sábado, 28 de noviembre de 2009

ADAM AND THE ANTS- KINGS OF THE WILD FRONTIER (1980)

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Entiendo que la gente que haya vivido esos años en primera persona (yo era aún muy pequeño) pueda sentirse decepcionada al ver aparecer en esta lista de discos a un grupo como Adam & The Ants y este LP en particular, que fue un producto relativamente comercial (se grabó en una filial de la multinacional CBS, Epic, y en su momento tuvo grandes ventas) y fue olvidado al pasar su momento de gloria.
De hecho, fueron incluidos parcialmente, por ciertas similitudes, en el mismo saco que a los denostados (en algunos casos no lo merecían tanto) Nuevos Románticos. Pero sería muy injusto condenarlo al olvido por ello dadas sus muchas virtudes, y por otro lado, las pocas personas que me hayan leído con cierta continuidad sabrán que no es el primer álbum de esas coordenadas que he tratado y trataré aquí.

Adam Ant (de nombre real Stuart Leslie Goddard, nacido en 1959 en Londres y también actor ocasional) hizo su entrada en escena musical en plena eclosión del punk, y con la primera formación de esta banda grabó el LP Dirk wears white sox, que merece cierta atención pero que se perdió en el batiburrillo de grupos y sonidos similares de aquellos años.
Cuando empezó a encontrar la llave del éxito, el modista y promotor Malcolm McLaren, la materia gris en el aspecto mediático que había tras los Sex Pistols (los cuales en aquel momento acababan de finalizar su breve existencia), se llevó á todos los compañeros de Adam con sus nuevos pupilos, Bow Wow Wow, para acompañar a la vocalista de solo 14 años Annabella Lwin (que por cierto aparecía desnuda en la portada del primer album, lo que demostraba que la caja registradora de McLaren seguía bien engrasada).


Así que Adam tuvo que empezar de nuevo y encontró la colaboración del guitarrista y amigo Marco Pirroni, ex de Siouxsie & The Banshees, con los que juntó un nuevo grupo que destacó musicalmente por aunar un collage imposible en el que cabían desde glam (Don't be square), punk, o sonidos mas comerciales (Dog eat dog, Ant Music), hasta reminiscencias de las bandas sonoras para spaghetti-westerns de Ennio Morricone (Los Rancheros), con rasgueos de guitarra mas propios de la música surf o del rockabilly.

Todo ello coescrito por Ant y Pirroni y aderezado con sonidos de tam-tam, gritos de indios (o coros al estilo hooligan, o las dos cosas a la vez). A destacar también la inclusión de dos baterías y una estética que incluía disfraces (y tambien un toque de notable ambigüedad sexual, o decididamente gay) en la que Adam en particular vestía a modo de soldado inglés del s. XVIII que habría sido adoptado por alguna tribu india, lo que hacía que llevara la cara con pinturas de guerra y trenzas, mezclado con aspecto de corsarios (¿pudo basarse el personaje de Jack Sparrow, que interpreta J. Depp en la saga Piratas del Caribe, en la imagen de Adam Ant?). Tomando como fuente de inspiración tanto la época glam como las películas de indios y vaqueros o el cine de aventuras de pacotilla y el peplum (que tienen su referencia sonora en temas como Jolly Roger o Feed me to the lions).
La diversión y el concepto de rock como algo juvenil y transgresor, otra vez. Algo que tal vez nos parece tan lejano hoy día.

Años después, Adam Ant afirmó acertadamente en una entrevista que Kings of the wild frontier quizá supuso el último clavo en la tapa del ataúd del punk.

LISTA DE CANCIONES

1.Dog Eat Dog - 3:07
2."Antmusic" – 3:36
3."Los Rancheros" – 3:28
4."Feed Me to the Lions" – 2:59
5."Press Darlings" - 4:12
6."Ants Invasion" – 3:20
7."Killer in the Home" – 4:19
8."Kings of the Wild Frontier" – 3:53
9."The Magnificent Five" – 3:05
10."Don't Be Square (Be There)" – 3:29
11."Jolly Roger" – 2:09
12."Physical (You're So)" - 4:26
13."The Human Beings" – 4:24

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Un par de muestras de Adam & The Ants en directo


viernes, 27 de noviembre de 2009

UTOPIA- DEFACE THE MUSIC (1980)

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Me permito incluir esta pequeña rareza, injustamente desconocida, por dos motivos.
Primero, porque creo que cumple los requisitos para aparecer aquí y musicalmente es un disco a tener en cuenta. Y segundo por hacer un pequeño guíño a un músico como Todd Rundgren, una importante figura de la música americana de los últimos cuarenta años, destacando mas mediaticamente en su faceta de productor (y también por ser durante un tiempo el presunto padre de la actriz Liv Tyler, pero esa es otra historia que no procede aquí), pero también guitarrista, compositor, cantante e integrante de varios grupos, eso si, mas bien de culto y reconocidos por la critica antes que por el público.

Pese a moverse mas por los senderos del rock progresivo e incluso hard rock, Rundgren siempre fue un gran admirador de los grupos de la british invasión de los 60, es decir, Beatles, Kinks, Who, Stones y compañía.
Algo de ello quedó en su primera banda importante, Nazz (o The Nazz) con la que grabó tres discos interesantes no demasiado multitudinarios (en el primero, de ellos por cierto, homenajeaba-copiaba la portada del With the Beatles, el segundo álbum del cuarteto de Liverpool). Posteriormente, en la producción tuvo entre manos los dos primeros discos (y mejores) de los miticos New York Dolls, y después vinieron trabajos con gente tan variada como The Band, Grand Funk Railroad o Bad Religion.


