domingo, 19 de julio de 2009

DEXYS MIDNIGHT RUNNERS- TOO-RYE-AY (1981)

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La verdad es que para hablar de este disco (y no repetir lo que ya comenté entonces) sería conveniente remitirme al artículo que escribí sobre el anterior LP que grabaron Dexys Midnight Runners (y que además supuso su debut), Searching for the young soul rebels, una obra maestra del northern soul hecho por británicos, con claros toques sixty y leves influencias ska, y del cual Too-rye-ay fue una excelente continuación, además recompensado con un éxito comercial del que no disfrutó su antecesor.

El personal vocalista Kevin Rowland seguía al frente del grupo, pero uno de los miembros fundadores y elemento fundamental en las canciones y el sonido del primer disco, Al Archer, había dejado la banda. Sus galones pasaron al trombonista Big Jim Paterson, quien pasó a asumir junto a Rowland la responsabilidad creativa. Por lo demás, se habían introducido numerosas modificaciones, y no solo en el equipo de músicos que les acompañaban. En el estilo seguía percibiendose cierto toque soul de guante blanco y sesentero, pero aquí se aderezó con toques celtas: violines y flautas sustituyeron a la excelente sección de viento de Searching for the young soul rebels. Además, modificaron su estética de estibadores portuarios (al estilo de la pelicula La ley del silencio) por el de trabajadores o granjeros de la época de la revolución industrial (como podemos comprobar en la imagen de Rowland que sirve de portada al disco). Los aires estilo hooligan de los coros de las canciones hacen el resto.

Después de Too-rye-ay, aunque aún hubo un notable álbum posterior (Don't stand me down), las cosas ya no fueron igual. Los problemas de Rowland con sus compañeros y su difícil carácter disminuyeron la producción, y la calidad de sus discos, ya con diferentes formaciones, se resintió.

Pero, aunque no al nivel (por poco) de su primer álbum, nos encontramos con un excelente LP que resultará inolvidable para quien se adentre en él, con temas como Jackie Wilson said (versión de Van Morrison), Celtic soul brothers o Come on Eileen.

LISTA DE CANCIONES

1."The Celtic Soul Brothers" (Billingham, Paterson, Rowland) – 3:08
2."Let's Make This Precious" (Paterson, Rowland) – 4:03
3."All in All (This One Last Wild Waltz)" (Paterson, Rowland) – 4:07
4."Jackie Wilson Said (I'm in Heaven When You Smile)" (Van Morrison) – 3:05
5."Old" (Paterson, Rowland) – 5:35
6."Plan B" (Paterson, Rowland) – 5:04
7."I'll Show You" (Paterson, Rowland) – 2:41
8."Liars A to E" (Paterson, Rowland, Torch) – 4:11
9."Until I Believe in My Soul" (Paterson, Rowland) – 6:59
10."Come On Eileen" (Adams, Paterson, Rowland) – 4:38

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BOB MARLEY & THE WAILERS- CATCH A FIRE (1972)

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La música reggae fue trasladada al Reino Unido por los numerosos inmigrantes de las antiguas colonias británicas en el Mar Caribe (especialmente Jamaica, pero también otras como Trinidad y Tobago), los cuales residían principalmente en grandes ciudades como Londres (sobre todo en barrios como Camden).
Aunque era de creación posterior a otro estilo mas acelerado procedente de estas islas, el ska, cronológicamente se popularizó antes, ya que el éxito de este otro se fraguó debido al revivalismo de los años 60 que conllevó el advenimiento de punks y neomods de finales de los 70, con gente como The Specials o Madness.

The Wailers funcionaban desde principios de los 60 en Kingston con una formación integrada por el propio Marley, Peter Tosh (otro elemento fundamental de la música jamaicana), Junior Braithwaite o Bunny Wailer, practicando unos sonidos próximos al soul.
Esta formación, con pequeños cambios, funcionaría como tal hasta 1974, pues, tras el éxito masivo de Marley, cada uno decidió seguir su camino, y desde entonces funcionó con una banda distinta, que, no obstante, conservaría la misma denominación.

