya no tanto) y (pero) valientes que os pasáis por aquí de vez en cuando: hasta pronto.

LISTA DE CANCIONES
1. Ramrod - Duane Eddy & The Rebels
2. Crossfire - Johnny & The Hurricanes
3. Bulldog - Fireballs
4. Moon Dawg - Gamblers
5. Lullaby Of The Leaves - Ventures
6. Mr Moto - Bel-Airs
7. Jack The Ripper - Link Wray & His Ray Men
8. Latin'ia - Sentinals
9. Bustin' Surfboards - Tornadoes
10. El Toro - Surfmen
11. Miserlou - Dick Dale & His Del-Tones
12. Pipeline - Chantays
13. Wipe Out - Surfaris
14. Surf Rider - Lively Ones
15. Latin Soul - Original Surfaris
16. Jezabel - Illusions
17. Baja - Astronauts
18. Earthquake - Aki Aleong & The Nobles
19. Beaver Patrol - Blazers
20. Squad Car - Eddie & The Showmen
21. Fibreglass Jungle - Crossfires
22. Gypsy Surfer - Avantis
23. Let There Be Surf - Chevells
24. El Gato - Chandelles
25. Penetration - Pyramids
26. Surf Creature - Bob Hafner

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PINK FLOYD- MUSIC FROM "MORE" (1969)

2010-11-28T10:03:00.000-08:00

Presento hoy un disco no muy conocido de la discografía de los primeros Pink Floyd, todavía a medio camino entre la salida de Syd Barrett, con una influencia aún muy presente en esta grabación, y la entrada de David Gilmour. Por ello todas las composiciones caminan en ese filo desde la psicodelia hacia el rock progresivo en el que estaban a punto de ingresar de pleno.

Se trata pues de un disco de transición, y que valoro mas como curiosidad que por su importancia musical, que, pese a estar lejos de los anteriores Piper at the Gates of Dawn o Saucerful of Secrets, aún contiene temas como The Nile Song, Cymbaline o Seabirds que lo hacen recomendable (atención, las versiones de la película a veces difieren de las del disco).

A destacar que More, la película a la que pone música, es un film semi-underground del francés Barbet Schroeder, un heredero de la nouvelle vague que a partir de los años 80 pasó a dirigir muchos títulos de enfoque comercial en el cine americano, si bien también se ha responsabilizado de algunos productos mas modestos y de mayor calidad, como en sus viejos tiempos. Además la fotografía correspondió al afamado operador español Néstor Almendros (aunque realizó la mayor parte de su trabajo en Francia y América).

El argumento, no demasiado apasionante, excepto, en todo caso, por reflejar ciertas circunstancias del momento (un joven estudiante alemán se enamora de una americana y la sigue desde Paris hasta Ibiza, lo que le lleva a adentrarse en una novedosa vorágine vital que acabará mal, sobre todo por el abuso de las drogas), lo que la aproxima en cierto modo a otras películas coetáneas como Performance (Donald Cammell, 1970) que funcionan mas como documento visual que por su propia calidad cinematográfica, la cual tampoco digo que sea mala.

Como curiosidad, la protagonista femenina de More es Mimsy Farmer, actriz relativamente de culto, pues tras sus inicios en varias producciones americanas de cine y TV, pasó en los años 70 a aparecer en numerosas películas del giallo (para quien no lo sepa, un subgénero de terror italiano que tuvo su época dorada en esos años), especialmente Cuatro moscas sobre terciopelo rojo (1971),de Dario Argento, uno de sus máximos exponentes, la cual protagonizó; aunque su filmografía fue decayendo cada vez mas hacia subproductos, dejando finalmente la interpretación (aunque siga residiendo en el pais transalpino).

En definitiva, disco mas bien experimental en la discografía de una banda que, pese a sus excesos posteriores, tienen una serie de álbumes esenciales, especialmente en sus primeros años.

LISTA DE CANCIONES

1. "Cirrus Minor" Waters 5:18
2. "The Nile Song" Waters 3:26
3. "Crying Song" Waters 3:33
4. "Up the Khyber" Mason, Wright 2:12
5. "Green Is the Colour" Waters 2:58
6. "Cymbaline" Waters 4:50
7. "Party Sequence" Waters, Wright, Gilmour, Mason 1:07
8. "Main Theme" Waters, Wright, Gilmour, Mason 5:27
9. "Ibiza Bar" Waters, Wright, Gilmour, Mason 3:19
10. "More Blues" Waters, Wright, Gilmour, Mason 2:12
11. "Quicksilver" Waters, Wright, Gilmour, Mason 7:13
12. "A Spanish Piece" Gilmour 1:05
13. "Dramatic Theme" Waters, Wright, Gilmour, Mason 2:15

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ERIC BURDON & THE ANIMALS- THE TWAIN SHALL MEET (1968)

2010-11-27T09:38:00.000-08:00

A finales de 1966, The Animals, uno de los grupos mas representativos del blues inglés y seguramente de toda la década de los 60 en las islas, andaba en desbandada.
Con el guitarrista Hilton Valentine y el batería John Steel desaparecidos del primer plano musical, el bajista Chas Chandler reconvertido en manager del nuevo fenómeno Jimi Hendrix, y con sus dos elementos mas importantes enfrentados. Estas dos figuras principales eran el teclista Alan Price, que decidió iniciar una nueva aventura musical en la que reclamaba mayor protagonismo, y el vocalista Eric Burdon, que ante todo ello, decidió dar un golpe de timón y continuar con el grupo.

El primer paso fue reestructurar la formación incluyendo nuevos elementos de nivel como el bajista (y principal colaborador en la composición de canciones, ya que las viejas versiones de blues quedaban ahora casi desterradas en detrimento de temas propios) Danny McCulloch, el guitarrista Vic Briggs y el batería Barry Jenkins. Y sobre todo, aunque manteniendo algo de la esencia original, metiéndose de lleno en los nuevos sonidos que estaban llegando, sobre todo de la costa oeste americana (incluyendo un traslado a San Francisco para estar mas cerca de ese epicentro musical y cultural).
A nivel discográfico esa transformación ya quedó patente en su siguiente álbum (inmediatamente anterior) Winds of change.

Portadas de "Winds of change" (1967) y "Every one of us" (1969)

Lo que pretendo en realidad, mas que referirme a este disco en concreto, es valorar la trilogía (oficiosa, ya que nunca se presentó como tal) que incluiría el mencionado Winds of Change, The twain shall meet y el posterior Every one of us que en cierto modo suponían una unidad temática, siendo este quizá el mas completo y representativo de los tres.

El grupo de canciones que presentan estos remozados Animals incluyen desde una referencia al momento y las propias vivencias de Burdon en el popular festival de Monterey en 1967, reflejados en el tema homónimo, referencias épicas y antibelicistas (Sky pilot, canción representativa pero que quizá se alarga en exceso e incluye un intermedio algo innecesario), alguna referencia al blues primigenio (Just the thought), temas como We love you lil, inicialmente una revision del clásico Lili Marleen reconvertida en un baño psicodélico, o brillantes momentos que aúnan tanta sencillez como calidez e imaginación sonora, es el caso de la excelente Orange and red beans (no beams como he leído por ahí, si bien parece un error de transcripción de la grabación original), uno de los mejores temas del LP.

En definitiva, un salto adelante muy bien resuelto de una de las grandes figuras del blues y rock británico de los 60 (producido además por Tom Wilson, artífice sonoro de las primeras grabaciones de Dylan o Velvet Underground), que quizá no tuvo la repercusión que mereció.

LISTA DE CANCIONES

1."Monterey" (4:18)
2."Just the Thought" (3:47)
3."Closer to the Truth" (4:31)
4."No Self Pity" (4:50)
5."Orange and Red Beams" (3:45)
6."Sky Pilot" (7:27)
7."We Love You Lil" (6:48)
8."All Is One" (7:45)

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THE SCRUFFS- WANNA MEET THE SCRUFFS? (1977)

2010-11-21T09:10:00.000-08:00

Otro de los discos capitales del power-pop americano facturado en los 70, aunque completamente olvidado, olvido en el que incluyo a muchas publicaciones musicales presuntamente especializadas, las cuales mas bien han degradado en revistas para modernillos, las cuales parecen a veces mas empeñadas en incluir en su portada al hype del momento que en difundir algo de buena música.

Con claras influencias de Big Star (no en vano eran de Memphis), Raspberries o el McCartney de los primeros 70, The Scruffs presentó en este álbum de debut una buena colección de enérgicas canciones, ya desde el primer tema (y que se presentó inicialmente como sencillo), Break the ice, y ya no bajan la guardia durante todo el disco el cual, aunque no está a la altura de otros gigantes coetáneos como Plimsouls, Nerves o The Beat, si merece una mención.

La poca acogida de este Wanna meet...? condenó la continuidad del grupo, no obstante, su líder, el rubio cantante y guitarrista Stephen Burns, siempre oculto tras unas gafas oscuras, aun tendría tiempo de remodelar el grupo y grabar, pese a haber transcurrido mas de 10 años, un excelente segundo album Teenage gurls, que pasaría todavía mas desapercibido que este debut, aunque no detuvo el empeño de Burns en continuar con la banda en diferentes reapariciones.

La portada del disco, muy inspirada en mi opinión (como tantas otras) en el mítico A Hard day’s night de The Beatles (cuyo contenido en realidad no deja de ser fuente de inspiración de muchas de estas bandas) hace el resto.

LISTA DE CANCIONES

1."Break the Ice" – 2:36
2."My Mind" – 2:13
3."You're No Fun" – 2:31
4."Frozen Girls" – 3:04
5."I've Got a Way" – 1:57
6."Tragedy" – 2:11
7."This Thursday" – 2:26
8."Revenge" – 2:51
9."She Say Yea" – 2:52
10."Tommy Gun" – 3:52
11."Sad Café" – 2:33
12."I'm a Failure" – 2:25
13."Bedtime Stories" – 3:56
14."She Say Yea" [*] – 2:52
15."Break the Ice" [*] – 2:35

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VIBRATORS- PURE MANIA (1977)

2010-11-21T08:41:00.000-08:00

Bueno, otro disco mas a medio camino entre el power-pop y el punk, grabado en el mítico año de 1977 por una de las muchas bandas británicas de aquellos tiempos que nadaron entre estos dos estilos y que contaron la "protección" del locutor radiofónico John Peel, aunque no tuvieron la misma repercusión mediática que otros de sus pupilos, los inmediatamente posteriores Undertones, de los que hablé hace poco, pese a haber bastantes similitudes entre ellos.

Melodías directas, pegadizas, aceleradas y juveniles, en un grupo que, curiosamente, nunca ha dejado de estar en activo y tiene incluso grabaciones recientes, aunque desde un primer momento se produjeron muchas variaciones en sus filas. En todo caso, nunca repitieron un disco de este nivel.

LISTA DE CANCIONES

1.“Into the Future…”
2.“Yeah Yeah Yeah”
3.“Sweet Sweet Heart”
4.“Keep It Clean”
5.“Baby Baby”
6.“No Heart”
7.“She’s Bringing You Down”
8.“Petrol”
9.“London Girls”
10.“You Broke My Heart”
11.“Whips & Furs”
12.“Stiff Little Fingers”
13.“Wrecked On You”
14.“I Need A Slave”
15."Bad Time"

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NINA SIMONE- HERE COMES THE SUN (1971)

2010-11-21T08:18:00.000-08:00

Excelente pianista y compositora (aunque muchos piensen que se limitaba a vocalista de jazz), Nina Simone ya destacó desde niña, época en la que tomó conciencia de los problemas raciales cuando sus propios padres eran obligados a ser colocados en las últimas filas en sus propios conciertos por su condición de negros. Esto le creó un cierto poso de amargura desde tan temprana edad, que ya la acompañaría toda su vida.

Muchos pensarán que los discos que comento son basicamente de pop, rock y sus múltiples variantes, por lo que quizá no procede incluir entre ellos una grabación de una mujer mas vinculada al jazz y a otro tipo de estilos. Pero si he decidido que debe estar aquí es en realidad por todo lo contrario, por su condición de rareza (es un LP en conjunto poco conocido, al contrario que algunos de los temas que incluye, y diferente a lo que suelo publicar aquí) y porque siendo Nina Simone (cuyo verdadero nombre era Eunice Kathleen Waymon) una gran compositora, se trata de un disco integramente de versiones de temas mas vinculados a los estilos a los que aquí solemos referirnos.

A destacar, aparte de la propia versión de The Beatles/George Harrison que titula el disco y la archiconocida revisión del My Way con sus aceleradas percusiones, un tema cono Mr. Bojangles, tema compuesto por Jerry Jeff Walker, artifice de un infravalorado grupo como Circus Maximus y que se convierte en uno de los mejores temas, en una aproximación mas cercana al soul, que tal vez supera al original o al menos queda cerca de ello.

En todo caso, el acercamiento de una gran figura de la música negra a una serie de temas ajenos, llevándolos, con acierto, a su terreno.

LISTA DE CANCIONES

1."Here Comes the Sun" (George Harrison) - 3:37
2."Just Like a Woman" (Bob Dylan) - 4:53
3."O-o-h Child" (Stan Vincent) - 3:22
4."Mr. Bojangles" (Jerry Jeff Walker) - 5:03
5."New World Coming" (Barry Mann, Cynthia Weil) - 4:53
6."Angel of the Morning" (Chip Taylor) - 3:36
7."How Long Must I Wander" (Weldon Irvine) - 6:31
8."My Way" (Paul Anka, Claude François, Jacques Revaux) - 5:48

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GRAHAM BOND ORGANISATION- THERE'S A BOND BETWEEN US (1966)

2010-11-21T06:42:00.000-08:00

Graham Bond (junto a John Mayall o Alexis Korner) fue uno de los pioneros de la introducción del blues (y algo del jazz) en Reino Unido a finales de los 50, e integrado en el grupo Blues Incorporated con el propio Korner (y que en un primer momento incluyó a gente como o Charlie Watts, sempiterno batería de The Rolling Stones) puso la primera piedra del rythm and blues británico que daría tanta gloria (y momentos gloriosos a los aficionados) con bandas como los Animals o Yardbirds (bueno, y casi todos los grupos de pop inglés de los 60, que se iniciaron tocando rock y blues).

De Blues Incorporated, Bond reclutaría a los jovencitos Jack Bruce y Ginger Baker, bajista y batería que luego alcanzarían mayor gloria con los imprescindibles Cream (no tanta con el super grupo Blind Faith, bueno, ya sin Bruce y con una banda desaparecida casi antes de empezar, aunque dejaran un notable álbum: pero bueno, esa es otra historia). Y además al guitarrista John McLaughlin, con los que configura el Graham Bond Quartet, de breve existencia, pues McLaughlin es sustituido por el notable saxofonista Dick Henshall Smith, que aportaba el necesario toque jazz.

Así pues el Graham Bond Quartet pasa a ser Graham Bond Organisation (no Organization) sin guitarrista y con la voz y el órgano Hammond de Bond asumiendo ese protagonismo (fue uno de los introductores de ese instrumento en Europa). De esta forma llegan sus dos discos The sound of 65 y el presente, una colección de, sobre todo, versiones de northern soul, jazz suave y blues.

La rápida marcha de Bruce y Baker (y el nuevo sendero qur tomó blues británico a partir de 1967) finiquitó el proyecto con rapidez tras estos dos álbumes. Bond siguió funcionando, pero a principios de los 70 el fracaso de sus diferentes proyectos musicales acrecentó problemas mentales que ya padecía años atrás (incrementados por el abuso de alcohol y drogas) provocaron su prematuro fallecimiento en 1974 atropellado por un tren, aunque probablemente se trató de un suicidio.

Bastante venerado en ambientes sixties y neo-mods, así como por los aficionados al rythm and blues, probablemente Graham Bond es otro de los que no es recordado como merece: desde aquí nuestro homenaje.

LISTA DE CANCIONES

1 Who's Afraid of Virginia Woolf?
2 Hear Me Calling Your Name
3 Night Time Is the Right Time
4 Walking in the Park
5 Last Night
6 Baby Can It Be True?
7 What'd I Say
8 Dick's Instrumental
9 Don't Let Go
10 Keep A-Drivin'
11 Have You Ever Loved a Woman?
12 Camels and Elephants

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BIG STAR- #1 RECORD (1972)

2010-11-20T06:09:00.000-08:00

Este disco de debut de los Big Star del recientemente desaparecido Alex Chilton (ya citado en su momento a través de los anteriores y también imprescindibles Box Tops), para muchos supone el pistoletazo de salida del llamado power-pop, algo que no es cierto en absoluto, pues ese sonido ya estaba presente en numerosas grabaciones de la década anterior. Podemos reconocerlo en The Who, The Kinks, en numerosos momentos de The Beatles, y al otro lado del Atlántico, en lo que se dio en llamar Jangle pop, en los mismos The Byrds y muchas bandas mas. Otra cosa es que lo quisieran llamar de otra forma, lo bien es cierto es que ese sonido, del que por otro lado todos los grupos mencionados son fuente de inspiración, pasó a estar presente en numerosas bandas desde entonces hasta nuestros días, y fue en la frontera entre los 70 y los 80 donde tuvo elementos muy representativos especialmente en Estados Unidos.

Alejándose (o no tanto) del soul blanco de los Box Tops, Chilton se dejó crecer el pelo y se alió con Chris Bell para dar forma a Big Star, mientras se aproximaba principalmente al sonido de los Who de los primeros 70 o de sus coetáneos Raspberries, junto a tonos mas acústicos, en la que fue probablemente su grabación mas completa.

Aunque muchos no se enteraron en su momento (el disco fue un relativo fracaso en ventas), el hecho de ser imitado hasta la saciedad a posteriori da total certeza a esta afirmación.

LISTA DE CANCIONES

1."Feel" – 3:34
2."The Ballad of El Goodo" – 4:21
3."In the Street" – 2:55
4."Thirteen" – 2:34
5."Don't Lie to Me" – 3:07
6."The India Song" (Andy Hummell) – 2:20
7."When My Baby's Beside Me" – 3:22
8."My Life Is Right" (Bell, Eubanks) – 3:07
9."Give Me Another Chance" – 3:26
10."Try Again" – 3:31
11."Watch the Sunrise" – 3:45
12."ST 100/6" – 1:01

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THE GUN CLUB- FIRE OF LOVE (1981)

2010-11-18T07:58:00.000-08:00

Pequeño clásico de esa maravillosa frontera entre los 70 y 80 que, probablemente junto al período comprendido entre 1966 y 1972 es aquella en la que se produjeron los mejores álbumes.

Fire of love es una combinación entre sonidos puramente americanos y la efervescencia punk, algo que ya no resultaba novedoso en aquel entonces, pero que sin embargo tiene en este disco uno de sus exponentes mas notables.

Encabezados por el carismático Jeffrey Lee Pierce, personaje a medio camino entre la estética glam y la estrella punk-rock, malogrado por sus excesos, (especialmente su apego al alcohol), el disco contiene varias perlas e incluye una curiosa versión del bluesmen primigenio Tommy Johnson, Cool drink of water, quizá una osadía en un momento como aquel, pero que no hace sino reforzar la homogeneidad de este LP y mostrar nuevas fuentes de inspiración.

LISTA DE CANCIONES

1 -Sex Beat.
2 -Preaching The Blues.
3 -Promise Me.
4 -She's Like Heroin To Me.
5 -For The Love Of Ivy.
6 -Fire Spirit.
7 -Ghost On The Highway.
8 -Jack On Fire.
9 - Black Train.
10 -Cool Drink Of Water.
11 -Goodbye Johnny.