Mientras tanto, Rundgren había formado una nueva banda, Utopia, un tanto experimental, que contó en su formación definitiva con el propio Todd como voz, guitarra y autor principal del repertorio, Kasim Sulton como bajo, Willie Wilcox (batería) y el teclista Roger Powell.

Tras una trayectoria de discos minoritarios, Rundgren da una vuelta de tuerca y saca este disco sin nada que ver con otros trabajos de la banda, en el que, pese a que el título pueda parecer una revisión de un disco anterior, Face the music, de la ELO, lo que hizo en realidad fue llevar a la máxima expresión su pasión añeja por los Beatles, haciendo una especie de imitación de varios temas del cuarteto, con una primera parte del disco que se centra en la etapa beat en torno a 1964, y una segunda a las grabaciones que realizaron en 1966-67, trabajando además con un estilo de producción similar.

Así, Crystal Ball recuerda claramente a Can't buy me love, I just want to touch you es un pastiche de I saw her standing there, I want to hold your hand o She loves you, pero con un inicio de armónica al estilo de I should have know better o Love me do. El espíritu de Michelle vive en All smiles, Hoi Poloi es un remedo de Penny Lane y como fin de fiesta, hace una mezcla de las lennonianas Strawberry Fields Forever y I'm the walrus en Everybody else is wrong.
Un disco curioso, divertido pero no anecdótico, que revela el talento de un notable músico como Todd Rundgren.

LISTA DE CANCIONES

1. I Just Want to Touch You
2. Crystal Ball
3. Where Does the World Go to Hide
4. Silly Boy
5. Alone
6. That's Not Right
7. Take It Home
8. Hoi Poloi
9. Life Goes On
10. Feel Too Good
11. Always Late
12. All Smiles
13. Everybody Else Is Wrong

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lunes, 7 de septiembre de 2009

MINK DeVILLE- CABRETTA (1977)- RETURN TO MAGENTA (1978)

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Aunque era una noticia que temíamos dado el estado de gravedad en que se encontraba hace tiempo, en el pasado mes de agosto supimos de la muerte de Willy DeVille. Pese a que hace ya mucho que había perdido el rumbo musical, no cabe duda que sus primeros LPs con el grupo Mink DeVille se hallan entre lo mejor de la música americana en la epoca de la new wave y el punk (si bien yo no lo inscribiría en ninguno de ambos estilos), en ese tránsito entre las décadas de los 70 y los 80, y es por ello que hace tiempo que quería dedicarles un espacio, independientemente de este triste acontecimiento, que, como desgraciadamente sucede con noticias que afectan a artistas alejados del mainstream, no se comentó demasiado en los medios mayoritarios.


DeVille nació en el estado americano de Connecticut (las fechas son dudosas), pero tuvo una vida bastante nómada. Tras funcionar con varios grupos por la zona de la costa oeste y realizar un fallido viaje a Londres tratando de obtener cierta fama, transformó a la última de sus varias bandas, Billy deSade, en Mink DeVille, y se fue nuevamente a probar fortuna en New York, donde se acababa de abrir un mítico local, el CBGB, que dio cabida a las primeras acometidas de gente como Ramones, Blondie, Talking Heads, Television o Patti Smith. Pese a no tener mucho que ver con ellos, el grupo llamó la atención de Ben Edmonds, ejecutivo de Capitol Records, donde grabarían estos dos primeros discos.

El estilo de Mink DeVille se aproximaba mas al rock clásico y a las viejas producciones de Phil Spector con grupos vocales masculinos o femeninos en el Brill Building de Nueva York. No en vano, detrás de Cabretta o Return to Magenta estaba Jack Nitzsche, notable ex músico de estudio de la Costa Oeste, ex compañero de Neil Young en los Stray Gators y como productor, un discípulo aventajado del propio Spector (también produjo a Graham Parker, entre otros).

Con el primer LP, Cabretta, los Mink DeVille obtuvieron cierta repercusión, sobre todo en el Reino Unido, mientras que pasaban bastante desapercibidos en su propio país. No obstante Capitol Records no dudaba del talento del joven Willy y mantuvo su confianza con un segundo disco, Return to Magenta, el cual, aún manteniendo el nivel, pienso que está algo por debajo y no tiene canciones tan redondas como el primero. Su resonancia comercial fue aún menor que con su debut y en una de sus múltiples excentricidades, DeVille huye a París, ciudad por la que siempre sintió una gran fascinación, y se instala allí, grabando otro disco casi a escondidas de la compañía, Coup de Grace, otra notable creación que sin embargo ya escapa a lo que queremos exponer aquí.

Mink DeVille desaparecieron con la llegada de los 80, desde entonces Willy funcionó en solitario, probablemente lejos de la calidad de sus primeras creaciones aunque manteniéndose como un músico atípico. Quede aquí este modesto (y tardío) homenaje, pero afortunadamente la música es inmortal y siempre nos permitirá recordar a sus autores.