Sería injusto si no mencionara como uno de los grandes valedores de este disco y de la música reggae en general a Chris Blackwell, británico de origen judío y costarricense que decidió dejar la universidad inglesa para vivir y trabajar en Jamaica. Desde allí descubrió de primera mano el panorama musical de esta antigua colonia inglesa y decidió crear la discográfica Island para dar soporte a este tipo de grupos y distribuir sus discos tanto en la isla como en la propia Gran Bretaña, donde desde mediados de los 70 estas grabaciones empezaron a calar también en el público autóctono, y no solo entre los inmigrantes de estos paises, como sucedía hasta entonces.

Cuando Island ya era una discográfica prestigiosa, decidió hacer una apuesta muy fuerte por Bob Marley & The Wailers: fueron fichados por 4.000 libras como grupo estrella y se lanzaron un buen número de copias de Catch a fire al mercado, algo inaudito para una formación jamaicana, y además se les dio la oportunidad de grabar con mejores medios de los que cualquier grupo antillano pudiera haber soñado hasta entonces, disfrutando además de una notable promoción comercial.

Caso aparte merece la portada original del disco, que también resultó imaginativa en una época que este tipo de diseños eran mas habituales: La carpeta representaba un encendedor estilo Zippo, que además se abría como tal.

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Esta cubierta solo se presentó en la 1ª edición. En Gran Bretaña acabó sacándose finalmente una portada de Marley fumándose un canuto. La cual sería, por cierto, la que permanecería en las siguientes ediciones, descartándose la del mechero.

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Finalmente, la reedición especial en CD publicada en el 25 aniversario del fallecimiento de Marley (2005) recuperaría el encendedor, eso si, sin la posibilidad de abrirse a la antigua usanza. Un alarde de diseño que no tuvo su recompensa, pues Catch a fire solo vendió 14.000 copias originalmente, así que esta portada resulta difícil de hallar.

No obstante el tiempo puso en su sitio a un disco que fue probablemente de los mejores realizados por Marley, una fusion de reggae y soul, que al final pasaría sobradamente del millón de copias vendidas, y que nos permite disfrutar de un talentoso cantante, músico y compositor cuando aún no era un fenómeno mediático ni vendía camisetas o merchandising, pero al que merecía la pena escuchar.

LISTA DE CANCIONES

Edición jamaicana

1."Concrete Jungle" – 4:16
2."Stir It Up" – 3:39
3."High Tide or Low Tide" – 4:45
4."Stop That Train" – 3:55
5."400 Years" – 3:03
6."Baby We've Got a Date (Rock It Baby)" – 4:05
7."Midnight Ravers" – 5:09
8."All Day All Night" – 3:29
9."Slave Driver" – 2:57
10."Kinky Reggae" – 3:45
11."No More Trouble" – 5:16

Edición británica

1."Concrete Jungle" – 4:15
2."Slave Driver" – 2:55
3."400 Years" – 2:47
4."Stop That Train" – 3:57
5."Baby We've Got a Date (Rock It Baby)" – 3:59
6."Stir It Up" – 5:35
7."Kinky Reggae" – 3:39
8."No More Trouble" – 4:00
9."Midnight Ravers" – 5:08
10."High Tide or Low Tide" – 4:40 (CD Bonus track)
11."All Day All Night" – 3:26 (CD Bonus track)

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AZTEC CAMERA- HIGH LAND, HARD RAIN (1983)

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Cuando una banda de Glasgow llamada Aztec Camera publicó este disco de debut, Roddy Frame, su cantante y principal compositor, solo tenía 19 años, si bien es cierto que el grupo ya llevaba funcionando un par de años.

Resultaba un riesgo lanzar al mercado un LP con cierta ambición alejándose del modelo synth-pop que en ese momento era el mayoritario, para recuperar un sonido protagonizado por las guitarras, en este caso acústicas (unos meses después ya se encargarían The Smiths en Manchester de hacerlo con las eléctricas), combinándolos con pop independiente (quizá este es el primer grupo al que se le puede otorgar la etiqueta de indie, tal vez junto a Orange Juice) y canciones mas fácilmente comercializables.