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CARAVAN- IN THE LAND OF GREY AND PINK (1971)

2010-11-16T04:07:00.000-08:00

Me permito hablar hoy de uno de esos grupos y discos realmente poco conocidos (me parecería injusto tildarlo de rareza), solo reservados para los buenos aficionados. Aunque a Caravan se les mete en ese cajón desastre que se da en llamar rock progresivo, esto no es del todo cierto.

Efectivamente, lo que se dio en llamar sonido Canterbury, algo que evoca un movimiento de jóvenes de formación universitaria y alejados de la vorágine que se respiraba en la era post-psicodélica en las grandes ciudades inglesas (especialmente Londres), contenía elementos del rock progresivo, aunque alejados del tópico, pero también mucho pop, psicodelia y ciertos elementos del brillante folk británico de bandas contemporáneas como Pentangle o Fairport Convention, con toques de jazz-rock que además revelaban el buen nivel instrumental de sus integrantes. Caravan probablemente, junto a Soft Machine (del también fundamental Robert Wyatt) fueron sus máximos exponentes.

El disco se divide claramente en dos partes: la (antigua) cara A contiene trazos de pop en Golf Girl o Love to Love you y trazos mas etéreos con reminiscencias folk en las excelentes Winter Wine y en la canción que da título al disco, apoyados en la voz del bajista Richard Sinclair, que comparte con el virtuoso guitarrista Pye Hastings las labores vocales. Completan el grupo David Sinclair, primo del anterior y encargado de los teclados y el batería Richard Coughlan, de clara inspiración jazz, con la colaboración de Jimmy Hastings (primo del anterior) en las secciones de viento que enriquecen muchos temas.

Capítulo aparte es (lo que era originalmente) la cara B, ocupada por un solo tema, Nine feet underground, de 23 minutos (una extensión que por otro lado ya no sorprendía en 1971, pero tampoco era aún tan habitual como lo sería a posteriori), aunque dividido en 8 fragmentos (he de comentar una pequeña anécdota personal al respecto, y es que en la contraportada del disco original dichos fragmentos se nombran en 9 líneas, pues se ve que el nombre de una de las partes no cabía solo en una, y por eso siempre pensé que había una división mas que yo era incapaz de distinguir).
Se trata de un corte mayoritariamente instrumental excepto en dos partes, en las que Hastings y Sinclair, por este orden, repiten las coordenadas de la cara A original, con un toque mas pop-rock en el primer caso y mas bello, evocador y melancólico el segundo.
Entre medias, se permite el lucimiento instrumental, donde la guitarra de Hastings (todo un guitar hero), distorsionada por el uso permanente del pedal casi se confunde con el órgano Hammond y el mellotrón, y ahí si que la influencia del sonido progresivo y el jazz rock resulta evidente, especialmente en bajo y batería que operan con total libertad y cierta improvisación, pero en una asociación y sincronización perfecta.

Aunque todos los discos de Caravan, al menos hasta 1973, merecen realmente la pena, probablemente esta es su creación mas completa.

LISTA DE CANCIONES

1. "Golf Girl" 5:05
2. "Winter Wine" 7:46
3. "Love to love you (And tonight pigs will fly)" 3:06
4. "In the Land of Grey and Pink" 4.51
5. "Nine Feet Underground"
I. "Nigel Blows a Tune"
II. "Love's a Friend"
III. "Make It 76"
IV. "Dance of the Seven Paper Hankies"
V. "Hold Grandad by the Nose"
VI. "Honest I Did!"
VII. "Disassociation"
VIII. "100% Proof"

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A destacar entre 5:55 y 10:48

A destacar entre 1:12 y 8:45

MC5- KICK OUT THE JAMS (1969)

2010-11-14T03:39:00.000-08:00

Hacía tiempo que quería comentar este disco y circunstancialmente he decidido recuperarlo ahora. La verdad es que ya hablé bastante de él en el texto que dediqué al Fun House de The Stooges, otro grupo de Detroit de características similares, y en su momento menos valorados que MC5 (abreviatura por cierto de Motor City Five, pues eran cinco y la ciudad del motor es evidentemente la capital del estado de Michigan, de donde eran originarios), pero que sin embargo, sin haber sido olvidados, han sido superados en cuanto a consideración crítica por sus paisanos. Si bien, el grupo de Fred "Sonic" Smith y Wayne Kramer puede estar orgulloso de haber vendido mucho mas en su momento.

Destacar (por si alguien no lo supiera) que se trata de un disco grabado en directo, algo arriesgado y atípico para tratarse de su LP de debut. Teniendo en cuenta que es el segundo de este estilo que comento (después del The turning point de John Mayall), hay que valorar por tanto su importancia, si bien en su momento fue denostado por gurús de la crítica musical como el mítico Lester Bangs.

Grabado en el autentico santuario escénico de MC5, el Detroit's Grande Ballroom, refleja, no obstante, la efervescencia y la energía de un momento determinado, incluyendo algún incendiario discurso al comienzo de las canciones que fue objeto de controversia en su momento.

LISTA DE CANCIONES
1."Ramblin' Rose" (Fred Burch, Marijohn Wilkin) – 4:15
2."Kick Out the Jams" (MC5) – 2:52
3."Come Together" (MC5) – 4:29
4."Rocket Reducer No. 62 (Rama Lama Fa Fa Fa)" (MC5)– 5:41
5."Borderline" (MC5)– 2:45
6."Motor City Is Burning" (Fred "Sonic" Smith, Al Smith) - 6:04
7."I Want You Right Now" (C. Frechter, L. Page) – 5:31
8."Starship" (MC5, Sun Ra) – 8:15

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TYRANNOSAURUS REX- MY PEOPLE WERE FAIR AND HAD SKY IN THEIR HAIR...BUT NOW THEY'RE CONTENT TO WEAR STARS ON THEIR BROWS (1968)

2010-08-07T11:07:00.000-07:00

A Marc Bolan no se le ha dado el papel que le corresponde por su trayectoria, aunque sus canciones sigan siendo recordadas periódicamente en emisoras de radio o películas. Durante los primeros 70 compartió el estrellato mediático de aquello que se dio en llamar glam rock y que fue un concepto creado por él, aunque Bowie supo hacer suya la idea. Curiosamente además de música, estilo y productor, los dos compartieron una trayectoria previa similar.

Iniciados ambos dentro de los mods londinenses, Bolan (nacido Mark Feld, se dice que tomó su apellido-pseudónimo del anagrama de las primera y última sílabas de Bob Dylan) llegó a ser bastante popular dentro de ese movimiento, hasta el punto de aparecer en algún reportaje fotográfico en revistas de la época.

En esa línea iba su primera formación seria, John's Children, pero después daría un paso hacia el folk y sonidos acústicos (al igual que Bowie, que durante aquella época incluso dudó en dejar la música para dedicarse a una carrera exclusiva como actor ante los pobres resultados de sus primeras grabaciones).

A partir de 1967 con el advenimiento de la psicodelia, Bolan se movió entre un subgrupo de hippies londinenses con gusto por la literatura de Tolkien y cierto realismo fantástico y naturalista.
Casado con June Child, que fue secretaria de Pink Floyd, a la que conoció dada su admiración por Syd Barrett (la influencia de este no fue baladí), y con un cocktail del propio Barrett, Dylan e influencias folk, rock y blues, una vez disueltos John's Child funda Tyrannosaurus Rex, reclutando a Steve Peregrin Took (referencia clara a El Señor de los Anillos) a los bongos y percusiones; con Bolan a la guitarra, piano y como cantante (y doblándose a si mismo si hacía falta una segunda voz) y presentando este primer álbum.

Curioso y con momentos brillantes (añado que creo que es el mejor título de un disco que yo recuerde), para algunos autores como Haro Ibars supera al Bolan glam-rockero. Ese que reduciría poco después el nombre a T. Rex (en realidad el propio Marc cambiando a Took por Mickey Finn junto a un grupo de músicos de rock, con una orientación mas comercial y la producción, en común con Bowie, de Tony Visconti, además amigo personal de ambos). Opinión que yo no comparto totalmente, pero si podemos ver en estas canciones la lógica semilla de los futuros T. Rex, ya que ciertos tonos acústicos nunca abandonaron a Bolan en su periplo posterior.

Porque Bolan fue el único que pudo cuestionar a Bowie su reinado de principios de los 70 y además fue el verdadero autor del concepto de glam rock. Al menos hasta 1974 pues luego su estrella decayó, refugiándose en la TV y falleciendo prematuramente en accidente de tráfico en 1977. La historia de la música le debe a Bolan un lugar entre los grandes, y aunque es recordado periodicamente, se pasa de puntillas por su trayectoria. Con esto recuperamos este curioso punto de partida del que luego llegó a ser justa superestrella.

Por cierto, la notable portada del disco, fiel reflejo de la música, las ideas y el lirismo del Marc Bolan primerizo, es obra de George Underwood.

LISTA DE CANCIONES

1.HOT ROD MAMA
2.SCENESCOF
3.CHILD STAR
4.STRANGE ORCHESTRAS
5.CHATEAU IN VIRGINIA WATERS
6.DWARFISH TRUMPET BLUES
7.MUSTANG FORD
8.AFGHAN WOMAN
9.KNIGHT
10.GRACEFUL FAT SHEBA
11.WEILDER OF WORDS
12.FROWNING ATAHUALLPA

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Tyrannosaurus Rex- Mustang ford (versión rara, reducida, acústica y en directo)

THE UNDERTONES- THE UNDERTONES (1979)

2010-08-07T10:55:00.000-07:00

Refrescante álbum de debut de esta banda norirlandesa que al contrario que sus paisanos Stiff Little Fingers, demuestran que en ese país se podía hacer un punk no solo combativo sino también lúdico y alegre.
Con los Ramones en el punto de mira, u otras bandas que mezclaban punk y pop juvenil como Buzzcocks o Rezillos, pero también en la música surf o sonidos de los 60 (no creo que esté equivocado si veo una referencia en la foto de contraportada a la cubierta del primer disco de los Who en su edición inglesa).

Canciones muy breves, sencillas pero energéticas y pegadizas (compuestas mayoritariamente por los dos guitarristas, los hermanos O'Neill y el batería Billy Doherty), llenas de rock, power pop y letras despreocupadas, en un disco que debe ser escuchado preferiblemente de una sola vez para captarlo en toda su intensidad, con bombazos inolvidables como Teenage Kicks, destacando en la intensa voz del vocalista Feargal Sharkey, luego en solitario y en el fugaz proyecto de tecno pop (un single) The Assembly, con Vince Clarke (ex miembro fundador de Depeche Mode y Yazoo).

The Undertones siguieron unos años mas funcionando con cierto éxito (tienen un segundo LP, Hypnothised, también muy notable), pero este disco de debut es casi inigualable: fresco y directo.

LISTA DE CANCIONES

1. "Family Entertainment"
2. "Girls Don't Like It"
3. "Male Model"
4. "I Gotta Getta"
5. "Teenage Kicks"
6. "Wrong Way"
7. "Jump Boys"
8. "Here Comes The Summer"
9. "Get Over You"
10. "Billy's Third"
11. "Jimmy Jimmy"
12. "True Confessions"
13. "She's A Runaround"
14. "I Know a Girl"
15. "Listening In"
16. "Casbah Rock"
17. "Smarter Than U"
18. "Emergency Cases"
19. "Top Twenty"
20. "Really Really"
21. "Mars Bars"
22. "She Can Only Say No"
23. "One Way Love"
24. "You've Got My Number
25. "Lets Talk About Girls"

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LLOYD COLE AND THE COMMOTIONS- RATTLESNAKES (1984)

2010-08-07T10:49:00.000-07:00

LISTA DE CANCIONES

1. Perfect Skin 3:16
2. Speedboat 4:37
3. Rattlesnakes 3:28
4. Down On Mission Street 3:49
5. Forest Fire 4:39
6. Charlotte Street 3:55
7. 2cv 2:52
8. Four Flights Up 2:37
9. Patience 3:40
10. Are You Ready To Be Heartbroken?

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GENERATION X- KISS ME DEADLY (1981)

2010-07-29T10:41:00.000-07:00

Generation X fue una de las múltiples bandas punk surgidas en el Reino Unido en la segunda mitad de los 70, aunque viraron algo mas y de forma progresiva hacia sonidos mas comerciales.

Este fue su disco de despedida: su cantante Billy Idol emigró a Estados Unidos a iniciar una carrera en solitario, que en los primeros años fue exitosa, aunque alejándose de su sonido inicial, y el bajista Tony James puso a funcionar sus neuronas para reclutar unos músicos y disfrazarse con el nombre de Sigue Sigue Sputnik, llegando a contar la colaboración del productor y compositor Giorgio Moroder, supiendo explotar la gamberrada como éxito de temporada para consumidores adolescentes, pero donde los ramalazos guitarreros de Neil X hacían honor al pasado de James y a una de sus fuentes de inspiración.

A destacar que el disco contiene Dancing with myself, mayor éxito comercial del grupo y que fue versioneada apenas un año después por el propio Idol ya en solitario, lo que puede inducir a confusiones.

LISTA DE CANCIONES

1."Dancing With Myself"
2."Untouchables"
3."Happy People"
4."Heavens Inside"
5."Triumph"
6."Revenge"
7."Stars Look Down"
8."What Do You Want"
9."Poison"
10."Oh Mother"

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BOO RADLEYS- GIANT STEPS (1993)

2010-07-27T10:31:00.000-07:00

Giant Steps, tercer disco de la banda procedente del Merseyside inglés Boo Radleys, fue saludado en algunos medios como el Revolver de los 90. La referencia a una de los mejores álbumes Beatle, aunque algo exagerada, probablemente hay que situarla en el contexto que supone la evolución de esta banda desde sus inicios, sin obviar que es fácil reconocer trazos en las melodias que evocan a sus casi vecinos o a Burt Bacharach, una incipiente neo-psicodelia pero con guitarras mas agresivas y distorsionadas.

Y esto último es debido a que Boo Radleys (nombre que referencia a un personaje de la novela, y posterior película, Matar a un ruiseñor) fueron metidos en el paquete de grupos que practicaban shoegaze, uno de los estilos dominantes en la escena británica de los primeros 90, que mezclaba referencias al sonido de la segunda mitad de los 60 con guitarreos distorsionados y sonidos algo cósmicos y etéreos, en contraposición a lo que hacían los grupos de la escena de Manchester, el otro sector importante de bandas inglesas (el nombre de shoegazing hace referencia a mirar el suelo, algo que hacían muchos de estos grupos mientras actuaban en concierto).

Aunque Giant steps (pasos de gigante) hizo honor a su nombre en la trayectoria de esta formación, el grupo fue quedando en el olvido eclipsado por aquella farsa que se dio en llamar brit pop, una pobre fotocopia del glorioso pasado musical inglés o de alguno de sus herederos como Paul Weller, llevada a cabo por muchos grupos sobrevalorados (Oasis, Blur, con apenas uno o dos elepés de cierto mérito) y muchas bandas de usar y tirar, aunque es verdad que dentro de aquello se incluyeron algunos grupos de calidad, como Pulp, Suede o The Charlatans, al menos parcialmente.

Boo Radleys se difuminaron con la década de los 90 pero conviene recuperar su discografía, mas de uno se llevará una sorpresa.

LISTA DE CANCIONES

1."I Hang Suspended" - 3:57
2."Upon Ninth and Fairchild" - 4:50
3."Wish I Was Skinny" - 3:37
4."Leaves and Sand" - 4:25
5."Butterfly McQueen" - 3:28
6."Rodney King (Song for Lenny Bruce)" - 2:45
7."Thinking of Ways" - 3:48
8."Barney (...and Me)" - 4:42
9."Spun Around" - 2:31
10."If You Want It, Take It" - 2:47
11."Best Lose the Fear" - 4:12
12."Take the Time Around" - 4:07
13."Lazarus" - 4:38
14."One Is For" - 1:36
15."Run My Way Runway" - 2:20
16."I've Lost the Reason" - 5:17
17."The White Noise Revisited" - 5:02

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ROXY MUSIC- ROXY MUSIC (1972)

2010-07-20T10:06:00.000-07:00

Aunque fuera de Inglaterra obtuvieron mas popularidad a partir de la segunda mitad de los 70, Roxy Music hicieron su debut con este álbum y plenamente inscritos dentro del paquete de bandas del llamado glam rock, entonces en pleno apogeo.

Procedentes del norte de Inglaterra aunque radicados en Londres, entre ellos se contaba inicialmente el músico, compositor y luego productor Brian Eno, responsable en gran parte del sonido inicial de la banda, pero el choque con Bryan Ferry, líder, cantante y autor de prácticamente todo el repertorio de Roxy Music fue demasiado fuerte y no tardó mucho en ser apartado del grupo, cambiando un poco la línea musical a partir de entonces,con Ferry pergeñándose como una especie de dandy del pop inglés (entonces tal vez lo fuera realmente).

Pero a fuerza de ser justos, los imaginativos y fantasiosos arreglos de Eno realizados fundamentalmente con teclados y diferentes artificios sonoros (cintas pregrabadas, etc.) provocaron que estos dos primeros LPs en los que intervino fueran mas originales que los siguientes, algo que Eno mantendría en su carrera en solitario iniciada en 1974 con el excelente Here come the warm jets (que seguro comentaré en fechas posteriores), con colaboración de todos sus ex compañeros de grupo (excepción lógica de Ferry), y en una labor extensa cómo productor que incluye Talking Heads o Devo.
Aunque a decir verdad, este fue uno de los grupos que hasta su desaparición en 1982 se puede decir que no grabaran ningún disco de relleno, pese a moverse en senderos mas comerciales.

A destacar en este disco el collage sonoro que lo inicia, Re-make Re-model, con intervención de todos los músicos de la banda y referencia a otros temas de diferentes artistas; Virginia Plain, un tema que funcionó muy bien en las listas o la creatividad de Eno combinada con el talento compositivo de Ferry en Ladytron.

Por cierto, la modelo de portada es Kari Ann Muller, a la sazón esposa de Chris Jagger (hermano de Mick) y que comenzaría a marcar un estilo que se continuaría en las siguiente cubiertas del grupo que se caracterizaron por la aparición de modelos en las mismas (a destacar el Country life, en la que figuran seguidoras alemanas que decidieron posar expresamente), un poco como imagen de marca de la banda.

Roxy Music fue considerado uno de los mejores álbumes de debut de los 70 en el Reino Unido. Quizá algo exagerado... ¿O tal vez no?

LISTA DE CANCIONES

1."Re-Make/Re-Model" – 5:14
2."Ladytron" – 4:26
3."If There Is Something" – 6:34
4."Virginia Plain" – 2:58 (not included on the original British release)
5."2HB" – 4:30
6."The Bob (Medley)" – 5:48
7."Chance Meeting" – 3:08
8."Would You Believe?" – 3:53
9."Sea Breezes" – 7:03
10."Bitters End" – 2:03

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Re-make Re-model (live)

MICK RONSON- SLAUGHTER ON 10th AVENUE (1974)

2010-07-07T09:49:00.000-07:00

Tras la grabación de Aladdin Sane en 1973, y el disco de versiones Pin Ups (este un punto negro en una serie de discos prodigiosos, en mi opinión) David Bowie y el guitarrista, pianista, arreglista y productor Mick Ronson rompieron amistosamente una relación profesional de al menos un lustro, cuando este último formó parte de la banda inicialmente conocida como Hype y luego como The Spiders from Mars, que integró junto al bajista Trevor Bolder (que sustituyó a Tony Visconti, también productor de Bowie y T. Rex, amigo de ambos y músico de estudio ocasional en sus álbumes) y el batería Woody Woodmansey, que acompañó al Duque Blanco desde el álbum The man who sold the world, hasta el citado, antes de que en 1974 Bowie con Diamond Dogs cambiara de estilo y acompañantes. Ronson también coprodujo con Bowie e intervino como músico en el Transformer
de Lou Reed.