LISTA DE CANCIONES

CABRETTA

1."Venus of Avenue D" – 4:57
2."Little Girl" – 4:19
3."One Way Street" – 2:50
4."Mixed up, Shook up Girl" – 3:44
5."Gunslinger" – 2:09
6."Can't Do Without It" – 3:15
7."Cadillac Walk" – 3:14
8."Spanish Stroll" – 3:38
9."She's So Tough" – 2:30
10."Party Girls" – 4:30

RETURN TO MAGENTA

1.“Guardian Angel” - 3:29
2.“Soul Twist” - 2:32
3.“’A’ Train Lady” (David Forman, Duke Levine) - 3:20
4.“Rolene” (John Martin) - 3:51
5.“Desperate Days” - 2:49
6.“Just Your Friends” (Willy DeVille, Jack Nitzsche) - 2:11
7.“Steady Drivin' Man” - 3:40
8.“Easy Slider” - 3:53
9.“I Broke That Promise” - 3:05
10.“Confidence to Kill” (R. Aherns, Louis X. Erlanger) - 1:53

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Una de mis favoritas

jueves, 27 de agosto de 2009

VAN McCOY- DISCO BABY (1975)

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Hubo un tiempo que me encantaba ir a las pocas tiendas que ya por entonces quedaban en mi ciudad en las cuales se vendían discos de vinilo. Vinilos de los de verdad, de aquellos que se publicaban cuando todos los álbumes eran así, antes de que muchos en época reciente hayan vuelto a grabarlos de esta forma, por simple esnobismo o por interés economico al descubrir que el formato digital es muy fácil de piratear; eso si, ocultando estos verdaderos motivos bajo el disfraz de un presunto purismo.

Pues bien, en la mayoría de estos entrañables comercios, llenos de buscadores solitarios a la busca de ese gran disco que era difícil de hallar pero que normalmente no estaba al alcance de nuestro bolsillo, comprobábamos, por curiosidad, esa caja que había al fondo que vendía vinilos a 200 pesetas o con el cambio monetario a 1,20 o 1,40 euros. Y a veces nos encontrábamos con sorpresas como este Disco baby, un disco que seguramente no debería estar allí.
Aunque hubo una época en la cual creaciones de este estilo fueron denostadas hasta que, hoy día, parecen estar siendo objeto de cierta recuperación y reivindicación.

Detrás de Disco Baby estaba Van McCoy, uno de los compositores y productores con mas relevancia dentro de los derroteros que tomó la música negra desde principios de los 70.
McCoy empezó formando los típicos grupos para adolescentes en los últimos 50 y primeros 60 y posteriormente, mientras estudiaba psicología, empezó a componer profesionalmente, lo que llamó la atención de varias compañías hasta el punto de que, finalmente, decidió dedicarse totalmente a la música.
Ya como autor asalariado firmó hits menores para importantes grupos vocales negros femeninos como The Shirelles, y partir de los 70, sus discos se pueden inscribir sin tapujos dentro del llamado Sonido de Philadelphia, produciendo y componiendo para varias bandas integradas en ese estilo, pero también para artistas del ámbito de la Motown, como Gladys Knight & The Pipes o el ex-vocalista de los Temptations, David Ruffin.

A mediados de la década, cuando el Sonido Philadelphia decayó en detrimento de la disco music negra que alcanzaba su apogeo, llega este LP, que supone un éxito inesperado, especialmente por la presencia del tema The Hustle que lo lleva al nº 1 de las listas.

Aunque, como decía con anterioridad Disco Baby es susceptible de ser metido en el mismo saco que cualquier disco realizado por los grupos de Philadelphia, se trata de un álbum muy imaginativo, en el que cabe destacar la utilización de instrumentos como la flauta en ese tema principal (con posibles reminiscencias a las grabaciones del músico de jazz Herbie Mann), un sintetizador DK 600 (audible en temas como Hey girl, come and get it, luego versioneado por The Stylistics, otra de las formaciones bajo la influencia de McCoy) que aporta un toque tan decididamente hortera como fantasioso y original. O el tratamiento de los coros, bastante basado tanto en sonidos tribales como en la música de los autores brasileños Vinicius de Moraes y Baden Powell, concretamente en sus composiciones para la banda sonora de la pelicula Orfeo Negro y en su álbum conjunto Afrosamba, que supusieron una evidente fuente de inspiración para McCoy.

Pese a las dudas que nos puede generar por su estilo musical, Disco baby resulta un LP creativo que merece ser rescatado entre lo mejor de la naciente disco music negra, junto a las creaciones de otras luminarias del género como George McCrae, Barry White, Tavares o The Trammps.


No mucho después de este disco, en 1979, Van McCoy falleció de un infarto sin haber cumplido los cuarenta años, y esto le impidió ver los derroteros que tomó la música negra en los 80 y de los que quizá fue precursor. Esto y alguna de las cosas mencionadas antes quizá han contribuido un tanto al olvido de su figura y su música, aparte de pertenecer a un estilo demasiado condicionado y lejos de las tendencias actuales. Pero, afortunadamente, parece que el tiempo pone a cada uno en su sitio y creo que era justo devolver a la memoria a algunos cuyo legado se ha borrado con demasiada e injusta celeridad.

LISTA DE CANCIONES

1. Disco Baby 3:40
2. Fire 3:32
3. The Hustle 4:05
4. Get Dancin' 3:33
5. Doctor's Orders 3:06
6. Turn This Mother Out 3:12
7. Shakey Ground 3:22
8. Spanish Boogie 3:33
9. Pick Up the Pieces 4:47
10. Hey Girl, Come and Get It 3:14

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domingo, 19 de julio de 2009

DEXYS MIDNIGHT RUNNERS- TOO-RYE-AY (1981)

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La verdad es que para hablar de este disco (y no repetir lo que ya comenté entonces) sería conveniente remitirme al artículo que escribí sobre el anterior LP que grabaron Dexys Midnight Runners (y que además supuso su debut), Searching for the young soul rebels, una obra maestra del northern soul hecho por británicos, con claros toques sixty y leves influencias ska, y del cual Too-rye-ay fue una excelente continuación, además recompensado con un éxito comercial del que no disfrutó su antecesor.