Este es el secreto de High land, Hard rain y de su perdurabilidad: eso, y un sonido elegante y sin estridencias, distante de modas pasajeras a lo que añadimos el hecho de que Aztec Camera se integra dentro de una excelente cantera de grupos escoceses de los 80 y 90 caracterizados por unos tonos mas bien melódicos (hubo ruidosas aunque excelentes excepciones como Jesus & Mary Chain, pero por lo demás: Belle & Sebastian, Teenage Fanclub, o los antes mencionados Orange Juice de Edwyn Collins, por no citar nombres mas comerciales que no vienen al caso, u otros, como
Prefab Sprout, cuyo lider tiene este origen).

Musicalmente hablando, el disco se divide en dos caras bien diferenciadas (esto vale para las ediciones en vinilo, obviamente, en CD es una cuestión simplemente de orden numérico). Una primera mas fácilmente vendible, con sonidos mas standard y hits potenciales, como Oblivious o Walk out the winter, y una cara B con temas mas claramente acústicos y de corte casi folkie y melancólico en algunos casos, que no excluye que puedan ser asequibles, como Pillar to post, si bien hay un poco de todo, pues en la primera parte del disco también hallamos canciones como The Bugle sounds again, tal vez la mejor de todo el álbum (a mi juicio), que comparten ambos estilos.


Dos años después Aztec Camera volvieron ya consolidados con un segundo disco, Knife, pero siendo un buen LP, resultaba algo mas convencional.

Sin duda discos como este (y alguno mas de los comentados de la misma época) dignifican una década como la de los 80 con mas sombras que luces, sobre todo porque a la hora de los revivales se tiende a recuperar lo prescindible, y no al revés, como sería de desear.

LISTA DE CANCIONES

1. Oblivious
2. Boy Wonders
3. Walk Out to Winter
4. Bugle Sounds Again
5. We Could Send Letters
6. Pillar to Post
7. Release
8. Lost Outside the Tunnel
9. Back on Board
10. Down the Dip
11. Haywire
12. Orchid Girl
13. Queen's Tattoos

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Una pequeña joya: Roddy Frame, muchos años después, interpretando en solitario "The bugle sounds again"


MALO- MALO (1972)

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A finales de los años 60, en la ciudad de San Francisco había una serie de grupos que mezclaban el rock y el blues ácido (que estaban practicando en ese momento otras bandas de la Costa Oeste americana) con algunos elementos latinos, propiciados por la proximidad con México y la gran cantidad de población hispana que habitaba (y habita) el estado de California y esta ciudad en particular, así como por el gran éxito que obtuvo Santana con sus dos primeros álbumes a raíz de su aparición en el mítico Festival de Woodstock en 1969.

Jorge Santana, hermano pequeño de Carlos, se había desmarcado de su familiar y había formado una banda adolescente inicialmente conocida como The Malibus, a la que se acabarían añadiendo tres miembros mas, que conformarían el septeto desde entonces conocido como Malo.

Musicalmente, pese a alguna heroicidad guitarrística que podemos hallar en este disco (Peace, Just say goodbye) por parte del propio Jorge y de Abel Zárate, con influencias leves de Jimi Hendrix y del rock californiano post-psicodélico, se decantaban mas por una especie de soul de influencias latinas, con proximidad a la Motown por el hecho de sonar mas asequible a todos los públicos y apto para el baile: algo que también practicaban otros grupos de la Costa Este en una línea similar, como The Harvey Averne Barrio Band, sin olvidar otras bandas que mezclaban elementos de jazz, rock y pop acertadamente (al menos en sus inicios) como Blood, Sweat and Tears.
Malo contaba con unas notables secciones de viento y percusión, de la que formaron parte músicos destacados como Luis Gasca o Richard Bean, con Arcelio García y el bajista nicaragüense Pablo Téllez, que, junto a los antes mencionados Zárate y Jorge Santana, constituían los principales elementos de este grupo.