Slaughter..., supuso pues el debut en solitario de Ronson, en cuya grabación intervinieron también Bowie, como productor (y autor del tema Growing up and I'm fine), Bolder, Mike Garson (pianista de Bowie en sus dos anteriores discos y también en el Diamond Dogs) y el experimentado batería británico Aynsley Dunbar, que formó parte del equipo de Bowie a partir de 1973, y que también estuvo en el antes mencionado Transformer.

En este LP podemos comprobar que el punto fuerte de Ronson no es la composición (casi todos los temas son versiones), pero también algo que ya sabíamos, que se trata de un excelente músico y arreglista, y que fue la mano derecha de Bowie por algo, ya que a tenor de lo que escuchamos, fue responsable en gran parte del sonido de aquellos discos en que intervino. Da la sensación que Slaughter... es un disco inédito del Bowie de la etapa glam, a ello contribuye no solo la guitarra sino la voz de Ronson, muy similar a la de David hasta el punto de que hacía la segunda voz en los discos de su "jefe", con resultados similares.

Iniciamos el disco con una versión del Love me tender, que ya deja claro lo anterior, parece un bonus track del propio Pin Ups. El resto de temas parecen sacados del Ziggy Stardust o Aladdin Sane, con dos excepciones, Music is lethal, donde la influencia de Scott Walker o Jacques Brel puede estar presente, pese a tratarse de una versión del italiano Lucio Battisti. Y en el final de fiesta, que da titulo al album, una revisión de un tema que popularizó a principios de los 60 la banda de surf instrumental The Ventures, en tono grandilocuente.

La carrera en solitario de Ronson no fue un gran éxito, de hecho con posterioridad volvió a la producción, y también nos abandonó muy pronto, en 1991, pero sigue figurando en las listas de mejores guitarristas y su legado musical es mayor de lo que su recuerdo, al menos fuera de Reino Unido, merece.

LISTA DE CANCIONES

1."Love Me Tender" (Ken Darby)
2."Growing Up and I'm Fine" (David Bowie)
3."Only After Dark" (Mick Ronson, Scott Richardson)
4."Music Is Lethal" (David Bowie, Lucio Battisti)
5."I'm the One" (Annette Peacock)
6."Pleasure Man/Hey Ma Get Papa" (Mick Ronson, Scott Richardson, David Bowie)
7."Slaughter on Tenth Avenue" (Richard Rodgers)

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CAMPER VAN BEETHOVEN- OUR BELOVED REVOLUTIONARY SWEERHEART (1988)

2010-06-27T09:11:00.000-07:00

LISTA DE CANCIONES

1 Eye Of Fatima (Pt. 1) (2:37)
2 Eye Of Fatima (Pt. 2) (2:15)
3 O Death (3:06)
4 She Divines Water (3:53)
5 Devil Song (1:56)
6 One Of These Days (3:27)
7 Turquoise Jewelry (3:07)
8 Waka (2:45)
9 Change Your Mind (3:02)
10 My Path Belated (2:35)
11 Never Go Back (3:25)
12 The Fool (2:36)
13 Tania (3:46)
14 Life Is Grand (3:23)

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FUNKADELIC- MAGGOT BRAIN (1971)

2010-06-17T08:46:00.000-07:00

George Clinton es un auténtico gurú del soul, funk y psicodelia negra. Radicado en Detroit, el mismo luigar de la mas amable compañía de soul Tamla Motown, con sus grupos paralelos Funkadelic y Parliament ha tratado de fusionar diferentes estilos negros y blancos.

Con una notable formación de músicos entre los que destacó el guitarrista Eddie Hazel (hay cierta evocación a Hendrix en los trazos de algunos temas), tras un primer LP homónimo y el también notable Free your mind, llegó este tercer disco que tal vez fue tal vez su mejor creación (aunque siguieron ofreciendo notables álbumes con posterioridad), y supusieron, quizá con Sly and the Family Stone, los motores de un cambio no solo de estilo en la música negra, sino en asumir una postura mas combativa en letras y actitudes sonoras.

Por cierto, Maggot Brain puede traducirse como cerebro de lombriz y Lombriz de tierra, a eso puede hacer referencia la vistosa portada, aunque algunos ven referencias alegóricas a determinados sucesos del pasado de George Clinton.

LISTA DE CANCIONES

1."Maggot Brain" (George Clinton, Eddie Hazel) – 10:20
2."Can You Get to That" (Clinton, Ernie Harris) – 2:50 (released as a single-Westbound 185)
3."Hit It And Quit It" (Clinton, Billy Bass Nelson, Garry Shider) – 3:50 (released as a single-Westbound 198)
4."You and Your Folks, Me and My Folks" (Clinton, Judie Jones, Bernie Worrell) – 3:36 (released as a single-Westbound 175)
5."Super Stupid" (Clinton, Hazel, Nelson, Tawl Ross) – 3:57
6."Back in Our Minds" (Fuzzy Haskins) – 2:38
7."Wars of Armageddon" (Clinton, Tiki Fulwood, Ross, Worrell) – 9:42

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SMOKEY ROBINSON & THE MIRACLES- THE TEARS OF A CLOWN (A.K.A. "MAKE IT HAPPEN") (1967)

2010-06-07T08:32:00.000-07:00

Smokey Robinson es toda una figura de la Tamla Motown, la histórica compañía de soul (¿o pop negro?) comercial de Detroit, compartiendo desde un principio la tarea de cantante de su propio grupo como la de autor de canciones propias para diferentes artistas de la compañía que las llevaron al éxito (Four Tops, Mary Wells, The Marvelettes, incluso los Beatles hicieron una versión suya, You really got a hold on me en su segundo álbum, With the Beatles).

Considerado por Bob Dylan como el mayor poeta urbano americano vivo, en principio sus LP's con the Miracles, su grupo de acompañamiento, no pasaban de ser meras sumas de sus prodigiosos singles pero con este disco consiguió su mayor creación global.

Titulado inicialmente Make it Happen, el éxito de su tema principal (y que cierra el LP) llevó a renombrarlo en algunos países con ese nombre.

Pero The tears... no está sola, Don’t think it’s me, More love o My love is your love, con los prodigiosos arreglos y producción propias del northern soul y con la intervención, aparte del propio Robinson, de otras luminarias de la Motown como Stevie Wonder o Holland-Dozier-Holland.
La característica voz de Robinson, fina y aguda, casi femenina, y la sobredosis de tonos melódicos no solo desvirtuan las composiciones sino que en este caso le dan un valor añadido.

Hacía tiempo que no comentaba un disco de soul. Ya tocaba, pero es que además a este le tengo especial cariño.

LISTA DE CANCIONES

1."The Soulful Shack" (Smokey Robinson)
2."The Love I Saw in You Was Just a Mirage" (Robinson, Marvin Tarplin)
3."My Love for You" (Clarence Paul, Morris Broadnax)
4."I'm On The Outside (Looking In)" (Bob Weinstein, Teddy Randazzo)
5."Don't Think It's Me" (Robinson)
6."My Love Is Your Love (Forever)" (Ivy Jo Hunter, Stevie Wonder)
7."More Love" (Robinson)
8."After You Put Back the Pieces (I'll Still Have a Broken Heart)" (Paul, Broadnax, Wonder)
9."It's a Good Feeling" (Holland-Dozier-Holland)
10."You Must Be Love" (Robinson, Warren Moore)
11."Dancing's Alright" (Robinson, Tarplin, Moore, Robert Rogers, Ronald White)
12."The Tears of a Clown" (Robinson, Wonder, Henry Cosby)

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PENTANGLE- SWEET CHILD (1968)

2010-05-27T08:16:00.000-07:00

Durante la segunda mitad de los 60 florecieron en Reino Unido muchos grupos que mezclaban elementos de folk, jazz, música tradicional o psicodelia en diferentes grados: Fairport Convention, Soft Machine o Caravan, entre otros.

Una de aquellas bandas, mas orientada inicialmente al folk, fueron Pentangle, grupo que conoció diferentes formaciones a lo largo de los años pero que en su mejor momento juntaba al cantautor Bert Jansch, que luego funcionó en solitario, John Renbourn, Danny Thompson o a la vocalista Jacquie McShee.

Tras un primer disco homónimo producido por Shel Talmy (que había trabajado con The Who en sus primeros años), llega este segundo LP, que combina una parte de estudio y otra grabada en directo, y que es considerada su mejor creación.

Pese a lo que pueda pensarse, Pentangle funcionó bien comercialmente, al menos hasta los primeros 70 donde la formación fue disolviéndose progresivamente, con sucesivas reuniones pero sin la banda original.

LISTA DE CANCIONES

Live album
1."Market Song" (Pentangle) – 4:23
2."No More My Lord" (Traditional) – 4:05
3."Turn Your Money Green" (Furry Lewis) – 2:59
4."Haitian Fight Song" (Charles Mingus) – 3:52
5."A Woman Like You" (Jansch) – 4:06
6."Goodbye Pork Pie Hat" (Charles Mingus) – 3:48
7."Three Dances" – 4:57
"Brentzel Gay" (Claude Gervaise)
"La Rotta" (Trad.)
"The Earle Of Salisbury" (William Byrd)
8."Watch The Stars" (Traditional) – 3.11
9."So Early In The Spring" (Traditional) – 3:37
10."No Exit" (Jansch / Renbourn) – 2:22
11."The Time Has Come" (Anne Briggs) – 3:14
12."Bruton Town" (Traditional) – 6:27

CD Bonus tracks:
1."Hear My Call" – 3:48
2."Let No Man Steal Your Thyme" – 2:59
3."Bells" – 4:45
4."Traveling Song" – 4:17
5."Waltz" – 6:00
6."Way Behind the Sun" – 2:59
7."John Donne Song" – 3:24
[edit] Studio album
1."Sweet Child" (Pentangle) – 5:15
2."I Loved A Lass" (Traditional) – 2:44
3."Three Part Thing" (Jansch / Renbourn / Thompson) – 2:29
4."Sovay" (Traditional) – 2:51
5."In Time" (Cox / Jansch / Renbourn / Thompson) – 5:09
6."In Your Mind" (Pentangle) – 2:16
7."I've Got A Feeling" (Pentangle) – 4:29
8."The Trees They Do Grow High" (Traditional) – 3:51
9."Moon Dog" (Cox) – 2:44
10."Hole In My Coal" (Ewan MacColl) – 5:23

CD Bonus tracks:
1."Hole In My Coal" (alternate version) – 2:44
2."The Trees They Do Grow High" (alternate version) – 3:52
3."Haitian Fight Song" (studio version) – 4:20
4."In Time" (alternate version) – 4:40

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HUSKER DÜ- CANDY APPLE GREY (1986)

2010-05-17T08:04:00.000-07:00

El hardcore nació como una mezcla de punk y hard rock a principios de los 80, pero no salió demasiado de la clandestinidad comercial. Sin embargo el trío (uno de tantos ilustres en la historia del rock) de Minneapolis Husker Du probablemente fueron los primeros en tratar de combinar ese tipo de sonidos con melodías mas comerciales. Tras sus cinco primeros álbumes, entre los que cabe destacar, en mi opinión, Zen Arcade y New Day Rising, captaron la atención de una gran compañía como Warner que valoró la bicoca que se podía encontrar en estos grupos, tratándose seguramente de la primera vez que esto ocurría; lo cual daría lugar a que muchas de estas bandas (posterior grunge incluido) fueran alimento de muchas de las FMs americanas a finales de los 80 y principios de los 90.

Compartiendo liderato y autoría de canciones, el batería y cantante Grant Hart, autor de la excelente Don’t want to know if you are lonely, y Bob Mould, bajista y también voz y de un sonido mas directo y menos elaborado. Completando el grupo mas discretamente el bajista Greg Norton, que termina de engrasar esta maquinaria pesada.

No es de mis discos favoritos pese a algunos temas muy buenos, y dentro de este tipo de grupos, también quedan lejos de mis preferidos; pero tengo la intención de rescatar buenos discos del olvido y creo que este lo merece.

LISTA DE CANCIONES

1."Crystal" (Mould) – 3:28
2."Don't Want to Know If You Are Lonely" (Hart) – 3:29
3."I Don't Know for Sure" (Mould) – 2:27
4."Sorry Somehow" (Hart/Mould) – 4:25
5."Too Far Down" (Mould/Hart) – 4:37
6."Hardly Getting Over It" (Mould) – 6:02
7."Dead Set on Destruction" (Hart) – 2:59
8."Eiffel Tower High" (Mould) – 2:49
9."No Promise Have I Made" (Hart) – 3:39
10."All This I've Done for You" (Mould) – 3:09

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COUNT FIVE- PSYCHOTIC REACTION (1966)

2010-05-07T07:58:00.000-07:00

LISTA DE CANCIONES

1. Double-Decker Bus
2. Pretty Big Mouth
3. The World Listen
4. My Generation
5. She's Fine
6. Psychotic Reaction
7. Peace of Mind
8. They're Gonna Get You
9. The Morning After
10. Can't Get Your Lovin'
11. Out in the Street
12. Contrast

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THE EXPLODING HEARTS- GUITAR ROMANTIC

2010-04-27T07:42:00.000-07:00

La trayectoria de The Exploding Hearts desgraciadamente fue muy breve, ya que, tras formarse la banda en 2001 y publicar este LP en 2003, un accidente de tráfico acabó con la vida de tres de los cuatro componentes de la banda (Adam Cox, guitarra rítmica y cantante, el batería Kidd Killer y el bajista Matt Fitzgerald), y el único superviviente, el guitarra solista Terry Six, logicamente no quiso seguir con este proyecto.

Lamentablemente no podemos saber donde hubiera llegado este grupo de Oregón, pero he de decir que este álbum fue una de las mas refrescantes sorpresas de ese año 2003 e incluso de la década, una mezcla de punk y power pop enérgico y festivo que podía evocar los primeros tiempos de The Clash, Ramones, The Jam o Buzzcocks con ciertas reminiscencias de los 60; todo ello sobre una sección rítmica ágil y pegadiza, unida a los riffs de la Rickenbaker de Six. La producción provoca que el sonido sea algo sucio, lo cual puede ser un defecto pero también una virtud teniendo en cuenta las influencias de la banda.

A destacar temas como I'm a pretender, Sleeping aides and razorblades o Throwaway style, canciones que, es verdad, suenan a mil veces oídas, pero no por ello dejan de ser efectivas y quedarán permanentemente en el recuerdo del oyente al que le agrade este tipo de música o alguno de los grupos anteriormente citados.

El guitarrista Terry Six, por cierto, se involucró en el proyecto musical The Niceboys, y el LP Shattered, publicado con posterioridad, refleja el material de The Exploding Hearts que no se publicó en Guitar Romantic y algunas tomas alternativas.

LISTA DE CANCIONES

01 - Modern Kicks
02 - I'm a Pretender
03 - Thorns in Roses
04 - You're Black and Blue
05 - Sleeping Aides and Razor Blades
06 - Rumours in Town
07 - Throwaway Style
08 - Boulevard Trash
09 - Jailbird
10 - Still Crazy

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THE BOX TOPS- THE LETTER (1967)

2010-04-10T11:04:00.000-07:00

Otro que nos dejó, este en el pasado mes de marzo (tristemente se está comenzando a convertir en algo habitual empezar así), fue Alex Chilton, objeto de culto sobre todo por sus años en Big Star, pero que comenzó con este notable grupo de soul blanco (era de Memphis), The Box Tops.

Este primer disco era mucho mas que el éxito que le da título. La desaparición de Chilton, para variar, pasó desapercibida entre los medios españoles, excepto aquellos muy especializados, pero no para nosotros. Siempre nos quedará, como con tantos otros, su música.

LISTA DE CANCIONES

1."The Letter" (Wayne Carson Thompson) – 1:55
2."She Knows How" (Thompson) – 3:08
3."Trains and Boats and Planes" (Burt Bacharach, Hal David) – 3:48
4."Break My Mind" (John D. Loudermilk) – 2:29
5."A Whiter Shade of Pale" (Gary Brooker, Keith Reid) – 4:34
6."Everything I Am" (Spooner Oldham, Dan Penn) – 2:20
7."Neon Rainbow" (Thompson) – 3:04
8."People Make the World" (Bobby Womack) – 2:31
9."I'm Your Puppet" (Oldham, Penn) – 2:54
10."Happy Times" (Oldham, Penn) – 1:46
11."Gonna Find Somebody" (Womack) – 3:02
12."I Pray for Rain" (Oldham, Penn) – 2:26

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BLUE CHEER- VINCEBUS ERUPTUM (1968)

2010-01-17T10:48:00.000-08:00

Otro de los que nos dejaron el año pasado, con el total olvido de los medios (como suele ser habitual) fue Dickie Peterson, bajista y cantante que integraba junto a Leigh Stephens (guitarrista) y Paul Whaley (batería) el trío Blue Cheer (nombre tomado de un tipo de pastilla alucinógena), radicados en San Francisco (aunque sin nada que ver con otros grupos contemporáneos de la misma ciudad), los cuales ofrecían blues y rock en estado puro y contundente, sin los artificios psicodélicos de Cream o Jimi Hendrix.

Este primer disco que publicaron supuso en cierto modo un paso adelante dentro del rock, anticipándose a otras propuestas del otro lado del Atlántico que vendrían poco después, como Led Zeppelin o Bad Company, eso si, probablemente mejores en resultados a los de este LP (Vincebus eruptum se nutre sobre todo de versiones, aunque se ha revalorizado con los años).

A destacar la salvaje versión del clásico de Eddie Cochran Summertime blues, pero no menos Out of focus o una revisión de B.B. King, Rock me baby. Sus siguientes intentos pasaron aún más desapercibidos, pero Peterson siguió siempre al pie del cañón, pasando sus últimos años en Alemania, donde continuó haciendo apariciones sobre el escenario.

LISTA DE CANCIONES

1. Summertime Blues (3:47)
2. Rock Me Baby (4:22)
3. Doctor Please (7:53)
4. Out Of Focus (3:58)
5. Parchment Farm (5:49)
6. Second Time Around (6:18)

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ADAM AND THE ANTS- KINGS OF THE WILD FRONTIER (1980)

2009-11-28T03:57:00.000-08:00

Entiendo que la gente que haya vivido esos años en primera persona (yo era aún muy pequeño) pueda sentirse decepcionada al ver aparecer en esta lista de discos a un grupo como Adam & The Ants y este LP en particular, que fue un producto relativamente comercial (se grabó en una filial de la multinacional CBS, Epic, y en su momento tuvo grandes ventas) y fue olvidado al pasar su momento de gloria.
De hecho, fueron incluidos parcialmente, por ciertas similitudes, en el mismo saco que a los denostados (en algunos casos no lo merecían tanto) Nuevos Románticos. Pero sería muy injusto condenarlo al olvido por ello dadas sus muchas virtudes, y por otro lado, las pocas personas que me hayan leído con cierta continuidad sabrán que no es el primer álbum de esas coordenadas que he tratado y trataré aquí.

Adam Ant (de nombre real Stuart Leslie Goddard, nacido en 1959 en Londres y también actor ocasional) hizo su entrada en escena musical en plena eclosión del punk, y con la primera formación de esta banda grabó el LP Dirk wears white sox, que merece cierta atención pero que se perdió en el batiburrillo de grupos y sonidos similares de aquellos años.
Cuando empezó a encontrar la llave del éxito, el modista y promotor Malcolm McLaren, la materia gris en el aspecto mediático que había tras los Sex Pistols (los cuales en aquel momento acababan de finalizar su breve existencia), se llevó á todos los compañeros de Adam con sus nuevos pupilos, Bow Wow Wow, para acompañar a la vocalista de solo 14 años Annabella Lwin (que por cierto aparecía desnuda en la portada del primer album, lo que demostraba que la caja registradora de McLaren seguía bien engrasada).