El personal vocalista Kevin Rowland seguía al frente del grupo, pero uno de los miembros fundadores y elemento fundamental en las canciones y el sonido del primer disco, Al Archer, había dejado la banda. Sus galones pasaron al trombonista Big Jim Paterson, quien pasó a asumir junto a Rowland la responsabilidad creativa. Por lo demás, se habían introducido numerosas modificaciones, y no solo en el equipo de músicos que les acompañaban. En el estilo seguía percibiendose cierto toque soul de guante blanco y sesentero, pero aquí se aderezó con toques celtas: violines y flautas sustituyeron a la excelente sección de viento de Searching for the young soul rebels. Además, modificaron su estética de estibadores portuarios (al estilo de la pelicula La ley del silencio) por el de trabajadores o granjeros de la época de la revolución industrial (como podemos comprobar en la imagen de Rowland que sirve de portada al disco). Los aires estilo hooligan de los coros de las canciones hacen el resto.

Después de Too-rye-ay, aunque aún hubo un notable álbum posterior (Don't stand me down), las cosas ya no fueron igual. Los problemas de Rowland con sus compañeros y su difícil carácter disminuyeron la producción, y la calidad de sus discos, ya con diferentes formaciones, se resintió.

Pero, aunque no al nivel (por poco) de su primer álbum, nos encontramos con un excelente LP que resultará inolvidable para quien se adentre en él, con temas como Jackie Wilson said (versión de Van Morrison), Celtic soul brothers o Come on Eileen.

LISTA DE CANCIONES

1."The Celtic Soul Brothers" (Billingham, Paterson, Rowland) – 3:08
2."Let's Make This Precious" (Paterson, Rowland) – 4:03
3."All in All (This One Last Wild Waltz)" (Paterson, Rowland) – 4:07
4."Jackie Wilson Said (I'm in Heaven When You Smile)" (Van Morrison) – 3:05
5."Old" (Paterson, Rowland) – 5:35
6."Plan B" (Paterson, Rowland) – 5:04
7."I'll Show You" (Paterson, Rowland) – 2:41
8."Liars A to E" (Paterson, Rowland, Torch) – 4:11
9."Until I Believe in My Soul" (Paterson, Rowland) – 6:59
10."Come On Eileen" (Adams, Paterson, Rowland) – 4:38

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BOB MARLEY & THE WAILERS- CATCH A FIRE (1972)

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La música reggae fue trasladada al Reino Unido por los numerosos inmigrantes de las antiguas colonias británicas en el Mar Caribe (especialmente Jamaica, pero también otras como Trinidad y Tobago), los cuales residían principalmente en grandes ciudades como Londres (sobre todo en barrios como Camden).
Aunque era de creación posterior a otro estilo mas acelerado procedente de estas islas, el ska, cronológicamente se popularizó antes, ya que el éxito de este otro se fraguó debido al revivalismo de los años 60 que conllevó el advenimiento de punks y neomods de finales de los 70, con gente como The Specials o Madness.

The Wailers funcionaban desde principios de los 60 en Kingston con una formación integrada por el propio Marley, Peter Tosh (otro elemento fundamental de la música jamaicana), Junior Braithwaite o Bunny Wailer, practicando unos sonidos próximos al soul.
Esta formación, con pequeños cambios, funcionaría como tal hasta 1974, pues, tras el éxito masivo de Marley, cada uno decidió seguir su camino, y desde entonces funcionó con una banda distinta, que, no obstante, conservaría la misma denominación.

Sería injusto si no mencionara como uno de los grandes valedores de este disco y de la música reggae en general a Chris Blackwell, británico de origen judío y costarricense que decidió dejar la universidad inglesa para vivir y trabajar en Jamaica. Desde allí descubrió de primera mano el panorama musical de esta antigua colonia inglesa y decidió crear la discográfica Island para dar soporte a este tipo de grupos y distribuir sus discos tanto en la isla como en la propia Gran Bretaña, donde desde mediados de los 70 estas grabaciones empezaron a calar también en el público autóctono, y no solo entre los inmigrantes de estos paises, como sucedía hasta entonces.

Cuando Island ya era una discográfica prestigiosa, decidió hacer una apuesta muy fuerte por Bob Marley & The Wailers: fueron fichados por 4.000 libras como grupo estrella y se lanzaron un buen número de copias de Catch a fire al mercado, algo inaudito para una formación jamaicana, y además se les dio la oportunidad de grabar con mejores medios de los que cualquier grupo antillano pudiera haber soñado hasta entonces, disfrutando además de una notable promoción comercial.

Caso aparte merece la portada original del disco, que también resultó imaginativa en una época que este tipo de diseños eran mas habituales: La carpeta representaba un encendedor estilo Zippo, que además se abría como tal.

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Esta cubierta solo se presentó en la 1ª edición. En Gran Bretaña acabó sacándose finalmente una portada de Marley fumándose un canuto. La cual sería, por cierto, la que permanecería en las siguientes ediciones, descartándose la del mechero.