La parte mas suave, en cambio la ponían con temas como Pana o Suavecito, inesperado éxito que les puso en primera línea, aunque la banda no tuvo demasiada continuidad en los siguientes discos y cayeron un tanto en el olvido.

Pese a ello, representaron una autenticidad quizá mayor que la de Carlos Santana, sobre todo teniendo en cuenta aquello en lo que derivó la trayectoria posterior de éste.

LISTA DE CANCIONES

1. Pana (Garcia, Zárate) 6:45
2. Just Say Goodbye (Grand, Grant) 8:00
3. Cafe (García, Santana, Téllez) 7:21
4. Nena (García, Téllez, Zárate) 6:28
5. Suavecito (Bean, Téllez, Zárate) 6:36
6. Peace (García, Téllez, Versoza, Zárate) 9:21

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Malo interpretando "Suavecito" en directo en la TV americana en 1972, año de lanzamiento de este disco

sábado, 18 de julio de 2009

THE STOOGES- FUN HOUSE (1970)

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Hoy en día si escuchamos cualquier radióformula convencional estilo Los 40 principales, costaría pensar que la música rock un día pudo ser considerada como algo peligroso, dañino y subversivo.

Pero hubo un momento en que las cosas fueron distintas y dicha teoría, que hoy día nos puede parecer ingenua, estuvo mas próxima a la realidad con algunos ejemplos que hicieron que todo esto no fuera solo (aunque en la mayoría de casos, si) la obsesión de determinadas mentes demasiado conservadoras en su cruzada contra un estilo musical concreto y rompedor de normas.

En 1969 la década de los 60 y todo lo que elló conllevó eran prácticamente historia, de los grupos nacidos en aquellos años solo algunos como The Doors o The Velvet Underground se mantenían realmente vivos o en un momento creativo aún inspirado, aunque en una etapa oscura: supervivientes de un bonito sueño que estaba muerto y enterrado.

El paro, las drogas duras (que sustituyeron a los mas inocentes alucinógenos y marihuana, cobrándose muchas vidas entre los jóvenes estadounidenses) o la Guerra de Vietnam, eran el caldo de cultivo para que en ese espacio se colaran grupos de un sonido mas duro.

Así, el naciente hard rock en Inglaterra con bandas com Led Zeppelin, Deep Purple, Black Sabbath o Bad Company, tuvo una respuesta americana con gente como Blue Cheer.
En la ciudad de Detroit, pese a ser la sede de la mítica discográfica negra Tamla Motown, el panorama no era mas alentador. Su paisaje gris e industrial, con el humo que emanaba de las chimeneas de las fábricas de la Ford y General Motors, era el escenario propicio para que surgieran determinadas bandas como MC5 (abreviatura de Motor City Five), que mezclaban elementos del rock, garaje y de un punk primitivo, los cuales abrirían el camino para que otra banda del lugar como The Stooges alcanzara relevancia dentro de ese panorama.

James Newell Osterberg, mas conocido como Iggy Pop, había sido batería de un par de grupos juveniles de la zona y admiraba ciegamente a Jim Morrison ("Si no estuviera muerto, habría dado mi vida a cambio de la suya", o una frase parecida, le leí en una entrevista, al preguntarle acerca de su fascinación por el vocalista de The Doors).
Eso le hizo querer pasar de las baquetas a convertirse en cantante y líder de una banda, y encontró una pareja de hermanos, Ron y Scott Asheton (guitarrista y batería respectivamente) que serian los cómplices con los que hacer algo que sonara diferente.

Como dijimos, MC5 era el grupo que ya había obtenido un éxito importante en la zona de Michigan con un tipo de sonido similar (lo que refrendaría con el LP en vivo Kick out the jams), así que las discográficas iban a la caza de grupos similares en ese área geográfica con los cuales repetir la jugada. Y en este caso la compañía Elektra, la misma de The Doors y Love, se hizo con los servicios de The Stooges por un módico precio.