Así que Adam tuvo que empezar de nuevo y encontró la colaboración del guitarrista y amigo Marco Pirroni, ex de Siouxsie & The Banshees, con los que juntó un nuevo grupo que destacó musicalmente por aunar un collage imposible en el que cabían desde glam (Don't be square), punk, o sonidos mas comerciales (Dog eat dog, Ant Music), hasta reminiscencias de las bandas sonoras para spaghetti-westerns de Ennio Morricone (Los Rancheros), con rasgueos de guitarra mas propios de la música surf o del rockabilly.

Todo ello coescrito por Ant y Pirroni y aderezado con sonidos de tam-tam, gritos de indios (o coros al estilo hooligan, o las dos cosas a la vez). A destacar también la inclusión de dos baterías y una estética que incluía disfraces (y tambien un toque de notable ambigüedad sexual, o decididamente gay) en la que Adam en particular vestía a modo de soldado inglés del s. XVIII que habría sido adoptado por alguna tribu india, lo que hacía que llevara la cara con pinturas de guerra y trenzas, mezclado con aspecto de corsarios (¿pudo basarse el personaje de Jack Sparrow, que interpreta J. Depp en la saga Piratas del Caribe, en la imagen de Adam Ant?). Tomando como fuente de inspiración tanto la época glam como las películas de indios y vaqueros o el cine de aventuras de pacotilla y el peplum (que tienen su referencia sonora en temas como Jolly Roger o Feed me to the lions).
La diversión y el concepto de rock como algo juvenil y transgresor, otra vez. Algo que tal vez nos parece tan lejano hoy día.

Años después, Adam Ant afirmó acertadamente en una entrevista que Kings of the wild frontier quizá supuso el último clavo en la tapa del ataúd del punk.

LISTA DE CANCIONES

1.Dog Eat Dog - 3:07
2."Antmusic" – 3:36
3."Los Rancheros" – 3:28
4."Feed Me to the Lions" – 2:59
5."Press Darlings" - 4:12
6."Ants Invasion" – 3:20
7."Killer in the Home" – 4:19
8."Kings of the Wild Frontier" – 3:53
9."The Magnificent Five" – 3:05
10."Don't Be Square (Be There)" – 3:29
11."Jolly Roger" – 2:09
12."Physical (You're So)" - 4:26
13."The Human Beings" – 4:24

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Un par de muestras de Adam & The Ants en directo

UTOPIA- DEFACE THE MUSIC (1980)

2009-11-27T14:05:00.000-08:00

Me permito incluir esta pequeña rareza, injustamente desconocida, por dos motivos.
Primero, porque creo que cumple los requisitos para aparecer aquí y musicalmente es un disco a tener en cuenta. Y segundo por hacer un pequeño guíño a un músico como Todd Rundgren, una importante figura de la música americana de los últimos cuarenta años, destacando mas mediaticamente en su faceta de productor (y también por ser durante un tiempo el presunto padre de la actriz Liv Tyler, pero esa es otra historia que no procede aquí), pero también guitarrista, compositor, cantante e integrante de varios grupos, eso si, mas bien de culto y reconocidos por la critica antes que por el público.

Pese a moverse mas por los senderos del rock progresivo e incluso hard rock, Rundgren siempre fue un gran admirador de los grupos de la british invasión de los 60, es decir, Beatles, Kinks, Who, Stones y compañía.
Algo de ello quedó en su primera banda importante, Nazz (o The Nazz) con la que grabó tres discos interesantes no demasiado multitudinarios (en el primero, de ellos por cierto, homenajeaba-copiaba la portada del With the Beatles, el segundo álbum del cuarteto de Liverpool). Posteriormente, en la producción tuvo entre manos los dos primeros discos (y mejores) de los miticos New York Dolls, y después vinieron trabajos con gente tan variada como The Band, Grand Funk Railroad o Bad Religion.

Mientras tanto, Rundgren había formado una nueva banda, Utopia, un tanto experimental, que contó en su formación definitiva con el propio Todd como voz, guitarra y autor principal del repertorio, Kasim Sulton como bajo, Willie Wilcox (batería) y el teclista Roger Powell.

Tras una trayectoria de discos minoritarios, Rundgren da una vuelta de tuerca y saca este disco sin nada que ver con otros trabajos de la banda, en el que, pese a que el título pueda parecer una revisión de un disco anterior, Face the music, de la ELO, lo que hizo en realidad fue llevar a la máxima expresión su pasión añeja por los Beatles, haciendo una especie de imitación de varios temas del cuarteto, con una primera parte del disco que se centra en la etapa beat en torno a 1964, y una segunda a las grabaciones que realizaron en 1966-67, trabajando además con un estilo de producción similar.

Así, Crystal Ball recuerda claramente a Can't buy me love, I just want to touch you es un pastiche de I saw her standing there, I want to hold your hand o She loves you, pero con un inicio de armónica al estilo de I should have know better o Love me do. El espíritu de Michelle vive en All smiles, Hoi Poloi es un remedo de Penny Lane y como fin de fiesta, hace una mezcla de las lennonianas Strawberry Fields Forever y I'm the walrus en Everybody else is wrong.
Un disco curioso, divertido pero no anecdótico, que revela el talento de un notable músico como Todd Rundgren.

LISTA DE CANCIONES

1. I Just Want to Touch You
2. Crystal Ball
3. Where Does the World Go to Hide
4. Silly Boy
5. Alone
6. That's Not Right
7. Take It Home
8. Hoi Poloi
9. Life Goes On
10. Feel Too Good
11. Always Late
12. All Smiles
13. Everybody Else Is Wrong

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MINK DeVILLE- CABRETTA (1977)- RETURN TO MAGENTA (1978)

2009-09-07T13:38:00.000-07:00

Aunque era una noticia que temíamos dado el estado de gravedad en que se encontraba hace tiempo, en el pasado mes de agosto supimos de la muerte de Willy DeVille. Pese a que hace ya mucho que había perdido el rumbo musical, no cabe duda que sus primeros LPs con el grupo Mink DeVille se hallan entre lo mejor de la música americana en la epoca de la new wave y el punk (si bien yo no lo inscribiría en ninguno de ambos estilos), en ese tránsito entre las décadas de los 70 y los 80, y es por ello que hace tiempo que quería dedicarles un espacio, independientemente de este triste acontecimiento, que, como desgraciadamente sucede con noticias que afectan a artistas alejados del mainstream, no se comentó demasiado en los medios mayoritarios.

DeVille nació en el estado americano de Connecticut (las fechas son dudosas), pero tuvo una vida bastante nómada. Tras funcionar con varios grupos por la zona de la costa oeste y realizar un fallido viaje a Londres tratando de obtener cierta fama, transformó a la última de sus varias bandas, Billy deSade, en Mink DeVille, y se fue nuevamente a probar fortuna en New York, donde se acababa de abrir un mítico local, el CBGB, que dio cabida a las primeras acometidas de gente como Ramones, Blondie, Talking Heads, Television o Patti Smith. Pese a no tener mucho que ver con ellos, el grupo llamó la atención de Ben Edmonds, ejecutivo de Capitol Records, donde grabarían estos dos primeros discos.

El estilo de Mink DeVille se aproximaba mas al rock clásico y a las viejas producciones de Phil Spector con grupos vocales masculinos o femeninos en el Brill Building de Nueva York. No en vano, detrás de Cabretta o Return to Magenta estaba Jack Nitzsche, notable ex músico de estudio de la Costa Oeste, ex compañero de Neil Young en los Stray Gators y como productor, un discípulo aventajado del propio Spector (también produjo a Graham Parker, entre otros).

Con el primer LP, Cabretta, los Mink DeVille obtuvieron cierta repercusión, sobre todo en el Reino Unido, mientras que pasaban bastante desapercibidos en su propio país. No obstante Capitol Records no dudaba del talento del joven Willy y mantuvo su confianza con un segundo disco, Return to Magenta, el cual, aún manteniendo el nivel, pienso que está algo por debajo y no tiene canciones tan redondas como el primero. Su resonancia comercial fue aún menor que con su debut y en una de sus múltiples excentricidades, DeVille huye a París, ciudad por la que siempre sintió una gran fascinación, y se instala allí, grabando otro disco casi a escondidas de la compañía, Coup de Grace, otra notable creación que sin embargo ya escapa a lo que queremos exponer aquí.

Mink DeVille desaparecieron con la llegada de los 80, desde entonces Willy funcionó en solitario, probablemente lejos de la calidad de sus primeras creaciones aunque manteniéndose como un músico atípico. Quede aquí este modesto (y tardío) homenaje, pero afortunadamente la música es inmortal y siempre nos permitirá recordar a sus autores.

LISTA DE CANCIONES

CABRETTA

1."Venus of Avenue D" – 4:57
2."Little Girl" – 4:19
3."One Way Street" – 2:50
4."Mixed up, Shook up Girl" – 3:44
5."Gunslinger" – 2:09
6."Can't Do Without It" – 3:15
7."Cadillac Walk" – 3:14
8."Spanish Stroll" – 3:38
9."She's So Tough" – 2:30
10."Party Girls" – 4:30

RETURN TO MAGENTA

1.“Guardian Angel” - 3:29
2.“Soul Twist” - 2:32
3.“’A’ Train Lady” (David Forman, Duke Levine) - 3:20
4.“Rolene” (John Martin) - 3:51
5.“Desperate Days” - 2:49
6.“Just Your Friends” (Willy DeVille, Jack Nitzsche) - 2:11
7.“Steady Drivin' Man” - 3:40
8.“Easy Slider” - 3:53
9.“I Broke That Promise” - 3:05
10.“Confidence to Kill” (R. Aherns, Louis X. Erlanger) - 1:53

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Una de mis favoritas

VAN McCOY- DISCO BABY (1975)

2009-08-27T13:04:00.000-07:00

Hubo un tiempo que me encantaba ir a las pocas tiendas que ya por entonces quedaban en mi ciudad en las cuales se vendían discos de vinilo. Vinilos de los de verdad, de aquellos que se publicaban cuando todos los álbumes eran así, antes de que muchos en época reciente hayan vuelto a grabarlos de esta forma, por simple esnobismo o por interés economico al descubrir que el formato digital es muy fácil de piratear; eso si, ocultando estos verdaderos motivos bajo el disfraz de un presunto purismo.

Pues bien, en la mayoría de estos entrañables comercios, llenos de buscadores solitarios a la busca de ese gran disco que era difícil de hallar pero que normalmente no estaba al alcance de nuestro bolsillo, comprobábamos, por curiosidad, esa caja que había al fondo que vendía vinilos a 200 pesetas o con el cambio monetario a 1,20 o 1,40 euros. Y a veces nos encontrábamos con sorpresas como este Disco baby, un disco que seguramente no debería estar allí.
Aunque hubo una época en la cual creaciones de este estilo fueron denostadas hasta que, hoy día, parecen estar siendo objeto de cierta recuperación y reivindicación.

Detrás de Disco Baby estaba Van McCoy, uno de los compositores y productores con mas relevancia dentro de los derroteros que tomó la música negra desde principios de los 70.
McCoy empezó formando los típicos grupos para adolescentes en los últimos 50 y primeros 60 y posteriormente, mientras estudiaba psicología, empezó a componer profesionalmente, lo que llamó la atención de varias compañías hasta el punto de que, finalmente, decidió dedicarse totalmente a la música.
Ya como autor asalariado firmó hits menores para importantes grupos vocales negros femeninos como The Shirelles, y partir de los 70, sus discos se pueden inscribir sin tapujos dentro del llamado Sonido de Philadelphia, produciendo y componiendo para varias bandas integradas en ese estilo, pero también para artistas del ámbito de la Motown, como Gladys Knight & The Pipes o el ex-vocalista de los Temptations, David Ruffin.

A mediados de la década, cuando el Sonido Philadelphia decayó en detrimento de la disco music negra que alcanzaba su apogeo, llega este LP, que supone un éxito inesperado, especialmente por la presencia del tema The Hustle que lo lleva al nº 1 de las listas.

Aunque, como decía con anterioridad Disco Baby es susceptible de ser metido en el mismo saco que cualquier disco realizado por los grupos de Philadelphia, se trata de un álbum muy imaginativo, en el que cabe destacar la utilización de instrumentos como la flauta en ese tema principal (con posibles reminiscencias a las grabaciones del músico de jazz Herbie Mann), un sintetizador DK 600 (audible en temas como Hey girl, come and get it, luego versioneado por The Stylistics, otra de las formaciones bajo la influencia de McCoy) que aporta un toque tan decididamente hortera como fantasioso y original. O el tratamiento de los coros, bastante basado tanto en sonidos tribales como en la música de los autores brasileños Vinicius de Moraes y Baden Powell, concretamente en sus composiciones para la banda sonora de la pelicula Orfeo Negro y en su álbum conjunto Afrosamba, que supusieron una evidente fuente de inspiración para McCoy.

Pese a las dudas que nos puede generar por su estilo musical, Disco baby resulta un LP creativo que merece ser rescatado entre lo mejor de la naciente disco music negra, junto a las creaciones de otras luminarias del género como George McCrae, Barry White, Tavares o The Trammps.

No mucho después de este disco, en 1979, Van McCoy falleció de un infarto sin haber cumplido los cuarenta años, y esto le impidió ver los derroteros que tomó la música negra en los 80 y de los que quizá fue precursor. Esto y alguna de las cosas mencionadas antes quizá han contribuido un tanto al olvido de su figura y su música, aparte de pertenecer a un estilo demasiado condicionado y lejos de las tendencias actuales. Pero, afortunadamente, parece que el tiempo pone a cada uno en su sitio y creo que era justo devolver a la memoria a algunos cuyo legado se ha borrado con demasiada e injusta celeridad.

LISTA DE CANCIONES

1. Disco Baby 3:40
2. Fire 3:32
3. The Hustle 4:05
4. Get Dancin' 3:33
5. Doctor's Orders 3:06
6. Turn This Mother Out 3:12
7. Shakey Ground 3:22
8. Spanish Boogie 3:33
9. Pick Up the Pieces 4:47
10. Hey Girl, Come and Get It 3:14

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DEXYS MIDNIGHT RUNNERS- TOO-RYE-AY (1981)

2009-07-19T13:51:00.000-07:00

La verdad es que para hablar de este disco (y no repetir lo que ya comenté entonces) sería conveniente remitirme al artículo que escribí sobre el anterior LP que grabaron Dexys Midnight Runners (y que además supuso su debut), Searching for the young soul rebels, una obra maestra del northern soul hecho por británicos, con claros toques sixty y leves influencias ska, y del cual Too-rye-ay fue una excelente continuación, además recompensado con un éxito comercial del que no disfrutó su antecesor.

El personal vocalista Kevin Rowland seguía al frente del grupo, pero uno de los miembros fundadores y elemento fundamental en las canciones y el sonido del primer disco, Al Archer, había dejado la banda. Sus galones pasaron al trombonista Big Jim Paterson, quien pasó a asumir junto a Rowland la responsabilidad creativa. Por lo demás, se habían introducido numerosas modificaciones, y no solo en el equipo de músicos que les acompañaban. En el estilo seguía percibiendose cierto toque soul de guante blanco y sesentero, pero aquí se aderezó con toques celtas: violines y flautas sustituyeron a la excelente sección de viento de Searching for the young soul rebels. Además, modificaron su estética de estibadores portuarios (al estilo de la pelicula La ley del silencio) por el de trabajadores o granjeros de la época de la revolución industrial (como podemos comprobar en la imagen de Rowland que sirve de portada al disco). Los aires estilo hooligan de los coros de las canciones hacen el resto.

Después de Too-rye-ay, aunque aún hubo un notable álbum posterior (Don't stand me down), las cosas ya no fueron igual. Los problemas de Rowland con sus compañeros y su difícil carácter disminuyeron la producción, y la calidad de sus discos, ya con diferentes formaciones, se resintió.

Pero, aunque no al nivel (por poco) de su primer álbum, nos encontramos con un excelente LP que resultará inolvidable para quien se adentre en él, con temas como Jackie Wilson said (versión de Van Morrison), Celtic soul brothers o Come on Eileen.

LISTA DE CANCIONES

1."The Celtic Soul Brothers" (Billingham, Paterson, Rowland) – 3:08
2."Let's Make This Precious" (Paterson, Rowland) – 4:03
3."All in All (This One Last Wild Waltz)" (Paterson, Rowland) – 4:07
4."Jackie Wilson Said (I'm in Heaven When You Smile)" (Van Morrison) – 3:05
5."Old" (Paterson, Rowland) – 5:35
6."Plan B" (Paterson, Rowland) – 5:04
7."I'll Show You" (Paterson, Rowland) – 2:41
8."Liars A to E" (Paterson, Rowland, Torch) – 4:11
9."Until I Believe in My Soul" (Paterson, Rowland) – 6:59
10."Come On Eileen" (Adams, Paterson, Rowland) – 4:38

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BOB MARLEY & THE WAILERS- CATCH A FIRE (1972)

2009-07-19T13:16:00.000-07:00

La música reggae fue trasladada al Reino Unido por los numerosos inmigrantes de las antiguas colonias británicas en el Mar Caribe (especialmente Jamaica, pero también otras como Trinidad y Tobago), los cuales residían principalmente en grandes ciudades como Londres (sobre todo en barrios como Camden).
Aunque era de creación posterior a otro estilo mas acelerado procedente de estas islas, el ska, cronológicamente se popularizó antes, ya que el éxito de este otro se fraguó debido al revivalismo de los años 60 que conllevó el advenimiento de punks y neomods de finales de los 70, con gente como The Specials o Madness.

The Wailers funcionaban desde principios de los 60 en Kingston con una formación integrada por el propio Marley, Peter Tosh (otro elemento fundamental de la música jamaicana), Junior Braithwaite o Bunny Wailer, practicando unos sonidos próximos al soul.
Esta formación, con pequeños cambios, funcionaría como tal hasta 1974, pues, tras el éxito masivo de Marley, cada uno decidió seguir su camino, y desde entonces funcionó con una banda distinta, que, no obstante, conservaría la misma denominación.

Sería injusto si no mencionara como uno de los grandes valedores de este disco y de la música reggae en general a Chris Blackwell, británico de origen judío y costarricense que decidió dejar la universidad inglesa para vivir y trabajar en Jamaica. Desde allí descubrió de primera mano el panorama musical de esta antigua colonia inglesa y decidió crear la discográfica Island para dar soporte a este tipo de grupos y distribuir sus discos tanto en la isla como en la propia Gran Bretaña, donde desde mediados de los 70 estas grabaciones empezaron a calar también en el público autóctono, y no solo entre los inmigrantes de estos paises, como sucedía hasta entonces.

Cuando Island ya era una discográfica prestigiosa, decidió hacer una apuesta muy fuerte por Bob Marley & The Wailers: fueron fichados por 4.000 libras como grupo estrella y se lanzaron un buen número de copias de Catch a fire al mercado, algo inaudito para una formación jamaicana, y además se les dio la oportunidad de grabar con mejores medios de los que cualquier grupo antillano pudiera haber soñado hasta entonces, disfrutando además de una notable promoción comercial.

Caso aparte merece la portada original del disco, que también resultó imaginativa en una época que este tipo de diseños eran mas habituales: La carpeta representaba un encendedor estilo Zippo, que además se abría como tal.