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Finalmente, la reedición especial en CD publicada en el 25 aniversario del fallecimiento de Marley (2005) recuperaría el encendedor, eso si, sin la posibilidad de abrirse a la antigua usanza. Un alarde de diseño que no tuvo su recompensa, pues Catch a fire solo vendió 14.000 copias originalmente, así que esta portada resulta difícil de hallar.

No obstante el tiempo puso en su sitio a un disco que fue probablemente de los mejores realizados por Marley, una fusion de reggae y soul, que al final pasaría sobradamente del millón de copias vendidas, y que nos permite disfrutar de un talentoso cantante, músico y compositor cuando aún no era un fenómeno mediático ni vendía camisetas o merchandising, pero al que merecía la pena escuchar.

LISTA DE CANCIONES

Edición jamaicana

1."Concrete Jungle" – 4:16
2."Stir It Up" – 3:39
3."High Tide or Low Tide" – 4:45
4."Stop That Train" – 3:55
5."400 Years" – 3:03
6."Baby We've Got a Date (Rock It Baby)" – 4:05
7."Midnight Ravers" – 5:09
8."All Day All Night" – 3:29
9."Slave Driver" – 2:57
10."Kinky Reggae" – 3:45
11."No More Trouble" – 5:16

Edición británica

1."Concrete Jungle" – 4:15
2."Slave Driver" – 2:55
3."400 Years" – 2:47
4."Stop That Train" – 3:57
5."Baby We've Got a Date (Rock It Baby)" – 3:59
6."Stir It Up" – 5:35
7."Kinky Reggae" – 3:39
8."No More Trouble" – 4:00
9."Midnight Ravers" – 5:08
10."High Tide or Low Tide" – 4:40 (CD Bonus track)
11."All Day All Night" – 3:26 (CD Bonus track)

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AZTEC CAMERA- HIGH LAND, HARD RAIN (1983)

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Cuando una banda de Glasgow llamada Aztec Camera publicó este disco de debut, Roddy Frame, su cantante y principal compositor, solo tenía 19 años, si bien es cierto que el grupo ya llevaba funcionando un par de años.

Resultaba un riesgo lanzar al mercado un LP con cierta ambición alejándose del modelo synth-pop que en ese momento era el mayoritario, para recuperar un sonido protagonizado por las guitarras, en este caso acústicas (unos meses después ya se encargarían The Smiths en Manchester de hacerlo con las eléctricas), combinándolos con pop independiente (quizá este es el primer grupo al que se le puede otorgar la etiqueta de indie, tal vez junto a Orange Juice) y canciones mas fácilmente comercializables.

Este es el secreto de High land, Hard rain y de su perdurabilidad: eso, y un sonido elegante y sin estridencias, distante de modas pasajeras a lo que añadimos el hecho de que Aztec Camera se integra dentro de una excelente cantera de grupos escoceses de los 80 y 90 caracterizados por unos tonos mas bien melódicos (hubo ruidosas aunque excelentes excepciones como Jesus & Mary Chain, pero por lo demás: Belle & Sebastian, Teenage Fanclub, o los antes mencionados Orange Juice de Edwyn Collins, por no citar nombres mas comerciales que no vienen al caso, u otros, como
Prefab Sprout, cuyo lider tiene este origen).

Musicalmente hablando, el disco se divide en dos caras bien diferenciadas (esto vale para las ediciones en vinilo, obviamente, en CD es una cuestión simplemente de orden numérico). Una primera mas fácilmente vendible, con sonidos mas standard y hits potenciales, como Oblivious o Walk out the winter, y una cara B con temas mas claramente acústicos y de corte casi folkie y melancólico en algunos casos, que no excluye que puedan ser asequibles, como Pillar to post, si bien hay un poco de todo, pues en la primera parte del disco también hallamos canciones como The Bugle sounds again, tal vez la mejor de todo el álbum (a mi juicio), que comparten ambos estilos.


Dos años después Aztec Camera volvieron ya consolidados con un segundo disco, Knife, pero siendo un buen LP, resultaba algo mas convencional.

Sin duda discos como este (y alguno mas de los comentados de la misma época) dignifican una década como la de los 80 con mas sombras que luces, sobre todo porque a la hora de los revivales se tiende a recuperar lo prescindible, y no al revés, como sería de desear.

LISTA DE CANCIONES

1. Oblivious
2. Boy Wonders
3. Walk Out to Winter
4. Bugle Sounds Again
5. We Could Send Letters
6. Pillar to Post
7. Release
8. Lost Outside the Tunnel
9. Back on Board
10. Down the Dip
11. Haywire
12. Orchid Girl
13. Queen's Tattoos

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Una pequeña joya: Roddy Frame, muchos años después, interpretando en solitario "The bugle sounds again"


MALO- MALO (1972)

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A finales de los años 60, en la ciudad de San Francisco había una serie de grupos que mezclaban el rock y el blues ácido (que estaban practicando en ese momento otras bandas de la Costa Oeste americana) con algunos elementos latinos, propiciados por la proximidad con México y la gran cantidad de población hispana que habitaba (y habita) el estado de California y esta ciudad en particular, así como por el gran éxito que obtuvo Santana con sus dos primeros álbumes a raíz de su aparición en el mítico Festival de Woodstock en 1969.

Jorge Santana, hermano pequeño de Carlos, se había desmarcado de su familiar y había formado una banda adolescente inicialmente conocida como The Malibus, a la que se acabarían añadiendo tres miembros mas, que conformarían el septeto desde entonces conocido como Malo.