Así, en 1969 llega su primer LP de nombre homónimo, con Iggy todavía apareciendo en los créditos como Iggy Stooge y con Dave Alexander completando la formación al bajo (en el 3º LP, Raw Power, sería sustituido por imposición de David Bowie, productor del disco, pero esa ya es otra historia).

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En The Stooges se contó con la producción de John Cale, el que fuera pieza clave de The Velvet Underground y que acababa de salir por piernas de este grupo tras numerosas disputas con Lou Reed, iniciando una carrera en solitario y como productor de grupos de lo mas variado. La relación del grupo con Cale fue fría y aunque el disco es tan bueno o mejor que este, con clasicos como la infinitamente versioneada I wanna be your dog o No fun, pero el sonido resultaba demasiado "limpio" para lo que eran ellos en directo y además impuso un tema, We will fall, que recordaba mas a los momentos oscuros de The Velvet Underground y no a los Stooges, incluyendo una viola interpretada por el propio Cale.

Este primer disco fue un fracaso para Elektra, no alcanzando los niveles de popularidad de MC5 (curiosamente hoy en día probablemente esta banda es menos valorada que The Stooges) y la compañía dio la espalda a su siguiente proyecto, Fun House, pasando Don Gallucci, miembro del grupo de garaje The Kingsmen (Louie, Louie) a la producción, e introduciendo al saxofonista Steve MacKay. Curiosamente Gallucci fue inteligente y dejó cierta libertad de acción al grupo y a Iggy, con lo que la banda suena en estado puro, con numerosas tomas de voz de directo y dubs.

Fun house, como bien puede reflejar la portada, es un descenso progresivo a los infiernos, nos encontramos con unos primeros temas de rock con fraseos de guitarra machacones y pegadizos (Down in the street, Loose) pero las canciones cada vez resultan mas incómodas, la duracion se extiende mas allá de lo necesario entre ruido, distorsión y gritos malsanos de Iggy, como el que inicia TV Eye (luego sampleado por Mano Negra), mas cínica, escéptica y basada en un riff pegadizo a cargo de Asheton, cuya guitarra va a escape libre a lo largo de todo el álbum, especialmente en temas como éste, en el cual se utiliza el pedal sin ningún tipo de restricciones, pero de forma mas malsana que artistica, mientras Iggy grita, berrea, aúlla, tose, se ahoga, escupe y murmura frases inaudibles.
Así será tambien en 1970, crónica musical de un año sin esperanza, o en la cancion que titula el disco. Pero mucho peor aún es L.A. Blues, tema carente de melodía y basado únicamente en notas sueltas escupidas sin mas entre ruidos infernales, una brutalidad a la altura del grupo que cierra el LP como no podía ser de otra forma, y que solo una mente calenturienta como este Iggy podia concebir, ayudado eso si en el consumo habitual de determinadas sustancias (como el resto de sus compañeros, todo hay que decirlo).

Pero aún así hay tiempo para temas como Dirt, título explicito para una gran creación, seguramente la mejor del disco, la cual permite además cierto lucimiento instrumental en sus 7 minutos de duración, que rompen la dinámica del resto de temas, una muestra de que en la decadencia y en la iniquidad se puede hallar la belleza.

LISTA DE CANCIONES

1."Down on the Street" – 3:42
2."Loose" – 3:33
3."T.V. Eye" – 4:17
4."Dirt" – 7:00
5."1970" – 5:14 (también conocida como "I Feel Alright")
6."Fun House" – 7:45
7."L.A. Blues" – 4:52

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ARTE EN LAS PORTADAS (2)