Esta cubierta solo se presentó en la 1ª edición. En Gran Bretaña acabó sacándose finalmente una portada de Marley fumándose un canuto. La cual sería, por cierto, la que permanecería en las siguientes ediciones, descartándose la del mechero.

Finalmente, la reedición especial en CD publicada en el 25 aniversario del fallecimiento de Marley (2005) recuperaría el encendedor, eso si, sin la posibilidad de abrirse a la antigua usanza. Un alarde de diseño que no tuvo su recompensa, pues Catch a fire solo vendió 14.000 copias originalmente, así que esta portada resulta difícil de hallar.

No obstante el tiempo puso en su sitio a un disco que fue probablemente de los mejores realizados por Marley, una fusion de reggae y soul, que al final pasaría sobradamente del millón de copias vendidas, y que nos permite disfrutar de un talentoso cantante, músico y compositor cuando aún no era un fenómeno mediático ni vendía camisetas o merchandising, pero al que merecía la pena escuchar.

LISTA DE CANCIONES

Edición jamaicana

1."Concrete Jungle" – 4:16
2."Stir It Up" – 3:39
3."High Tide or Low Tide" – 4:45
4."Stop That Train" – 3:55
5."400 Years" – 3:03
6."Baby We've Got a Date (Rock It Baby)" – 4:05
7."Midnight Ravers" – 5:09
8."All Day All Night" – 3:29
9."Slave Driver" – 2:57
10."Kinky Reggae" – 3:45
11."No More Trouble" – 5:16

Edición británica

1."Concrete Jungle" – 4:15
2."Slave Driver" – 2:55
3."400 Years" – 2:47
4."Stop That Train" – 3:57
5."Baby We've Got a Date (Rock It Baby)" – 3:59
6."Stir It Up" – 5:35
7."Kinky Reggae" – 3:39
8."No More Trouble" – 4:00
9."Midnight Ravers" – 5:08
10."High Tide or Low Tide" – 4:40 (CD Bonus track)
11."All Day All Night" – 3:26 (CD Bonus track)

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AZTEC CAMERA- HIGH LAND, HARD RAIN (1983)

2009-07-19T12:52:00.000-07:00

Cuando una banda de Glasgow llamada Aztec Camera publicó este disco de debut, Roddy Frame, su cantante y principal compositor, solo tenía 19 años, si bien es cierto que el grupo ya llevaba funcionando un par de años.

Resultaba un riesgo lanzar al mercado un LP con cierta ambición alejándose del modelo synth-pop que en ese momento era el mayoritario, para recuperar un sonido protagonizado por las guitarras, en este caso acústicas (unos meses después ya se encargarían The Smiths en Manchester de hacerlo con las eléctricas), combinándolos con pop independiente (quizá este es el primer grupo al que se le puede otorgar la etiqueta de indie, tal vez junto a Orange Juice) y canciones mas fácilmente comercializables.

Este es el secreto de High land, Hard rain y de su perdurabilidad: eso, y un sonido elegante y sin estridencias, distante de modas pasajeras a lo que añadimos el hecho de que Aztec Camera se integra dentro de una excelente cantera de grupos escoceses de los 80 y 90 caracterizados por unos tonos mas bien melódicos (hubo ruidosas aunque excelentes excepciones como Jesus & Mary Chain, pero por lo demás: Belle & Sebastian, Teenage Fanclub, o los antes mencionados Orange Juice de Edwyn Collins, por no citar nombres mas comerciales que no vienen al caso, u otros, como
Prefab Sprout, cuyo lider tiene este origen).

Musicalmente hablando, el disco se divide en dos caras bien diferenciadas (esto vale para las ediciones en vinilo, obviamente, en CD es una cuestión simplemente de orden numérico). Una primera mas fácilmente vendible, con sonidos mas standard y hits potenciales, como Oblivious o Walk out the winter, y una cara B con temas mas claramente acústicos y de corte casi folkie y melancólico en algunos casos, que no excluye que puedan ser asequibles, como Pillar to post, si bien hay un poco de todo, pues en la primera parte del disco también hallamos canciones como The Bugle sounds again, tal vez la mejor de todo el álbum (a mi juicio), que comparten ambos estilos.

Dos años después Aztec Camera volvieron ya consolidados con un segundo disco, Knife, pero siendo un buen LP, resultaba algo mas convencional.

Sin duda discos como este (y alguno mas de los comentados de la misma época) dignifican una década como la de los 80 con mas sombras que luces, sobre todo porque a la hora de los revivales se tiende a recuperar lo prescindible, y no al revés, como sería de desear.

LISTA DE CANCIONES

1. Oblivious
2. Boy Wonders
3. Walk Out to Winter
4. Bugle Sounds Again
5. We Could Send Letters
6. Pillar to Post
7. Release
8. Lost Outside the Tunnel
9. Back on Board
10. Down the Dip
11. Haywire
12. Orchid Girl
13. Queen's Tattoos

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Una pequeña joya: Roddy Frame, muchos años después, interpretando en solitario "The bugle sounds again"

MALO- MALO (1972)

2009-07-19T12:37:00.001-07:00

A finales de los años 60, en la ciudad de San Francisco había una serie de grupos que mezclaban el rock y el blues ácido (que estaban practicando en ese momento otras bandas de la Costa Oeste americana) con algunos elementos latinos, propiciados por la proximidad con México y la gran cantidad de población hispana que habitaba (y habita) el estado de California y esta ciudad en particular, así como por el gran éxito que obtuvo Santana con sus dos primeros álbumes a raíz de su aparición en el mítico Festival de Woodstock en 1969.

Jorge Santana, hermano pequeño de Carlos, se había desmarcado de su familiar y había formado una banda adolescente inicialmente conocida como The Malibus, a la que se acabarían añadiendo tres miembros mas, que conformarían el septeto desde entonces conocido como Malo.

Musicalmente, pese a alguna heroicidad guitarrística que podemos hallar en este disco (Peace, Just say goodbye) por parte del propio Jorge y de Abel Zárate, con influencias leves de Jimi Hendrix y del rock californiano post-psicodélico, se decantaban mas por una especie de soul de influencias latinas, con proximidad a la Motown por el hecho de sonar mas asequible a todos los públicos y apto para el baile: algo que también practicaban otros grupos de la Costa Este en una línea similar, como The Harvey Averne Barrio Band, sin olvidar otras bandas que mezclaban elementos de jazz, rock y pop acertadamente (al menos en sus inicios) como Blood, Sweat and Tears.
Malo contaba con unas notables secciones de viento y percusión, de la que formaron parte músicos destacados como Luis Gasca o Richard Bean, con Arcelio García y el bajista nicaragüense Pablo Téllez, que, junto a los antes mencionados Zárate y Jorge Santana, constituían los principales elementos de este grupo.

La parte mas suave, en cambio la ponían con temas como Pana o Suavecito, inesperado éxito que les puso en primera línea, aunque la banda no tuvo demasiada continuidad en los siguientes discos y cayeron un tanto en el olvido.

Pese a ello, representaron una autenticidad quizá mayor que la de Carlos Santana, sobre todo teniendo en cuenta aquello en lo que derivó la trayectoria posterior de éste.

LISTA DE CANCIONES

1. Pana (Garcia, Zárate) 6:45
2. Just Say Goodbye (Grand, Grant) 8:00
3. Cafe (García, Santana, Téllez) 7:21
4. Nena (García, Téllez, Zárate) 6:28
5. Suavecito (Bean, Téllez, Zárate) 6:36
6. Peace (García, Téllez, Versoza, Zárate) 9:21

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Malo interpretando "Suavecito" en directo en la TV americana en 1972, año de lanzamiento de este disco

THE STOOGES- FUN HOUSE (1970)

2009-07-18T13:35:00.000-07:00

Hoy en día si escuchamos cualquier radióformula convencional estilo Los 40 principales, costaría pensar que la música rock un día pudo ser considerada como algo peligroso, dañino y subversivo.

Pero hubo un momento en que las cosas fueron distintas y dicha teoría, que hoy día nos puede parecer ingenua, estuvo mas próxima a la realidad con algunos ejemplos que hicieron que todo esto no fuera solo (aunque en la mayoría de casos, si) la obsesión de determinadas mentes demasiado conservadoras en su cruzada contra un estilo musical concreto y rompedor de normas.

En 1969 la década de los 60 y todo lo que elló conllevó eran prácticamente historia, de los grupos nacidos en aquellos años solo algunos como The Doors o The Velvet Underground se mantenían realmente vivos o en un momento creativo aún inspirado, aunque en una etapa oscura: supervivientes de un bonito sueño que estaba muerto y enterrado.

El paro, las drogas duras (que sustituyeron a los mas inocentes alucinógenos y marihuana, cobrándose muchas vidas entre los jóvenes estadounidenses) o la Guerra de Vietnam, eran el caldo de cultivo para que en ese espacio se colaran grupos de un sonido mas duro.

Así, el naciente hard rock en Inglaterra con bandas com Led Zeppelin, Deep Purple, Black Sabbath o Bad Company, tuvo una respuesta americana con gente como Blue Cheer.
En la ciudad de Detroit, pese a ser la sede de la mítica discográfica negra Tamla Motown, el panorama no era mas alentador. Su paisaje gris e industrial, con el humo que emanaba de las chimeneas de las fábricas de la Ford y General Motors, era el escenario propicio para que surgieran determinadas bandas como MC5 (abreviatura de Motor City Five), que mezclaban elementos del rock, garaje y de un punk primitivo, los cuales abrirían el camino para que otra banda del lugar como The Stooges alcanzara relevancia dentro de ese panorama.

James Newell Osterberg, mas conocido como Iggy Pop, había sido batería de un par de grupos juveniles de la zona y admiraba ciegamente a Jim Morrison ("Si no estuviera muerto, habría dado mi vida a cambio de la suya", o una frase parecida, le leí en una entrevista, al preguntarle acerca de su fascinación por el vocalista de The Doors).
Eso le hizo querer pasar de las baquetas a convertirse en cantante y líder de una banda, y encontró una pareja de hermanos, Ron y Scott Asheton (guitarrista y batería respectivamente) que serian los cómplices con los que hacer algo que sonara diferente.

Como dijimos, MC5 era el grupo que ya había obtenido un éxito importante en la zona de Michigan con un tipo de sonido similar (lo que refrendaría con el LP en vivo Kick out the jams), así que las discográficas iban a la caza de grupos similares en ese área geográfica con los cuales repetir la jugada. Y en este caso la compañía Elektra, la misma de The Doors y Love, se hizo con los servicios de The Stooges por un módico precio.

Así, en 1969 llega su primer LP de nombre homónimo, con Iggy todavía apareciendo en los créditos como Iggy Stooge y con Dave Alexander completando la formación al bajo (en el 3º LP, Raw Power, sería sustituido por imposición de David Bowie, productor del disco, pero esa ya es otra historia).

En The Stooges se contó con la producción de John Cale, el que fuera pieza clave de The Velvet Underground y que acababa de salir por piernas de este grupo tras numerosas disputas con Lou Reed, iniciando una carrera en solitario y como productor de grupos de lo mas variado. La relación del grupo con Cale fue fría y aunque el disco es tan bueno o mejor que este, con clasicos como la infinitamente versioneada I wanna be your dog o No fun, pero el sonido resultaba demasiado "limpio" para lo que eran ellos en directo y además impuso un tema, We will fall, que recordaba mas a los momentos oscuros de The Velvet Underground y no a los Stooges, incluyendo una viola interpretada por el propio Cale.

Este primer disco fue un fracaso para Elektra, no alcanzando los niveles de popularidad de MC5 (curiosamente hoy en día probablemente esta banda es menos valorada que The Stooges) y la compañía dio la espalda a su siguiente proyecto, Fun House, pasando Don Gallucci, miembro del grupo de garaje The Kingsmen (Louie, Louie) a la producción, e introduciendo al saxofonista Steve MacKay. Curiosamente Gallucci fue inteligente y dejó cierta libertad de acción al grupo y a Iggy, con lo que la banda suena en estado puro, con numerosas tomas de voz de directo y dubs.

Fun house, como bien puede reflejar la portada, es un descenso progresivo a los infiernos, nos encontramos con unos primeros temas de rock con fraseos de guitarra machacones y pegadizos (Down in the street, Loose) pero las canciones cada vez resultan mas incómodas, la duracion se extiende mas allá de lo necesario entre ruido, distorsión y gritos malsanos de Iggy, como el que inicia TV Eye (luego sampleado por Mano Negra), mas cínica, escéptica y basada en un riff pegadizo a cargo de Asheton, cuya guitarra va a escape libre a lo largo de todo el álbum, especialmente en temas como éste, en el cual se utiliza el pedal sin ningún tipo de restricciones, pero de forma mas malsana que artistica, mientras Iggy grita, berrea, aúlla, tose, se ahoga, escupe y murmura frases inaudibles.
Así será tambien en 1970, crónica musical de un año sin esperanza, o en la cancion que titula el disco. Pero mucho peor aún es L.A. Blues, tema carente de melodía y basado únicamente en notas sueltas escupidas sin mas entre ruidos infernales, una brutalidad a la altura del grupo que cierra el LP como no podía ser de otra forma, y que solo una mente calenturienta como este Iggy podia concebir, ayudado eso si en el consumo habitual de determinadas sustancias (como el resto de sus compañeros, todo hay que decirlo).

Pero aún así hay tiempo para temas como Dirt, título explicito para una gran creación, seguramente la mejor del disco, la cual permite además cierto lucimiento instrumental en sus 7 minutos de duración, que rompen la dinámica del resto de temas, una muestra de que en la decadencia y en la iniquidad se puede hallar la belleza.

LISTA DE CANCIONES

1."Down on the Street" – 3:42
2."Loose" – 3:33
3."T.V. Eye" – 4:17
4."Dirt" – 7:00
5."1970" – 5:14 (también conocida como "I Feel Alright")
6."Fun House" – 7:45
7."L.A. Blues" – 4:52

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ARTE EN LAS PORTADAS (2)

2009-07-18T12:49:00.000-07:00

Big Brother & The Holding Company- Cheap thrills (1967)
Autor: Robert Crumb

The Band- Music from the Big Pink (1968)
Autor: Bob Dylan

13th floor elevators- The psychedelic sounds of 13th floor elevators (1967)
Autor: John Cleveland

Frank Zappa- The man from Utopia (1983)
Autor: Gaetano ("Tanino") Liberatore

Return to forever- Musicmagic (1977)
Autor: Nancy Donald

Jorma Kaukkonen- Jorma (1979)
Autor: Wet Teeth M y Doug Carter

Supersuckers- The smoke of hell (1992)
Autor: Daniel Clowes

MICHAEL JACKSON- OFF THE WALL (1979)

2009-07-03T12:21:00.000-07:00

Es verdad que mucha gente puede preguntarse el motivo por el que hago aquí una referencia a Off the wall y podrán considerarlo, con parte de razón y a la vista de acontecimientos recientes, como una idea un tanto oportunista.

Pero la verdad es que ya tenía en la cabeza hace tiempo dedicar un artículo a este disco, por tratarse de una obra destacable, independientemente de su comercialidad, que en cierto modo, fue inesperada: en 1979 Michael Jackson llevaba grabados nada menos que seis discos en solitario, pero estos no habían funcionado al nivel de los que hacía bajo el yugo de sus hermanos (antes Jackson 5 y tras pasar de la mítica discográfica Motown a Epic por cuestiones fundamentalmente económicas y de royalties, cambiaron el nombre a The Jacksons).
Por otro lado, se trata del último disco realmente "negro" de Michael, tanto por el sonido que contiene, como por su propia imagen, que, tras Off the Wall (como podemos comprobar ya en la cubierta del posterior Thriller) empezó a presentar notables cambios. Todo ello recomienda dedicar un merecido espacio a este disco.

Hay que destacar como un momento clave la presencia de Michael Jackson en 1978 en el musical The Wiz, versión afro americana del Mago de Oz en la que no se escatimaron medios (dirigía Sidney Lumet y el responsable de los efectos especiales fue Stan Winston, uno de los mejores en este aspecto y al que dediqué un artículo en mi blog paralelo de cine fantástico y de terror, con motivo de su fallecimiento hace cosa de un año), pero que sin embargo fue un fracaso, y en el que Jacko hacía el papel de Espantapájaros.

Pero The Wiz resultó importante por el hecho de poner en contacto a Michael con Quincy Jones, compositor, productor, cantante, autor de bandas sonoras para cine y TV, arreglista y figura capital de la música negra. Jones sería pieza clave en los dos siguientes discos de Jackson (en menor medida también en el tercero, Bad) y en su éxito multitudinario, muy por encima de las expectativas que se crearon a priori con estos álbumes.

En 1979, la música disco, en particular en su vertiente negra, era algo completamente anacrónico, en un panorama musical dominado por nuevos sonidos que incluían la electrónica. Así que era un riesgo hacer un disco claramente en esa línea, como fue Off the Wall.
Sin embargo, dos canciones claramente de ese estilo fueron un éxito arrollador y probablemente inesperado, como (I just can’t enough y Rock with you), pero el resto del álbum quizá se aproxima mas al pop (atención a las colaboraciones de Paul McCartney en Girlfriend, que luego derivaria en una amistad y posteriores trabajos en común, o de Stevie Wonder en I can’t help it) que luego desarrollaría claramente en su siguiente disco, un éxito de proporciones mastodónticas que, paradójicamente, solo fue el comienzo de la decadencia musical y física de un autor de talento pero perdido en su propia megalomanía.

Michael Jackson acabó asimilando las enseñanzas de su mentor Quincy Jones y superándolas, pero acabó desdibujando la herencia recibida; sin embargo eso ya es la clase de historia que aquí no solemos tratar.

En cambio, si nos gusta hablar de buena música, y en Off the wall, por encima de su impacto comercial, había la suficiente para merecer este espacio.

LISTA DE CANCIONES

1. "Don't Stop 'til You Get Enough"
2. "Rock With You"
3. "Workin' Day and Night"
4. "Get on the Floor"
5. "Off the Wall"
6. "Girlfriend"
7. "She's out of My Life"
8. "I Can't Help It"
9. "It's the Falling in Love"
10. "Burn This Disco Out"

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ELVIS COSTELLO- MY AIM IS TRUE (1977)

2009-06-08T02:36:00.000-07:00

A lo largo de los años Elvis Costello ha demostrado ser un músico muy versátil: ha grabado discos con un cuarteto de cuerda, versiones de Burt Bacharach, smooth jazz o recientemente junto al mitico compositor de soul Allen Toussaint. Pero sin menospreciar todo esto, yo prefiero su primera etapa, en plena revolución new wave y punk, y donde con sus composiciones fue uno de los encargados de aportar el aire fresco de una etapa inolvidable e imprescindible para la música inglesa, con ramalazos de pop y rock llenos de talento.

Declan Patrick McManus era natural de Londres, aunque de origen escocés y, pese a llevar una prematura vida conyugal y plena de empleos grises, también era un asiduo y experimentado compositor que probaba suerte moviendo sus grabaciones por diferentes discográficas.
Acerca de su seudónimo Elvis Costello, si en el caso del nombre no necesitamos hacer ninguna aclaración al respecto (y si escuchamos este disco veremos como su vinculación con el rock primario es mas que evidente, pese a sus grabaciones posteriores), convendría puntualizar con respecto a lo de Costello que, si bien podría hacer referencia a Lou Costello (la mitad de una deprimente pareja de humoristas cinematográficos de los años 40), se trataba en realidad del apellido de soltera de su madre, un dato que muchos desconocen.