Musicalmente, pese a alguna heroicidad guitarrística que podemos hallar en este disco (Peace, Just say goodbye) por parte del propio Jorge y de Abel Zárate, con influencias leves de Jimi Hendrix y del rock californiano post-psicodélico, se decantaban mas por una especie de soul de influencias latinas, con proximidad a la Motown por el hecho de sonar mas asequible a todos los públicos y apto para el baile: algo que también practicaban otros grupos de la Costa Este en una línea similar, como The Harvey Averne Barrio Band, sin olvidar otras bandas que mezclaban elementos de jazz, rock y pop acertadamente (al menos en sus inicios) como Blood, Sweat and Tears.
Malo contaba con unas notables secciones de viento y percusión, de la que formaron parte músicos destacados como Luis Gasca o Richard Bean, con Arcelio García y el bajista nicaragüense Pablo Téllez, que, junto a los antes mencionados Zárate y Jorge Santana, constituían los principales elementos de este grupo.

La parte mas suave, en cambio la ponían con temas como Pana o Suavecito, inesperado éxito que les puso en primera línea, aunque la banda no tuvo demasiada continuidad en los siguientes discos y cayeron un tanto en el olvido.

Pese a ello, representaron una autenticidad quizá mayor que la de Carlos Santana, sobre todo teniendo en cuenta aquello en lo que derivó la trayectoria posterior de éste.

LISTA DE CANCIONES

1. Pana (Garcia, Zárate) 6:45
2. Just Say Goodbye (Grand, Grant) 8:00
3. Cafe (García, Santana, Téllez) 7:21
4. Nena (García, Téllez, Zárate) 6:28
5. Suavecito (Bean, Téllez, Zárate) 6:36
6. Peace (García, Téllez, Versoza, Zárate) 9:21

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Malo interpretando "Suavecito" en directo en la TV americana en 1972, año de lanzamiento de este disco

sábado, 18 de julio de 2009

THE STOOGES- FUN HOUSE (1970)

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Hoy en día si escuchamos cualquier radióformula convencional estilo Los 40 principales, costaría pensar que la música rock un día pudo ser considerada como algo peligroso, dañino y subversivo.

Pero hubo un momento en que las cosas fueron distintas y dicha teoría, que hoy día nos puede parecer ingenua, estuvo mas próxima a la realidad con algunos ejemplos que hicieron que todo esto no fuera solo (aunque en la mayoría de casos, si) la obsesión de determinadas mentes demasiado conservadoras en su cruzada contra un estilo musical concreto y rompedor de normas.

En 1969 la década de los 60 y todo lo que elló conllevó eran prácticamente historia, de los grupos nacidos en aquellos años solo algunos como The Doors o The Velvet Underground se mantenían realmente vivos o en un momento creativo aún inspirado, aunque en una etapa oscura: supervivientes de un bonito sueño que estaba muerto y enterrado.

El paro, las drogas duras (que sustituyeron a los mas inocentes alucinógenos y marihuana, cobrándose muchas vidas entre los jóvenes estadounidenses) o la Guerra de Vietnam, eran el caldo de cultivo para que en ese espacio se colaran grupos de un sonido mas duro.

Así, el naciente hard rock en Inglaterra con bandas com Led Zeppelin, Deep Purple, Black Sabbath o Bad Company, tuvo una respuesta americana con gente como Blue Cheer.
En la ciudad de Detroit, pese a ser la sede de la mítica discográfica negra Tamla Motown, el panorama no era mas alentador. Su paisaje gris e industrial, con el humo que emanaba de las chimeneas de las fábricas de la Ford y General Motors, era el escenario propicio para que surgieran determinadas bandas como MC5 (abreviatura de Motor City Five), que mezclaban elementos del rock, garaje y de un punk primitivo, los cuales abrirían el camino para que otra banda del lugar como The Stooges alcanzara relevancia dentro de ese panorama.

James Newell Osterberg, mas conocido como Iggy Pop, había sido batería de un par de grupos juveniles de la zona y admiraba ciegamente a Jim Morrison ("Si no estuviera muerto, habría dado mi vida a cambio de la suya", o una frase parecida, le leí en una entrevista, al preguntarle acerca de su fascinación por el vocalista de The Doors).
Eso le hizo querer pasar de las baquetas a convertirse en cantante y líder de una banda, y encontró una pareja de hermanos, Ron y Scott Asheton (guitarrista y batería respectivamente) que serian los cómplices con los que hacer algo que sonara diferente.

Como dijimos, MC5 era el grupo que ya había obtenido un éxito importante en la zona de Michigan con un tipo de sonido similar (lo que refrendaría con el LP en vivo Kick out the jams), así que las discográficas iban a la caza de grupos similares en ese área geográfica con los cuales repetir la jugada. Y en este caso la compañía Elektra, la misma de The Doors y Love, se hizo con los servicios de The Stooges por un módico precio.

Así, en 1969 llega su primer LP de nombre homónimo, con Iggy todavía apareciendo en los créditos como Iggy Stooge y con Dave Alexander completando la formación al bajo (en el 3º LP, Raw Power, sería sustituido por imposición de David Bowie, productor del disco, pero esa ya es otra historia).