Big Brother & The Holding Company- Cheap thrills (1967)
Autor: Robert Crumb
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The Band- Music from the Big Pink (1968)
Autor: Bob Dylan
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13th floor elevators- The psychedelic sounds of 13th floor elevators (1967)
Autor: John Cleveland
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Frank Zappa- The man from Utopia (1983)
Autor: Gaetano ("Tanino") Liberatore
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Return to forever- Musicmagic (1977)
Autor: Nancy Donald
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Jorma Kaukkonen- Jorma (1979)
Autor: Wet Teeth M y Doug Carter
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Supersuckers- The smoke of hell (1992)
Autor: Daniel Clowes
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viernes, 3 de julio de 2009

MICHAEL JACKSON- OFF THE WALL (1979)

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Es verdad que mucha gente puede preguntarse el motivo por el que hago aquí una referencia a Off the wall y podrán considerarlo, con parte de razón y a la vista de acontecimientos recientes, como una idea un tanto oportunista.

Pero la verdad es que ya tenía en la cabeza hace tiempo dedicar un artículo a este disco, por tratarse de una obra destacable, independientemente de su comercialidad, que en cierto modo, fue inesperada: en 1979 Michael Jackson llevaba grabados nada menos que seis discos en solitario, pero estos no habían funcionado al nivel de los que hacía bajo el yugo de sus hermanos (antes Jackson 5 y tras pasar de la mítica discográfica Motown a Epic por cuestiones fundamentalmente económicas y de royalties, cambiaron el nombre a The Jacksons).
Por otro lado, se trata del último disco realmente "negro" de Michael, tanto por el sonido que contiene, como por su propia imagen, que, tras Off the Wall (como podemos comprobar ya en la cubierta del posterior Thriller) empezó a presentar notables cambios. Todo ello recomienda dedicar un merecido espacio a este disco.

Hay que destacar como un momento clave la presencia de Michael Jackson en 1978 en el musical The Wiz, versión afro americana del Mago de Oz en la que no se escatimaron medios (dirigía Sidney Lumet y el responsable de los efectos especiales fue Stan Winston, uno de los mejores en este aspecto y al que dediqué un artículo en mi blog paralelo de cine fantástico y de terror, con motivo de su fallecimiento hace cosa de un año), pero que sin embargo fue un fracaso, y en el que Jacko hacía el papel de Espantapájaros.

Pero The Wiz resultó importante por el hecho de poner en contacto a Michael con Quincy Jones, compositor, productor, cantante, autor de bandas sonoras para cine y TV, arreglista y figura capital de la música negra. Jones sería pieza clave en los dos siguientes discos de Jackson (en menor medida también en el tercero, Bad) y en su éxito multitudinario, muy por encima de las expectativas que se crearon a priori con estos álbumes.

En 1979, la música disco, en particular en su vertiente negra, era algo completamente anacrónico, en un panorama musical dominado por nuevos sonidos que incluían la electrónica. Así que era un riesgo hacer un disco claramente en esa línea, como fue Off the Wall.
Sin embargo, dos canciones claramente de ese estilo fueron un éxito arrollador y probablemente inesperado, como (I just can’t enough y Rock with you), pero el resto del álbum quizá se aproxima mas al pop (atención a las colaboraciones de Paul McCartney en Girlfriend, que luego derivaria en una amistad y posteriores trabajos en común, o de Stevie Wonder en I can’t help it) que luego desarrollaría claramente en su siguiente disco, un éxito de proporciones mastodónticas que, paradójicamente, solo fue el comienzo de la decadencia musical y física de un autor de talento pero perdido en su propia megalomanía.

Michael Jackson acabó asimilando las enseñanzas de su mentor Quincy Jones y superándolas, pero acabó desdibujando la herencia recibida; sin embargo eso ya es la clase de historia que aquí no solemos tratar.

En cambio, si nos gusta hablar de buena música, y en Off the wall, por encima de su impacto comercial, había la suficiente para merecer este espacio.

LISTA DE CANCIONES

1. "Don't Stop 'til You Get Enough"
2. "Rock With You"
3. "Workin' Day and Night"
4. "Get on the Floor"
5. "Off the Wall"
6. "Girlfriend"
7. "She's out of My Life"
8. "I Can't Help It"
9. "It's the Falling in Love"
10. "Burn This Disco Out"

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