El empeño de Costello dio sus frutos, y consiguió firmar un contrato con la discográfica independiente Stiff (entonces de reciente creación) en 1977, haciéndose acompañar de los músicos del grupo americano Clover (no por The Attractions que lo harían en sus siguientes y también memorables LPs, quizá mas que este, y que unirían indefectiblemente su nombre al de Elvis en esos años inmediatamente posteriores).

El amigo de Costello y también punta de lanza de la New wave británica, Nick Lowe, fue el encargado de la producción. La portada y contraportada es visualmente llamativa, explotando además el parecido físico de Costello con Buddy Holly.

Aunque imprescindible, es posible que, como dije antes, My aim is true (Mis intenciones son sinceras, toda una declaración de intenciones) no este a la altura de sus siguientes acometidas como This year's model (1978) o Armed forces (1979), pero canciones apabullantes como Alison, No dancing, Welcome to the working week, Red shoes o I'm not angry no necesitan mas explicación ni justificación.

Aunque muchos no se enteraron, había nacido una estrella.

LISTA DE CANCIONES

1. Welcome to the Working Week
2. Miracle Man
3. No Dancing
4. Blame It on Cain
5. Alison
6. Sneaky Feelings
7. (The Angels Wanna Wear My) Red Shoes
8. Less Than Zero
9. Mystery Dance
10. Pay It Back

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Aquí presento algunas grabaciones en directo en torno a 1977 de varios temas del disco.

LOU REED- TRANSFORMER (1972)

2009-06-07T13:57:00.000-07:00

En teoría, un LP como Transformer no debería aparecer aquí, si acaso podríamos justificarlo por el hecho de que es un disco al que no me refiero mucho cuando hablo de música, pero hay que decir que seguramente fue el mayor éxito comercial de Lou Reed, del que podríamos haber incluido cualquiera de sus otras grabaciones en vez de esta, y habrían encajado mas en el teórico espíritu esta web (incluso los que grabó con The Velvet Underground pese al reconocimiento mayoritario entre la crítica del que gozan hoy día).
Por otro lado, podemos considerar Transformer un disco en gran parte obra de David Bowie (no sé hasta que punto), así que convendría empezar por ahí.

En 1972 Bowie estaba probablemente en su cima artística y creativa. Pese a tener 25 años, llevaba ya 5 LPs grabados, los 3 últimos (The man who sold the world, Hunky dory y Ziggy Stardust, por este orden) podrían ser considerados obras maestras (junto al grupo de músicos que llamó The Spiders from Mars y que le acompañarían hasta el posterior Aladdin Sane), y el último de ellos valorado por por muchos críticos como el mejor de su carrera (podríamos discutir esa opinión, aunque tampoco demasiado).
Aún tendría tiempo, por cierto, de grabar unos cuantos discos mas de mucha entidad, pero este no es el tema que ahora nos ocupa.

En tanto en cuanto el glam rock, calificación que le quedaba pequeña a Bowie, era el estilo de moda en su momento, la mera creación de discos no era suficiente, y por tanto el siguiente paso añadido era producir a otros artistas, especialmente a aquellos por los que sentía cierta admiración musical.

Reed era uno de ellos. Así que Bowie, junto a su segundo de a bordo y por aquel entonces auténtica mano derecha musical, Mick Ronson, guitarra de Spiders from Mars pero tambien excelente pianista y arreglista, y autor de las segundas voces en sus discos (poseía una tonalidad muy similar a la de David), se trasladan a New York para producir a su admirado Reed, un poco de capa caída tras el fin de The Velvet Underground.

Antes que nada hay que decir que las producciones de Bowie tenían cierta trampa, y es que de algún modo acababa llevando a su terreno a los artistas con los que trabajaba, manipulando el arquetipo que tenemos de ellos y controlando musicalmente el resultado final. Pasó con Iggy & The Stooges en Raw Power y luego con Iggy Pop en solitario en The Idiot y Lust for life, también con Mott the Hoople y por supuesto con Reed.

La verdad es que el neoyorkino ya de por sí había asumido en cierto modo algunos parámetros del glam rock, tras el fracaso de su primera experiencia en solitario post Velvet.
A principios de los 70 Reed presentaba una estética inspirada en las películas underground de Kenneth Anger, director responsable de filmes con cierta vinculación con el rock, como el mediometraje documental (?) experimental Scorpio Rising, e incluso tuvo en mente rodar una película de corte satánico (admiraba, al igual que Jimmy Page de Led Zeppelin, al mago inglés Aleister Crowley) protagonizada por Mick Jagger (al final la novia de Jagger entonces, Marianne Faithful, estuvo vinculada al proyecto, relativamente inconcluso).

Pues bien, Anger había comenzado su carrera a principios de los 60 con un tipo de films de fuerte contenido homosexual y violento protagonizados por jovencitos con chaqueta de cuero, ajustadísimos vaqueros y la cara blanqueada y ojerosa. Algo así vemos en la portada de Transformer, gentileza del director artístico de Reed y diseñador de sus cubiertas, Ernst Thormahlen (aunque las adicciones de Reed también contribuian a ese aspecto, de hecho era habitual que se presentara en mal estado a sus actuaciones en directo), así como en la contraportada (que vemos aquí abajo), donde aparecen dos personajes representativos del submundo de prostitución masculina y travestismo del barrio de Bowery, que es el escenario que inspira este álbum. La leyenda urbana difundió que podían ser el propio Reed disfrazado (por cierto el modelo que hizo de hustler llevaba un plátano dentro del pantalón).

Desde un punto de vista estrictamente musical, al final, junto a Bowie, Ronson y Reed se reunieron un grupo de notables músicos de sesión como los bajistas Klaus Voormann y Herbie Flowers (este también al contrabajo, manejando algunos de los mejores momentos del disco) y varios baterías. Por cierto que Bowie, cuando dejó de contar con Ronson (luego produjo su notable debut en solitario, Slaughter on 10th Avenue) y el resto de The Spiders from Mars, a partir del Diamond Dogs, y especialmente en su etapa americana (Young Americans y Station to Station) volvió a utilizar a algunos de estos colaboradores.

Comenzamos el disco con un ramalazo rock a la antigua usanza, Vicious, con ese riff de guitarra que recuerda al clásico Louie Louie de Richard Berry (o también en versión Kingsmen), gentileza de Ronson. El rock también estará presente en Hangin' Round o I'm so free, pero sobre todo, con excepción de la melodramática Perfect Day (que anticipa el siguiente disco de Reed, el oscuro Berlín), el resto, pese al contenido de algunos textos es puro glam: Make up, Goodnight Ladies o la excelente Andy's chest, aunque esta última esté inspirada en el atentado que sufrió Warhol en 1971 por parte de una radical feminista, Valerie Solanas, con unas armonías vocales a medida del tándem Bowie-Ronson, que también brillan en Satellite of Love, que parece extraída del mismo Ziggy Stardust. Especialmente ese arreglo de piano del omnipresente Ronson (como en Perfect Day) que recuerda a un tema de ese disco, Lady Stardust, y donde Reed suena hasta melódico y romántico.

Claro, que hay otro momento inolvidable, donde Reed rinde cuentas al mundo y a los personajes que rodeaban la Factory de Andy Warhol. Años después se ha convertido en un tema mas propio de las radiofórmulas de grandes éxitos, desprovisto de su sentido original y utilizado incluso en jingles publicitarios. Pero da igual, porque canciones como esta a la que me refiero, Walk on the wild side, nos reconcilian con la música.

Años después, este Reed había desaparecido: estaba limpio, actuaba delante del Papa o junto a Pavarotti, y renegaba de su pasado, como vemos sobre estas líneas en la portada de The blue mask, juego visual y de palabras en el que la imagen del Transformer era como un reflejo de aquello que no se quería volver a ser.

LISTA DE CANCIONES

1. Vicious 2:58
2. Andy's Chest 3:21
3. Perfect Day 3:46
4. Hangin' 'Round 3:35
5. Walk On The Wild Side 4:16
6. Make Up 3:01
7. Satellite Of Love 3:40
8. Wagon Wheel 3:21
9. New York Telephone Conversation 1:32
10. I'm So Free 3:10
11. Goodnight Ladies 4:21

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MAGAZINE- THE CORRECT USE OF SOAP (1980)

2009-06-07T13:42:00.001-07:00

Howard Devoto es uno de los personajes fundamentales de la escena de Manchester. Miembro fundador de los Buzzcocks, pioneros de una mezcla entre punk y pop, dejó el grupo a las primeras de cambio (aunque sus compañeros siguieron haciéndolo muy bien sin él), pues comprendió (y no iba desencaminado) que las posibilidades del punk estaban práctica y rapidamente agotadas, y debía abrirse a sonidos aún mas innovadores. Eso, y que el propio Devoto (Trafford de verdadero apellido, como el estadio del United) ha tratado de huir siempre de las modas y de los públicos multitudinarios

Así surge Magazine, y tras dos primeros LPs de transición, pero no desdeñables, nos encontramos con este tercer álbum, que en una primera escucha puede recordar a Joy Division, aunque con un sonido no tan oscuro, con mas teclados, y logicamente con otro cantante.

Pero esto, aunque tiene su parte de real porque de hecho el productor es Martin Hannett, que lo fue de ambos grupos, sería una conclusión demasiado simple. En realidad Magazine son mas reconocibles como un grupo proximo al llamado art rock o a los sonidos del Bowie de la trilogía alemana (Lodger, Low y Heroes), que facturó junto a Brian Eno, también notable influencia en el sonido del grupo (en los teclados estaba el experimentado Dave Formula, que luego formó parte de algunos grupos de la era new romantic, como Visage), con algunos toques pop que no estaban en los anteriores trabajos de la banda.

La lista de canciones es notable, desde Because you're frightened, I'm a party, A song from under the floorboards, Sweetheart contract o una inesperada versión de Sly & The Family Stone, que denotan la madurez musical de Magazine.

Magazine no duró mucho mas (tampoco el estilo art rock), pero Devoto siguió por ahí haciendo de las suyas.

LISTA DE CANCIONES

1. Because You're Frightened (3:54)
2. Model Worker (2:51)
3. I'm A Party (3:01)
4. You Never Knew Me (5:23)
5. Philadelphia (3:54)
6. I Want To Burn Again (5:16)
7. Thank You (Falettinme Be Mice Elf Agin) (3:48)
8. Sweetheart Contract (3:18)
9. Stuck (4:04)
10. A Song From Under The Floorboards (4:07)

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THE NERVES- THE NERVES EP (1976)

2009-06-07T13:04:00.000-07:00

La historia de la música está llena de grupos que con una producción muy escasa han pasado a la historia, bien por un éxito, o, lo que mas nos interesa, porque por la calidad de su escasa producción quedaron en el recuerdo de los buenos aficionados y se convirtieron en grupo de culto.

The Nerves es uno de esos casos. Trío a medio camino entre el punk rock, el power pop, la new wave y el revivalismo de los grupos beat y de la british invasion de los 60, se formaron en Los Angeles a mediados de los 70.

Ellos eran Paul Collins, entonces batería y que luego montó como lider otra banda básica de power pop, The Beat, luego llamada Paul Collins' beat y habitual visitante de tierras valencianas (actualmente vive en Madrid); Peter Case, bajista y luego guitarrista, cantante y líder de otros imprescindibles del power pop californiano, Plimsouls, a los que dediqué un espacio en su momento prometiendo justamente que hablaría de los Nerves. Y por último, el guitarrista Jack Lee, nacido en Alaska y que fue el único cuya carrera musical no tuvo demasiado desarrollo posterior.

En una época propicia para ello, The Nerves decidieron autoeditarse este primer y único EP en 1976, y que, sin menospreciar el resto de temas, también hubiera sido un magistral single si solo se hubiera contado con los 2 primeros temas: Hanging on the telephone, que luego fue versionado exitosamente por Blondie, y When you find out, dos de los mejores temas en su estilo de todos los tiempos e inolvidables para los que amamos la música.

Lo que ocurre es que la falta de medios provocó que su repercusión fuera nula y de hecho apenas pudieron defender su grabación en directo, conduciendo a The Nerves a una rápida desaparición y desgraciadamente al olvido de muchos, prosiguiendo luego cada uno con sus diferentes proyectos, pero quedando para el recuerdo este EP que algunos no nos cansaremos nunca de oir, sin que pierda en ningún momento su vigencia ni su capacidad de emocionarnos.

LISTA DE CANCIONES

1. Hanging on the telephone
2. When you find out
3. Give me some time
4. Working too hard
5. Paper dolls
6. One way ticket

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SMALL FACES- OGDEN'S NUT GONE FLAKE (1967)

2009-06-07T12:26:00.000-07:00

Aunque Small Faces nunca fueron un grupo que disfrutara de un gran reconocimiento fuera del Reino Unido, fueron uno de los puntales del movimiento mod, con unos primeros discos que contienen enérgicas e inolvidables piezas de rythm and blues y soul, con muchas versiones, pero también creaciones propias de una de las mejores parejas compositivas del momento, la que formaban el cantante y guitarrista Steve Marriott y el bajista Ronnie Lane.

Tras dos primeros discos siguiendo esas coordenadas, decidieron abandonar su compañía original Deram (filial inglesa de Decca) y encontrar acomodo en Immediate, la innovadora compañía creada por el entonces manager de Rolling Stones Andrew Loog Oldham, en aras a un sonido mas personal (y también, todo hay que decirlo, por problemas financieros).

Allí editarían un primer álbum con el genérico nombre de Small Faces (en realidad el mismo título que su primera experiencia en Deram), y que probablemente merecería estar aquí antes que este Ogden's nut..., porque seguramente es menos conocido y porque revela el talento de Marriott y Lane como autores de un pop exquisito y rico en arreglos, que rompía lo realizado por ellos hasta ese momento y les situaba a la altura de experiencias similares de grupos como The Kinks (eso si, con sus propias particularidades y estilo).
Junto al LP, lanzarían singles de impacto como Here come the nice o Itchycoo park.

Pero la verdad es que lo mejor estaría por llegar, con la banda a punto de finiquitarse por la idea de Marriott de emprender una carrera lejos de los Small Faces y de un cambio de rumbo por el resto de sus componentes, así como un mayor uso de las drogas, que ya no se ceñían estrictamente a las ingenuas anfetaminas propias de los mods.

Por tanto, en pleno fin de fiesta vio la luz este disco, que aún supuso una nueva vuelta de tuerca respecto al disco anterior. En plena era psicodélica y de nuevos sonidos, los Small Faces quisieron hacer su obra maestra, un disco memorable como muchos de los que estaban grabándose aquellos años.

Ya de entrada nos encontramos con una curiosa portada: en realidad el disco se presentaba como una caja de tabaco (lástima que las viles reediciones en CD nos hayan privado en muchos casos de ese detalle y mayoritariamente presenten una caja convencional, con los dibujos del contenido original): el título es un juego de palabras con una auténtica marca de tabaco inglesa, y en el interior del disco se presentaba la reproducción del interior de una verdadera lata de tabaco junto a unos dibujos psicodélicos y algunas instantáneas en blanco y negro del cuarteto.

Aunque hay que decir que la cara B de este disco no me acaba de convencer, con el actor Stan Unwin recitando con marcado acento cockney (y casi ininteligible aún para los que entendemos el inglés) una especie de cuento infantil sobre un tal Happiness Stan entre canción y canción (lo que minimiza impactantes temas como Rollin’ over), la cara A original posee suficientes argumentos: desde el instrumental inicial, pasando por el clásico Afterglow, una de las mejores creaciones de Steve Marriott, hasta el pop psicodélico con ese juego de guitarra en Long agos and words apart, Ronnie Lane brillando en Song of a baker, con esos redobles de Kenny Jones (que luego acabó sustituyendo a Keith Moon en los Who; era su recambio mas natural). Sin olvidar temas como Renée o Lazy Sunday que recuerdan los que estaban haciendo otros notables grupos como The Kinks o The Move por entonces.
La dificultad de representar un disco de este calibre en directo supuso la puntilla definitiva a la existencia del legendario cuarteto.

Poco después de esto, como dije, Marriott llevó al límite sus influencias negras formando Humble Pie junto a Peter Frampton, otro arrepentido de los 60, mientras que el resto de sus compañeros continuaron simplemente como Faces, reclutando al guitarrista Ron Wood (luego entró como sustituto en los Rolling Stones y aún sigue) y a un entonces talentoso y joven cantante, Rod Stewart, cuando aún no era insoportable, tomando una senda mas proxima al rock y al blues.

Los Small Faces fueron muy grandes, lástima que hoy día solo otros muy grandes, como mi admirado Paul Weller, les den el reconocimiento que se merece.

LISTA DE CANCIONES

1. Ogden's Nut Gone Flake
2. Afterglow
3. Long Agos And Worlds Apart
4. Renée
5. Song of a Baker
6. Lazy Sunday
7. Happiness Stan
8. Rollin' Over
9. The Hungry Intruder
10. The Journey
11. Mad John
12. Happydaystoytown

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THE ZOMBIES- BEGIN HERE (1965)

2009-06-07T12:07:00.000-07:00

Aunque The Zombies son conocidos fundamentalmente por un par de temas al principio y al final de su carrera (She's not there, aquí presente y muy versioneado por gente tan dispar como Vanilla Fudge o Santana) y el Time of the season que aparecía en su último y también brillante álbum Odessey and Oracle (seguramente el mejor de su discografía), nos encontramos seguramente ante una de las bandas con mas talento del pop británico de mediados de los 60, y eso que había mucho donde elegir.

Sus dos elementos fundamentales eran el teclista Rod Argent, compositor de gran parte de los temas propios y que otorgaba un sello particular a los temas del grupo ya fuera con su piano eléctrico o con el órgano Hammond, junto al cantante Colin Blunstone, con su voz tenue y melancólica. Ambos hicieron después de The Zombies una carrera en solitario que no es desdeñable en absoluto, al menos en alguna de sus grabaciones.

Procedentes de St. Albans, pequeña localidad unos 30 km. al norte de Londres, The Zombies no eran el típico grupo británico sixty inspirado en el soul y rythm and blues, aunque no desdeñaban las correspondientes versiones (Roadrunner, I got my mojo working) para adaptarse a los gustos del público mayoritario.

Pero donde mas destacaban, a mi juicio (y no veo mucha proximidad a otros grupos ingleses del momento), es en piezas de pop y beat de tonos nostálgicos y etéreos, con arreglos mas trabajados de lo habitual (buena producción de Ken Jones) y en donde eran capaces de salir airosos de una versión del Summertime de Gershwin, o ejecutar con maestría temas propios en ese estilo como I remember when I loved her o I can't make up my mind u otras descartadas inicialmente pero que si que aparecen en las reediciones, como I know she will.

Seguramente Begin here no es una obra maestra, ni la mejor creación del grupo, pero si debe entrar, en mi opinión, entre los discos mas destacados del pop inglés de mediados de los 60, y eso ya es meritorio.

LISTA DE CANCIONES

1 Roadrunner
2 Summertime
3 I Can't Make Up My Mind
4 The Way I Feel Inside
5 Work 'N' Play
6 You've Really Got a Hold on Me/Bring It on Home to Me
7 She's Not There
8 Sticks And Stones
9 Can't Nobody Love You
10 Woman
11 I Don't Want To Know
12 I Remember When I Loved Her
13 What More Can I Do
14 I Got My Mojo Working

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GRAHAM PARKER & THE RUMOUR- HOWLIN' WIND (1976)

2009-06-07T11:03:00.000-07:00

Desde los primeros 70, Graham Parker interpretaba sus composiciones en pequeños clubes del norte de Inglaterra, a veces con pequeñas bandas, a veces en solitario.
Aunque Parker era un admirador de Dylan, no tenía muchas similitudes con él, y por su estilo, mas próximo al soul y rythm and blues, se le incluyó en esa etiqueta genérica que se dio en llamar Pub rock.