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En The Stooges se contó con la producción de John Cale, el que fuera pieza clave de The Velvet Underground y que acababa de salir por piernas de este grupo tras numerosas disputas con Lou Reed, iniciando una carrera en solitario y como productor de grupos de lo mas variado. La relación del grupo con Cale fue fría y aunque el disco es tan bueno o mejor que este, con clasicos como la infinitamente versioneada I wanna be your dog o No fun, pero el sonido resultaba demasiado "limpio" para lo que eran ellos en directo y además impuso un tema, We will fall, que recordaba mas a los momentos oscuros de The Velvet Underground y no a los Stooges, incluyendo una viola interpretada por el propio Cale.

Este primer disco fue un fracaso para Elektra, no alcanzando los niveles de popularidad de MC5 (curiosamente hoy en día probablemente esta banda es menos valorada que The Stooges) y la compañía dio la espalda a su siguiente proyecto, Fun House, pasando Don Gallucci, miembro del grupo de garaje The Kingsmen (Louie, Louie) a la producción, e introduciendo al saxofonista Steve MacKay. Curiosamente Gallucci fue inteligente y dejó cierta libertad de acción al grupo y a Iggy, con lo que la banda suena en estado puro, con numerosas tomas de voz de directo y dubs.

Fun house, como bien puede reflejar la portada, es un descenso progresivo a los infiernos, nos encontramos con unos primeros temas de rock con fraseos de guitarra machacones y pegadizos (Down in the street, Loose) pero las canciones cada vez resultan mas incómodas, la duracion se extiende mas allá de lo necesario entre ruido, distorsión y gritos malsanos de Iggy, como el que inicia TV Eye (luego sampleado por Mano Negra), mas cínica, escéptica y basada en un riff pegadizo a cargo de Asheton, cuya guitarra va a escape libre a lo largo de todo el álbum, especialmente en temas como éste, en el cual se utiliza el pedal sin ningún tipo de restricciones, pero de forma mas malsana que artistica, mientras Iggy grita, berrea, aúlla, tose, se ahoga, escupe y murmura frases inaudibles.
Así será tambien en 1970, crónica musical de un año sin esperanza, o en la cancion que titula el disco. Pero mucho peor aún es L.A. Blues, tema carente de melodía y basado únicamente en notas sueltas escupidas sin mas entre ruidos infernales, una brutalidad a la altura del grupo que cierra el LP como no podía ser de otra forma, y que solo una mente calenturienta como este Iggy podia concebir, ayudado eso si en el consumo habitual de determinadas sustancias (como el resto de sus compañeros, todo hay que decirlo).

Pero aún así hay tiempo para temas como Dirt, título explicito para una gran creación, seguramente la mejor del disco, la cual permite además cierto lucimiento instrumental en sus 7 minutos de duración, que rompen la dinámica del resto de temas, una muestra de que en la decadencia y en la iniquidad se puede hallar la belleza.

LISTA DE CANCIONES

1."Down on the Street" – 3:42
2."Loose" – 3:33
3."T.V. Eye" – 4:17
4."Dirt" – 7:00
5."1970" – 5:14 (también conocida como "I Feel Alright")
6."Fun House" – 7:45
7."L.A. Blues" – 4:52

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ARTE EN LAS PORTADAS (2)

Big Brother & The Holding Company- Cheap thrills (1967)
Autor: Robert Crumb
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The Band- Music from the Big Pink (1968)
Autor: Bob Dylan
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13th floor elevators- The psychedelic sounds of 13th floor elevators (1967)
Autor: John Cleveland
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Frank Zappa- The man from Utopia (1983)
Autor: Gaetano ("Tanino") Liberatore
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Return to forever- Musicmagic (1977)
Autor: Nancy Donald
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Jorma Kaukkonen- Jorma (1979)
Autor: Wet Teeth M y Doug Carter
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Supersuckers- The smoke of hell (1992)
Autor: Daniel Clowes
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viernes, 3 de julio de 2009

MICHAEL JACKSON- OFF THE WALL (1979)

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Es verdad que mucha gente puede preguntarse el motivo por el que hago aquí una referencia a Off the wall y podrán considerarlo, con parte de razón y a la vista de acontecimientos recientes, como una idea un tanto oportunista.

Pero la verdad es que ya tenía en la cabeza hace tiempo dedicar un artículo a este disco, por tratarse de una obra destacable, independientemente de su comercialidad, que en cierto modo, fue inesperada: en 1979 Michael Jackson llevaba grabados nada menos que seis discos en solitario, pero estos no habían funcionado al nivel de los que hacía bajo el yugo de sus hermanos (antes Jackson 5 y tras pasar de la mítica discográfica Motown a Epic por cuestiones fundamentalmente económicas y de royalties, cambiaron el nombre a The Jacksons).
Por otro lado, se trata del último disco realmente "negro" de Michael, tanto por el sonido que contiene, como por su propia imagen, que, tras Off the Wall (como podemos comprobar ya en la cubierta del posterior Thriller) empezó a presentar notables cambios. Todo ello recomienda dedicar un merecido espacio a este disco.

Hay que destacar como un momento clave la presencia de Michael Jackson en 1978 en el musical The Wiz, versión afro americana del Mago de Oz en la que no se escatimaron medios (dirigía Sidney Lumet y el responsable de los efectos especiales fue Stan Winston, uno de los mejores en este aspecto y al que dediqué un artículo en mi blog paralelo de cine fantástico y de terror, con motivo de su fallecimiento hace cosa de un año), pero que sin embargo fue un fracaso, y en el que Jacko hacía el papel de Espantapájaros.