En su momento comentamos que el pub rock sirvió para mantener viva la llama de ciertos sonidos en el Reino Unido, en una época en la que se imponían otros estilos.

Precisamente una de las mejores bandas en ese estilo era Brinsley Schwarz, encabezada por el guitarrista homónimo y el teclista Bob Andrews. Estos músicos, junto a Martin Belmont y, por otro lado, Andrew Bordnar (bajo) y Steve Goulding (batería), forman una especie de supergrupo, The Rumour, y se unen a Parker al firmar éste un contrato con Mercury-Phonogram, tras llegar sus creaciones a manos del productor Dave Robinson, si bien sus discos acabarían publicándose en una filial de esta compañía, Vertigo.

Con la producción de una de las mentes mas preclaras de la New Wave británica, Nick Lowe, que también lo fue de Elvis Costello o The Damned, Graham Parker & The Rumour publicarían cuatro obras maestras consecutivas entre 1976 y 1980: este Howlin' Wind, y los sucesivos Heat Treatment, Stick to me (este seguramente el menos bueno de todos) y Squeezing out sparks.

En la era New Wave se recuperaba la sencillez de ciertas formas musicales de los 60 y ahí Parker tenía mucho que decir: temas sencillos pero directos, de letras nada enrevesadas con aroma sixty, de northern soul y de rock, a lo que contribuía su voz algo rasgada: solo los momentos más acústicos pueden evocar a su admirado Dylan, pero mucho mas a Van Morrison, otro de sus autores favoritos.
Música con mayúsculas, y no los productos prefabricados de hoy día. Además, con una banda experimentada y con muchos kilómetros en sus instrumentos.

Canciones honestas y vibrantes: White honey, Soul shoes, Between you and me (esa canción que dedicaríamos a muchas chicas), Nothing's gonna pull us apart o el tema que da título al disco.

Desgraciadamente, los 80 supusieron el olvido para Graham Parker and The Rumour, uno de los músicos que debería ser citado como uno de los mas brillantes y revitalizadores de aquellos años (y de estos, sigue grabando con regularidad buenos discos) junto a los Paul Weller, Elvis Costello y Nick Lowe, pero parece que hoy en día (entre muchos críticos, tristemente también) predomina la amnesia musical (de hecho apenas encontré videos de aquel momento de Graham Parker para ilustrar el artículo).

Un grande, si señor.

LISTA DE CANCIONES

1. White Honey
2. Nothing's Gonna Pull Us Apart
3. Silly Thing
4. Gypsy Blood
5. Between You and Me
6. Back to Schooldays
7. Soul Shoes
8. Lady Doctor
9. You've Got to Be Kidding
10. Howlin' Wind
11. Not If It Pleases Me
12. Don't Ask Me Questions

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JAPAN- QUIET LIFE (1979)

2009-06-07T10:50:00.000-07:00

No son muchos los amigos y conocidos que entran por esta página, yo diría que afortunadamente. Además, si fuera así, me imagino la conversación que podría producirse: "Tío, yo pensaba que a ti te gustaban The Who, Hendrix, Dylan, Ramones, Paul Weller y cosas así. No pensaba que podrías dedicarle tanto espacio a gente como The Human League, The Teardrop Explodes, Soft Cell o Adam & The Ants. En realidad solo he reconocido al Carlos que conozco al hablar de Plimsouls, Dexys Midnight Runners, The Style Council, The Sonics, The Damned, Ten Yers After, los discos de soul y algunos casos mas... quizá con Joy Division, Billy Bragg, The Cars...". Yo tendría que contestarle "Claro, pero si fuera así esto no se llamaría Discos de los que nunca te hablé, y además, en ningun momento he dicho que estos discos me parezcan mejores, solo tienes que leer lo que pone a la derecha de la página. Creo que están bien y merecen un hueco que no tienen en otros sitios, pero a lo mejor, o seguramente, si tuviera que hacer una lista de 100 ó 200 discos no aparecerían. Me gustan pero no tanto como otros".

Pues algo así sería aplicable a lo de hoy, y quizá multiplicado por diez. Porque Japan probablemente sería la antitesis de grupo que podría gustarme, desde un punto de vista musical o incluso estético.

Sin embargo considero que este Quiet life hay que tomarlo muy en serio, a pesar de que supuso la avanzadilla de esa entelequia llamada Nuevos Románticos (aunque no sé si se les puede incluir de pleno en ellos), que, pese a todo, al menos en sus inicios pudo dejar musicalmente cosas que no estuvieron del todo mal (ahí tenemos bandas como Franz Ferdinand, que ahora parecen de lo mas cool pero es fácil reconocer en ellos los rasgos musicales de muchos de estos grupos).

Japan se crearon en 1974 en el sur de Londres, como un grupo de estilo glam, inspirándose en el Bowie de principios de la década o en Roxy Music, algo que, poco después, en plena eclosión del punk y la new wave podía resultar fuera de onda. Los principales responsables eran los hermanos Batt, aunque cambiaron sus apellidos y fueron conocidos como David Sylvian (cantante) y Steve Jansen (batería), inspirándose en David Johansen y Sylvain Sylvain, miembros del grupo de glam punk americano New York Dolls, cuya influencia sobre Japan era mas perceptible en sus dos primeros discos.
El teclista Richard Barbieri, importante en el sonido de un grupo de estas características, el guitarrista Rob Dean y el bajista-multiinstrumentista Mick Karn también fueron miembros fundadores.

Con una estética fría que incluía elegantes ropas de color blanco, unido en el caso de Sylvian a un largo cabello rubio lo cual no tenía sentido entonces y generaba rechazo si no se era metalero, es en este, su tercer LP, donde consiguen un sonido mas definido, en el que combinaron elementos del glam, pop, música electrónica (especialmente la alemana), new age y jazz, con la introducción del saxo tenor interpretado por Karn en varios temas (Fall in love with me o Despair), o añadiendo una versión remozada de The Velvet Underground, All tomorrow parties, que junto al tema que da título al disco resultan de lo mas destacado.

Todo esto convierte a Quiet life en un disco revalorizado hoy día y por encima de otras experiencias similares de la época.

LISTA DE CANCIONES

1. Quiet Life
2. Fall in Love with Me
3. Despair
4. In Vogue
5. Halloween
6. All Tomorrow's Parties
7. Alien
8. Other Side of Life

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MOTT THE HOOPLE- ALL THE YOUNG DUDES (1972)

2009-06-07T09:31:00.000-07:00

En cierto modo, esto que voy a decir se puede relacionar con mi artículo respecto al Transformer de Lou Reed, pues hablamos de una grabación del mismo año, y gran parte de lo dicho ahí es extensible a este disco.

Bowie volvía a dar soporte a un grupo por el que sentía admiración pero no acompañado hasta entonces por la fortuna comercial, hasta el punto de que en aquel momento estaban al borde de la separación. Lo que ocurre es que una formación hasta entonces básicamente de rock clásico fue oportunamente reconvertida adaptándose estética y musicalmente al glam.

Los principales responsables de Mott The Hoople eran dos músicos relativamente veteranos, el cantante (y teclista) Ian Hunter, enigmático personaje (nunca se quitó las gafas de sol) con un estilo vocal a medio camino entre Dylan, Lennon y el propio Bowie, y el guitarrista Mick Ralphs.

La idea de Bowie era cederles un tema de su Ziggy Stardust, Sufragette City, pero fue rechazado por la banda. En cambio se hicieron con otra de sus canciones inéditas, All the young dudes, que supuso su mayor éxito (nº 2 en listas británicas) y su tema mas recordado.
Bowie también colaboró interpretando el saxo en algunos temas, y el hecho de que el disco comience con una buena versión del Sweet Jane de The Velvet Underground, no es casual. En general y a mi juicio la cara A del disco original, con temas como los mencionados, junto a Sucker o Mama's little jewel, mejora las prestaciones de la segunda parte, donde cabe destacar Sea diver o One of these boys.

Sin el padrinazgo de Bowie, la carrera de Mott the Hoople no llegó mucho mas lejos. En todo caso, Hunter y Ralphs eran músicos de talento, y mientras el primero realizó algunos meritorios discos en solitario como All american alien boy, aunque sin reconocimiento masivo, el segundo se integró en la formación británica de hard rock Bad Company.

LISTA DE CANCIONES

1. Sweet Jane
2. Momma's Little Jewel
3. All The Young Dudes
4. Sucker
5. Jerkin' Crocus
6. One Of The Boys
7. Soft Ground
8. Ready For Love/After Lights
9. Sea Diver

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ARTE EN LAS PORTADAS (1)

2009-05-19T14:36:00.000-07:00

Una de las cosas que siempre me ha llamado la atención es el diseño de las portadas de los discos.
Con la llegada del CD, al tener un espacio menor para desarrollar un impacto visual, se ha cuidado bastante menos ese aspecto. Pero hubo una época en que prestigiosos diseñadores, pintores, dibujantes de cómics o fotógrafos prestaron su arte para las carpetas de los vinilos. Aunque la música es algo en teoría solo para escuchar, la vinculación entre todo tipo de expresiones artísticas es evidente y alcanza en este aspecto uno de sus principales maridajes.

Como decía, quiero aprovechar esta página no solo para publicar reseñas de buenos discos, sino también, desde hoy y de vez en cuando (aunque no sé con que periodicidad y sin orden ni concierto en cuanto a la presentación), ir mostrando una serie de portadas discográficas que me llamaron la atención (mas a veces que su contenido sonoro, aunque en algunos casos este tampoco es manco), con sus correspondientes autores (si los sé).

Había pensado llamar a esta subsección "Portadas de las que nunca te hablé" pero la broma resultaría demasiado obvia. Pero, eso si, al igual que cuando comento los discos, intentaré que las que aparezcan no sean las ya conocidas por todos (y no por ello menos brillantes) del Sgt. Pepper's, Abbey Road, o las de Hendrix o Led Zeppelin, famosas por sus diseños, sino otras obras notables que descubrir a los visitantes de esta web.
Aquí van unas cuantas:

Ornette Coleman- Ornette! (1961)

Frank Zappa & The Mothers of Invention- Weasels ripped my flesh (1970)
Autor: Neon Park

King Crimson- In the court of Crimson King (1968)
Autor: Barry Godber

It's a beautiful day- It's a beautiful day (1969)
Autor: Jerry Steinberg

Miles Davis- Bitches Brew (1970)
Autor: Mati Klarwein

Iron Butterfly- Metamorphosis (1970)
Autor: Bob Jenkins

Harmonia- Musik von Harmonia (1973)

The West Coast Pop Art Experimental Band- Part One (1967)
Autor: Charles E. White III

Dave Greenslade- Cactus Choir (1976)
Autor: Roger Dean

Jerry Garcia- Run for the roses (1981)
Autor: Victor Moscoso

Daddy Cool- Teenage Heaven (1972)
Autor: Ian McAusland

Al Stewart- Year of the cat (1976)
Autor: Colin Elgie (grupo Hipgnosis)

Rod Stewart- Sing it again, Rod (1973)
Autor: Peter Corriston

The Makers- Tear your world apart (1997)
Autor: Jaime Hernandez

George Thorogood & The Destroyers- Haircut (1993)
Autor: Peter Bagge

THE TEARDROP EXPLODES- KILIMANJARO (1980)

2009-05-19T04:58:00.000-07:00

La escena musical de la ciudad portuaria de Liverpool siempre ha estado en constante ebullición, pese a que quede asociada fundamentalmente a los Beatles y grupos derivados de Merseybeat de los 60. Pero aparte de estos, hay numerosos grupos surgidos en la ciudad de donde zarpó el Titanic que merecen nuestra atención: Echo & The Bunnymen, O.M.D, The La's o...The Teardrop Explodes.

Justamente Julian Cope (no nacido en Liverpool, por cierto), materia gris de The Teardrop Explodes y un músico que en solitario siguió grabando discos interesantes aunque minoritarios, habia comenzado en el grupo A Shallow Madness, que llegó a contar con Ian McCulloch, luego líder de Echo & The Bunnymen.
Como principales influencias de Cope y de su grupo habría que destacar a Syd Barrett, pero tambien el post punk e incluso sonidos algo mas oscuros, sin olvidar que ese órgano omnipresente en todas las canciones y la sección de viento remiten a veces a tonos mas psicodélicos.

A finales de los 70 Cope se unió definitivamente al guitarrista Alan Gill y al bajista David Balfe, miembros del grupo de culto Dalek I Love you, que junto con los ya presentes Paul Simpson a los teclados y Gary Dwyer en la bateria serán los que entraran al estudio para grabar este Kilimanjaro.

Portada alternativa de "Kilimanjaro" utilizada en algunas ediciones de vinilo

Entre 1980 y 1982 el grupo goza de una popularidad importante pero a partir del tercer LP los numerosos cambios en la banda (producidos desde su mismo origen), junto al deseo de Cope de dedicarse a una carrera en solitario mas personal (y que ha alcanzado cosas tan dispares como la literatura o incluso las antigüedades) dieron al traste con el grupo que no obstante, llegó a grabar otro álbum en 1990.

Como curiosidad decir que el nombre del grupo viene de un texto que aparece en una viñeta de un cómic de Daredevil en el que, junto a Spiderman, se enfrenta al Duende Verde. Aunque según otras versiones podría ser el fragmento de la letra de una canción de Suicide.

Kilimanjaro fue un disco prolijo en destacados singles: Treason, Sleeping Gas, Reward, Bouncing Babies o Ha-ha I'm drowning, que tuvieron una buena acogida, aunque también merecen atención a mi juicio temas como Second Head o Brave Boys Keep Their Promises.

Sin duda, pese a su breve producción, The Teardrop Explodes fue uno de esos nombres a tener en cuenta y que aparecen injustamente difuminados en muchas antologías de la época.

LISTA DE CANCIONES

1. Ha Ha I'm Drowning
2. Sleeping Gas
3. Treason
4. Second Head
5. Poppies In The Field
6. Went Crazy
7. Brave Boys Keep Their Promises
8. Bouncing Babies
9. Books
10. The Thief Of Baghdad
11. When I Dream

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The Teardrop Explodes- Treason (bastante mejor canción que video, por cierto)

BADFINGER- NO DICE (1971)

2009-05-19T04:49:00.000-07:00

A finales de los 60 a los Beatles les sobraba el dinero y, bastante mal asesorados, decidieron montar su propia compañìa discográfica, Apple Records, que se encargaría de sus propias grabaciones y las de otros artistas.

Pese a contar con algún nombre de entidad en sus filas como el teclista negro y colaborador de los propios Fab Four Billy Preston, Apple fue una máquina tanto a la hora de perder dinero (no duraría muchos años) como a la hora de hacer malas elecciones en un catálogo pleno de artistas prescindibles.

Sin embargo, había un grupo que brillaba con luz propia en la Apple y que fue probablemente el mejor fichaje de la compañía: Badfinger. Este cuarteto contaba con una excelente pareja de compositores al estilo Lennon-McCartney, Tom Evans (curiosamente nacido en Liverpool) y el galés Pete Ham (desgraciadamente y debido a una triste coincidencia ambos acabaron suicidándose varios años después), que, posiblemente, en ese 1971 superaban cualitativamente a sus “patronos” (sé que me caerán palos por decir esto, pues ese año Lennon publicó Imagine y McCartney Ram, dos pedazo de LPs).

Pero justamente esa excesiva afinidad musical con sus mentores, especialmente McCartney (que ya les había cedido un primer single de éxito, Come and get it, un año antes), y un público ávido de nuevos sonidos como el glam rock que entonces surgía con fuerza y no de una prolongación del pasado (por muy glorioso que fuera), hicieron que se le diera la espalda relativamente en Reino Unido, funcionando mas al otro lado del Atlántico, donde en ese momento formaciones inglesas de rock como Led Zeppelin, Deep Purple o Bad Company pegaban con mucha fuerza, pero también grupos de un sonido similar a Badfinger como Raspberries.

Así que No dice no recibió el reconocimiento que merecía. El espíritu del Abbey Road sobrevuela a lo largo del disco, con temas como Believe me, I Don’t mind o Love me do (nada que ver con la canción beatle del mismo nombre) que podrían haber sido extraidos de ahí o de cualquiera de los primeros discos en solitario de McCartney, así como Midnight Caller o la vibrante No matter what, tal vez el mejor tema beat desde 1964 aproximadamente.

Badfinger probablemente fue un grupo infravalorado y con mala suerte. No dice no inventó nada, pero ni falta que hacía.

LISTA DE CANCIONES

1. I Can't Take It
2. I Don't Mind
3. Love Me Do
4. Midnight Caller
5. No Matter What
6. Without You
7. Blodwyn
8. Better Days
9. It Had to Be
10. Watford John
11. Believe Me
12. We're for the Dark

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Badfinger- No matter what

Badfinger- Believe me

TEENAGE FANCLUB- BANDWAGONESQUE (1991)

2009-05-19T04:38:00.000-07:00

Aunque creo que la estela de Teenage Fanclub se ha ido apagando desde principios de los 90, al menos sus primeros discos merecen una mas que notable atención.

Surgidos cerca de Glasgow, Escocia, el mismo país del que han salido notables grupos de pop independiente como Aztec Camera o Belle & Sebastian , junto a sobresalientes excepciones de ese estilo que confirman la regla, como Jesus & Mary Chain, la música de este cuarteto es un cocktail entre The Byrds, Beach Boys, Badfinger, el McCartney de los primeros 70, Big Star o Neil Young, con unos tonos mas guitarreros y distorsionados en estas primeras acometidas.

Con Norman Blake, Raymond McGinley y Gerald Love de forma permanente en guitarras y bajo, apenas han sufrido cambios en la formacion, excepto en el puesto de batería donde si ha habido variaciones. Me gustaria destacar que el disco, tras unos inicios un poco fríos y desalentadores, empieza a recuperarse en December y remonta pese a su brevedad y sencillez casi infantil con What you do to me, claro ejemplo donde las influencias antes citadas se cogen de la mano y su estela ya no se apaga: I Don't know, Metal baby (con ecos de Marc Bolan) o Pet rock son ejemplos de ello.

Ahora que dedicaré una subseccion a portadas de discos bastante artísticas y que me gustan, convendría destacar la sencillez de este diseño de Sharon Fitzgerald que sin embargo resulta atrayente a la vista.
En resumen, he aquí un ejemplo de los primeros Teenage Fanclub, que, pese a que siguieron haciendo buenos discos, nunca tuvieron la chispa de estas grabaciones iniciales.

LISTA DE CANCIONES

1."The Concept" (Blake) – 6:07
2."Satan" (Teenage Fanclub) – 1:22
3."December" (Love) – 3:03
4."What You Do to Me" (Blake) – 2:00
5."I Don't Know" (McGinley) – 4:36
6."Star Sign" (Love) – 4:53
7."Metal Baby" (Blake) – 3:39
8."Pet Rock" (Love) – 2:35
9."Sidewinder" (Love/O'Hare) – 3:03
10."Alcoholiday" (Blake) – 5:26
11."Guiding Star" (Love) – 2:48
12."Is This Music?" (Love) – 3:57

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"What you do to me" (En directo en TV)

TELEVISION- MARQUEE MOON (1977)

2009-05-19T04:13:00.000-07:00

Television fueron incluidos dentro del paquete de los grupos punk neoyorkinos (vuelvo con otra banda de la Gran Manzana) por haber hecho sus primeras armas en el mitico local CBGB (desaparecido recientemente, por desgracia) al igual que Ramones, Talking Heads, Blondie, Patti Smith o The Fleshtones, si bien cada uno de ellos tenía unas características lo suficientemente distintas e independientes para no ser incluidos en el mismo saco.

El principal motor de Television era Tom Verlaine (su verdadero apellido era Miller y lo cambió en honor al homónimo poeta simbolista francés del siglo XIX), gran guitarrista, cantante y compositor de la ciudad de los rascacielos, siendo su segundo de a bordo Richard Lloyd. La formación inicial incluía a Richard Hell, uno de los pioneros del punk-rock neoyorkino con el grupo The Voidoids famosos por su tema Blank generation, si bien fue rapidamente sustituido al bajo por Fred Smith.
Este fue el disco de debut del grupo, pero es que solo habría uno posterior, Adventure, muy inferior a Marquee Moon y que pasó desapercibido.

La línea musical de Television consistía en una especie de pop con guitarras afiladas y tono melancólico, no muy lejos de lo que luego se denominó art rock, y no tiene mucho que ver con el punk al que supuestamente se asoció. Solo la característica voz de Verlaine, aguda, nasal y desafinada, podría entrar en esa definición, pero también recuerda al Dylan de la Rolling Thunder Revue o a un contemporaneo del otro lado del Atlántico, Peter Perrett de The Only Ones, a los que ya citamos en su momento.

Pero las verdaderas protagonistas del LP son las superlativas guitarras de Verlaine y Lloyd, que dominan el disco (incluso en los créditos se cita cual de los dos se responsabilizó del solo en cada tema), contribuyendo a unas canciones que destilan muchas sensaciones y un tono general de tristeza. Mis favoritas: Venus, Elevation, Torn curtain o la canción que da título al disco, un tema que se extiende durante casi 11 minutos (un auténtico suicidio para la época), en un constante y repetitivo in crescendo dominado una vez mas por el sonido de las seis cuerdas.

Verlaine inició tras Television una carrera en solitario, en la que hay que destacar su primer LP homónimo que incluía Kingdom Come, tema versioneado (sin mucha fortuna) por Bowie en el LP Scary Monsters, y que fue probablemente su canto de cisne al máximo nivel.
Seguramente la constancia de Verlaine y su pasión por los estudios de grabación no eran equiparables a su talento, por lo cual siempre permaneció en un segundo plano y no ha tenido una carrera a la altura de sus capacidades, quedando encasillado en discos de culto como este.

Como último dato destacar la portada del LP, que es una instantánea del grupo obra de Robert Mapplethorpe, uno de los fotógrafos mas destacados del underground neoyorkino desde principios de los 60 hasta su muerte en los 80 y que también se responsabilizó de otras carpetas de la época como por ejemplo Horses, de Patti Smith. El dibujo de contraportada corrió a cargo de Billy Lobo.

LISTA DE CANCIONES

1."See No Evil" – 3:53
2."Venus" – 3:51
3."Friction" – 4:44
4."Marquee Moon" – 10:40
5."Elevation" – 5:07
6."Guiding Light" – 5:35
7."Prove It" – 5:02
8."Torn Curtain" – 6:56

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Television- Venus

Television- Marquee Moon

THE LEFT BANKE- WALK AWAY RENÉE/ PRETTY BALLERINA (1967)

2009-05-18T13:47:00.000-07:00

The Left Banke fue un grupo que podría situarse a medio camino entre la banda de culto y unos simples one hit wonder a ojos del gran público, dado que son conocidos fundamentalmente por los dos singles que dieron título a este disco y que alcanzaron en el primero de los casos un estimable nº 5 en las listas americanas y en el segundo un nº 15, aunque el LP completo no tuvo la misma acogida.

Originarios de New York, fueron unos de los pioneros en lo que se dio en llamar pop barroco: hacer en plena era psicodélica canciones melódicas con un buen puñado de arreglos de instrumentación clásica, teóricamente y hasta poco antes (salvo excepciones), ajena al pop y al rock, como violines, clavicordios o flautas, y que se elevaron con esta grabación a la altura de otros que probaban entonces ese tipo de música como los propios Beatles o Beach Boys.

Fundamentalmente el artífice de este sonido fue el teclista Mike Brown (de apellido real Lookofsky), el cual era hijo de un músico, productor y arreglista de orquesta que poseía su propio estudio, lo que permitió a su vástago (que por otro lado poseía una formación instrumental clásica), familiarizarse con este mundo.

El segundo pilar en el que se apoyaban los Left Banke era la notable voz de Steve Martin (en realidad llamado Carmelo Martín Caro y nacido en Madrid) que aportaba las dosis de lirismo que necesitaba el sonido del grupo. Pese al éxito de los dos temas principales, sería injusto obviar la calidad de otros como She may call you up tonight o Let go of you girl.

Pese al éxito de Walk away Renée..., la duración de Left Banke fue breve, y en ello tuvo que ver la idea de Brown de abandonar el grupo para dedicarse exclusivamente a la composición y producción, que por cierto produjo una cierta disputa legal por el uso del nombre de la banda.
Brown-Lookofsky formó con posterioridad una nueva banda, Stories, (que también tendrá su espacio aquí en el futuro), mas próximos a la música negra y al rock, junto con otro personal cantante como Ian Lloyd, los cuales disfrutarían de un moderado impacto con el tema Brother Louie (aunque tampoco fuera una banda multitudinaria pese a su calidad).

Este disco agradará a aquellos que disfruten con el Rubber Soul de los Beatles o con otras bandas de corte similar como The Zombies.

LISTA DE CANCIONES

1."Pretty Ballerina" - 2:32
2."She May Call You up Tonight" - 2:18
3."Barterers and Their Wives" - 2:56
4."I've Got Something on My Mind" - 2:46
5."Let Go of You Girl" - 2:53
6."Evening Gown" - 1:46
7."Walk Away Renée" - 2:40
8."What Do You Know" - 2:57
9."Shadows Breaking over my Head" - 2:34
10."I Haven't Got the Nerve" - 2:13
11."Lazy Day" - 2:24

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SQUEEZE- EAST SIDE STORY (1981)

2009-04-30T17:30:00.000-07:00

Tenía dudas acerca de cual era el LP con el que debía acabar el mes de abril. Varios grupos me revoloteaban la cabeza: The Teardrop Explodes, Teenage Fanclub, Television, The Left Banke, Mott The Hoople... Seguramente todos ellos tendrán su espacio en mayo o en fechas posteriores (también lo digo a modo de avance para aquellos que puedan leerme con mas asiduidad).
Porque al final, casi por azar, me decidí por el que fue cuarto álbum de uno de los grupos mas representativos de la new wave británica, Squeeze, y esto también fue algo meditado, porque cualquiera de sus anteriores trabajos merecería estar aquí. Quizá dejando un poco por debajo su LP homónimo de debut, producido por John Cale; pero si fueron obras claves tanto Cool for cats (1979) que contenía temas como Up the junction (que funcionaron bastante bien para no tratarse de una banda multitudinaria), como el anterior a este, Argybargy (que fue la confirmación definitiva del quinteto londinense), en el que destacaban canciones como Another nail in my heart o If I didn't love you.

Si bien Squeeze en no demasiado tiempo ya habían acusado cambios en su formación, estos eran relativamente irrelevantes, pues afectaban fundamentalmente a la sección rítmica. Pero sus dos elementos principales, los guitarristas, cantantes y compositores de prácticamente todo el material, Glenn Tilbrook y Chris Difford, siempre estaban ahí. Sin embargo, la tercera pata de esta mesa y miembro fundador del grupo, el teclista Jools Holland, una institución de la música inglesa (después ha colaborado con muchísima gente como Paul Weller, Joe Strummer de The Clash, George Harrison, The The, Amy Winehouse y muchos mas) que había sido clave en los primeros discos de Squeeze, si que había abandonado el barco, y esta baja podía haber sido sensible.

No obstante, en la discográfica A & M tenían plena confianza en el talento de Tilbrook y Difford, a los que se consideraba (como a tantos otros antes y después) algo así como unos nuevos Lennon y McCartney, sobre todo tras mostrar que su capacidad para hacer buenas canciones permanecía intacta pese a llevar varios álbumes a un alto nivel. La comparación de todas formas era absurda, entre otras cosas porque Lennon y McCartney dejaron de componer canciones juntos al poco de iniciarse los Beatles; después cada uno elaboraba e interpretaba las suyas propias aunque las firmaran juntos. Mientras que en Squeeze, Tilbrook se encargaba siempre de la música y Difford de la letra.

Hay que decir, por otro lado, que si bien la new wave, como respuesta o consecuencia del punk fue una etiqueta en la que cabían todo tipo de influencias, las de Squeeze eran claramente el beat y el pop mas sencillo y amable de la primera mitad de los 60, interpretado, eso si, con la energía propia de la era punk y con el teclado (a veces sintetizador) de Holland que ponía todo ello en vigor a los tiempos que corrían.
Así que en A & M pensaron que era el momento de tirar la casa por la ventana: el proyecto de East Side Story era un doble LP en que 4 productores distintos se encargarían respectivamente de una cara del disco. Y estos productores serían 4 nombres importantes del pop y la new wave británica: nada menos que Paul McCartney, Elvis Costello, Nick Lowe y Dave Edmunds.

Esta idea al final quedó reducida a la mínima expresión. El doble LP solo fue uno sencillo, producido integramente por Costello con la colaboración de Roger Bechirian. El disco supuso en cierto modo la ruptura de Squeeze con la new wave y aunque contenía algunos sonidos similares a sus anteriores álbumes, tambien se notan influencias tan dispares como el soul o el rockabilly.

East side story, aunque cualitativamente estuvo a la altura de sus predecesores, fue un relativo fracaso a nivel comercial, muy por debajo de lo esperado por su compañía: pese a temas como Tempted, Is that love, In quintessence o Picadilly. Y también supuso el canto de cisne de lo mejor del grupo, que incluso llegó a deshacerse poco después y desde entonces ha funcionado de forma itinerante, pero siempre con Tilbrook y Difford al pie del cañón.

LISTA DE CANCIONES

1. "In Quintessence" - 2:55
2. "Someone Else's Heart" – 3:00
3. "Tempted" – 4:02
4. "Piccadilly" – 3:26
5. "There's No Tomorrow" – 3:27
6. "Heaven" – 3:49
7. "Woman's World" – 3:42
8. "Is That Love" – 2:31
9. "F-Hole" – 4:41
10. "Labelled With Love" – 4:44
11. "Someone Else's Bell" – 3:08
12. "Mumbo Jumbo" – 3:13
13. "Vanity Fair" – 3:09
14. "Messed Around" – 2:42

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Squeeze- In quintessence

Squeeze- "Is that love" en TOTP

DINOSAUR JR.- DINOSAUR (1985)

2009-04-30T15:30:00.000-07:00

Cuando al inicio de la década de los 90 un grupo como Nirvana, teóricamente ajeno a los postulados de la música mas comercial, se convirtió en un fenómeno de masas (y con ello el llamado grunge, un falso movimiento de bandas básicamente de noise rock que salvo un par de casos no valían mucho la pena y fueron de trayectoria fugaz), mucha gente (a causa del desconocimiento o justamente debido a la poca atención mediática que se prestaba y presta a determinados grupos) pudo pensar que era un fenómeno aislado que surgía de la nada.
Pero esa opinión estaba muy lejos de la realidad.

En los años 80 en los Estados Unidos proliferaron los grupos de hardcore, un estilo que fusionaba punk y rock duro, pero que no tuvo mucha trascendencia en sí mismo.
Lo que si fue trascendente es que, a partir de esa explosión de ruido acelerado, muchas bandas fueron evolucionando hacia sonidos que variaban desde lo experimental a lo decididamente pop, con referencias como The Velvet Underground o el Neil Young mas electrico, acercándose a un público mas amplio.

Sonic Youth fueron quienes abrieron la brecha por la que se colaron Pixies, Hüsker Dü, Yo La Tengo y otros discípulos, tan ruidosos como melódicos.

Así, en Amherst, pequeña localidad del estado de Massachussets, a unos 150 km. de la ciudad mas importante del estado, Boston, un trío empezaba a funcionar como Deep Wound, pero al poco tiempo se convertían en Dinosaur Jr.
Su miembro principal era J. Mascis, guitarrista, cantante y compositor de la mayor parte del repertorio del grupo, con pequeñas aportaciones del bajista, Lou Barlow. La formación la completaba el batería Murph.
La idea de Mascis era recuperar el protagonismo perdido de la guitarra eléctrica, incluidos solos a la antigua usanza, con lejanos ecos a Jimi Hendrix, en un sonido que procedía del hardcore, pero que resulta tremendamente pop en algunos temas, con una tonalidad siempre algo melancólica y doliente que tiene a Neil Young como principal influencia, hasta el punto de que las voces de Mascis y Young en su juventud son casi iguales.

Este primer disco (editado por el pequeño sello Homestad) no es evidentemente una obra maestra, estando claramente por debajo de sus mejores álbumes, que sin duda son el siguiente a este, You're living all over me (1987) y Green Mind (1991), ya grabado con una filial de la multinacional Warner (Blanco y Negro), en plena apoteosis mediática de sonidos similares (Kurt Cobain no paraba de escuchar los dos primeros discos de Dinosaur Jr. en su adolescencia y fueron una gran inspiración para él) lo que les abrió a un público mas mayoritario, con temas como The Wagon o Water.
Sin embargo, pese a que Dinosaur fue una grabación primeriza, ya se dejaba entrever el talento de J. Mascis, sobre todo, y a mi juicio, en dos temas que sobresalen muy por encima del resto, Repulsion y la balada Severed lips, que daban la alternativa a uno de los autores mas interesantes del rock independiente americano de los ultimos 20 años.

El grupo como tal se separó en 1997, comenzando Mascis una carrera en solitario, que incluyó una curiosa colaboración aportando alguna canción para la banda sonora de la película Grace of my heart (1997), producida por Scorsese y dirigida por Allison Anders, que cuenta la historia de una compositora de los años 60, que aunque se trata de un personaje de ficción, contiene muchas similitudes con Carole King. Destacaba especialmente uno de sus temas, Take a run at the sun, mas próximo al estilo de Beach Boys que al de su entonces ex grupo.

Pero en 2003 Dinosaur Jr. se reagrupó con la formación original y han grabado material nuevo y realizado varias giras (curiosamente coincidiendo con una reedición de sus tres primeros discos).
Sin duda J. Mascis y Dinosaur Jr. son nombres claves para entender el indie rock estadounidense de estas tres últimas décadas.

LISTA DE CANCIONES

1. Bulbs of Passion 4:16
2. Forget The Swan 5:09
3. Cats In a Bowl 3:35
4. The Leper 4:04
5. Does It Float 3:18
6. Pointless 2:47
7. Repulsion 3:04
8. Gargoyle 2:11
9. Severed Lips 4:02
10. Mountain Man 3:28
11. Quest 4:27

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Versión acústica de "Severed lips" por J. Mascis en solitario

Dinosaur Jr. interpretando en directo "Repulsion" durante su gira de reaparición

THE HUMAN LEAGUE- DARE (1981)

2009-04-30T14:45:00.000-07:00

La verdad es que sería mas fiel al espíritu de este blog si, al hablar de The Human League, hiciera referencia a cualquiera de sus dos primeros discos antes que a este, que supuso un claro tránsito hacia senderos mas comerciales.

Formados en la ciudad de Sheffield (la misma de bandas tan dispares como Pulp, Def Leppard, ABC o Cabaret Voltaire) fueron uno de los muchos grupos que en la 2ª mitad de los 70 empezaron a practicar con sintetizadores y sonidos fríos, herederos directos de los alemanes Kraftwerk. Su nombre provenía de un juego de mesa con temática fantástica.

De entrada grabaron dos primeros LPs, Regeneration y Travelogue, este último mas asequible para el oyente que su predecesor, y que ya alcanzó cierta repercusión, llegando al número 20 de los charts británicos.

El cambio estilístico de la experimentación a la comercialidad produjo ciertas grietas en el grupo. Así, dos de sus principales elementos, Ian March y Martin Ware, se separan para formar el grupo Heaven 17, que, aunque trató de continuar por otros senderos, acabaría en la línea musical de su grupo original.

Así que quedó como único líder el principal compositor del grupo y voz solista en la mayoría de temas, Phil Oakey, que manteniendo del cuarteto original a Adrian Wright (mas bien un miembro itinerante) añadió a Ian Burden y Jo Callis, y reclutó 2 voces femeninas, Susan Sulley y Joanne Catherall, habituales de los clubs de Sheffield, virando el sonido del grupo hacia el synth-pop con toques de la música disco de raíces negras.

The Human League, a principios de los 80: De izquierda a derecha Jo Callis, Joanne Catherall, Phil Oakey, Adrian Wright, Susan Sulley e Ian Burden

En 1980 y 1981, año de publicación de este Dare! (con posterioridad el signo de admiración fue desapareciendo en las reediciones y no sé por qué), grupos con un sonido similar reinan en las listas inglesas sin oposición: son las fechas de los primeros álbumes de formaciones como Depeche Mode, Visage, Soft Cell, O.M.D., Yazoo o los mencionados Cabaret Voltaire o de los insustanciales Nuevos Románticos: Spandau Ballet, Duran Duran, Ultravox...(si bien sus primeros discos aún tenían cierta gracia, y grupos que ahora parecen de lo mas in como Franz Ferdinand beben descaradamente de sus fuentes) u otros a los que se les atribuyó esa etiqueta, como Japan o Adam & The Ants.

A destacar del disco, temas como Don't you want me (nº 1), Seconds o Things that dreams are made of.

Al año siguiente The Human League con el seudónimo de The League Unlimited Orchestra (guiño a la Love Unlimited Orchestra de Barry White) publicaron el prescindible LP Love and Dancing, que no es otra cosa que una remezcla de los temas de Dare!, en versiones básicamente instrumentales y más dirigidas a las pistas de baile, producido por Martin Rushent, que también había trabajado con un grupo teóricamente antagónico como Joy Division (si bien los miembros supervivientes de este grupo, tras el suicidio de Ian Curtis, se encargaron de desmentir esta observación mía creando New Order, mas orientados a la música electrónica).

Dare! es un disco que no ha soportado bien el paso del tiempo, no obstante algunos temas aún se dejan oír con cierta gracia. Pero The Human League continuaron varios años mas en la cresta de la ola, durante los cuales Oakey colaboró en la banda sonora del film fantástico juvenil de culto Sueños eléctricos (Steve Barron, 1984).
La llegada a la primera línea de grupos como The Smiths, que recuperaban el protagonismo de la guitarra eléctrica frente a los teclados, y algunos años después la eclosión del brit pop con Oasis, Suede, Pulp, Blur, Radiohead, The Charlatans, etc. enterró definitivamente, y tal vez afortunadamente, a la mayoría de estos grupos.

Sin embargo, The Human League nunca se fueron del todo, y aparecieron por ejemplo hace un par de años en el FIB de Benicassim, donde jóvenes veinteañeros disfrutaban desprejuiciadamente de sus canciones. Será que los tiempos cambian, o bien que el posible regusto hortera que queda tras la escucha de Dare! (los 28 años transcurridos desde de su grabación no han pasado en balde), sea realmente mas virtud que defecto.

LISTA DE CANCIONES

1. Things That Dreams Are Made Of
2. Open Your Heart
3. Sound of the Crowd
4. Darkness
5. Do or Die
6. Get Carter
7. I Am the Law
8. Seconds
9. Love Action (I Believe in Love)
10. Don't You Want Me

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The Human League- Seconds (videoclip)

The Human League- Don't you want me

(Para ver el video original, ya que la inserción esta desactivada pincha aquí)