Pero The Wiz resultó importante por el hecho de poner en contacto a Michael con Quincy Jones, compositor, productor, cantante, autor de bandas sonoras para cine y TV, arreglista y figura capital de la música negra. Jones sería pieza clave en los dos siguientes discos de Jackson (en menor medida también en el tercero, Bad) y en su éxito multitudinario, muy por encima de las expectativas que se crearon a priori con estos álbumes.

En 1979, la música disco, en particular en su vertiente negra, era algo completamente anacrónico, en un panorama musical dominado por nuevos sonidos que incluían la electrónica. Así que era un riesgo hacer un disco claramente en esa línea, como fue Off the Wall.
Sin embargo, dos canciones claramente de ese estilo fueron un éxito arrollador y probablemente inesperado, como (I just can’t enough y Rock with you), pero el resto del álbum quizá se aproxima mas al pop (atención a las colaboraciones de Paul McCartney en Girlfriend, que luego derivaria en una amistad y posteriores trabajos en común, o de Stevie Wonder en I can’t help it) que luego desarrollaría claramente en su siguiente disco, un éxito de proporciones mastodónticas que, paradójicamente, solo fue el comienzo de la decadencia musical y física de un autor de talento pero perdido en su propia megalomanía.

Michael Jackson acabó asimilando las enseñanzas de su mentor Quincy Jones y superándolas, pero acabó desdibujando la herencia recibida; sin embargo eso ya es la clase de historia que aquí no solemos tratar.

En cambio, si nos gusta hablar de buena música, y en Off the wall, por encima de su impacto comercial, había la suficiente para merecer este espacio.

LISTA DE CANCIONES

1. "Don't Stop 'til You Get Enough"
2. "Rock With You"
3. "Workin' Day and Night"
4. "Get on the Floor"
5. "Off the Wall"
6. "Girlfriend"
7. "She's out of My Life"
8. "I Can't Help It"
9. "It's the Falling in Love"
10. "Burn This Disco Out"

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lunes, 8 de junio de 2009

ELVIS COSTELLO- MY AIM IS TRUE (1977)

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A lo largo de los años Elvis Costello ha demostrado ser un músico muy versátil: ha grabado discos con un cuarteto de cuerda, versiones de Burt Bacharach, smooth jazz o recientemente junto al mitico compositor de soul Allen Toussaint. Pero sin menospreciar todo esto, yo prefiero su primera etapa, en plena revolución new wave y punk, y donde con sus composiciones fue uno de los encargados de aportar el aire fresco de una etapa inolvidable e imprescindible para la música inglesa, con ramalazos de pop y rock llenos de talento.

Declan Patrick McManus era natural de Londres, aunque de origen escocés y, pese a llevar una prematura vida conyugal y plena de empleos grises, también era un asiduo y experimentado compositor que probaba suerte moviendo sus grabaciones por diferentes discográficas.
Acerca de su seudónimo Elvis Costello, si en el caso del nombre no necesitamos hacer ninguna aclaración al respecto (y si escuchamos este disco veremos como su vinculación con el rock primario es mas que evidente, pese a sus grabaciones posteriores), convendría puntualizar con respecto a lo de Costello que, si bien podría hacer referencia a Lou Costello (la mitad de una deprimente pareja de humoristas cinematográficos de los años 40), se trataba en realidad del apellido de soltera de su madre, un dato que muchos desconocen.

El empeño de Costello dio sus frutos, y consiguió firmar un contrato con la discográfica independiente Stiff (entonces de reciente creación) en 1977, haciéndose acompañar de los músicos del grupo americano Clover (no por The Attractions que lo harían en sus siguientes y también memorables LPs, quizá mas que este, y que unirían indefectiblemente su nombre al de Elvis en esos años inmediatamente posteriores).

El amigo de Costello y también punta de lanza de la New wave británica, Nick Lowe, fue el encargado de la producción. La portada y contraportada es visualmente llamativa, explotando además el parecido físico de Costello con Buddy Holly.

Aunque imprescindible, es posible que, como dije antes, My aim is true (Mis intenciones son sinceras, toda una declaración de intenciones) no este a la altura de sus siguientes acometidas como This year's model (1978) o Armed forces (1979), pero canciones apabullantes como Alison, No dancing, Welcome to the working week, Red shoes o I'm not angry no necesitan mas explicación ni justificación.

Aunque muchos no se enteraron, había nacido una estrella.

LISTA DE CANCIONES

1. Welcome to the Working Week
2. Miracle Man
3. No Dancing
4. Blame It on Cain
5. Alison
6. Sneaky Feelings
7. (The Angels Wanna Wear My) Red Shoes
8. Less Than Zero
9. Mystery Dance
10. Pay It Back

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Aquí presento algunas grabaciones en directo en torno a 1977 de varios temas del disco.







domingo, 7 de junio de 2009

LOU REED- TRANSFORMER (1972)

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En teoría, un LP como Transformer no debería aparecer aquí, si acaso podríamos justificarlo por el hecho de que es un disco al que no me refiero mucho cuando hablo de música, pero hay que decir que seguramente fue el mayor éxito comercial de Lou Reed, del que podríamos haber incluido cualquiera de sus otras grabaciones en vez de esta, y habrían encajado mas en el teórico espíritu esta web (incluso los que grabó con The Velvet Underground pese al reconocimiento mayoritario entre la crítica del que gozan hoy día).
Por otro lado, podemos considerar Transformer un disco en gran parte obra de David Bowie (no sé hasta que punto), así que convendría empezar por ahí.

En 1972 Bowie estaba probablemente en su cima artística y creativa. Pese a tener 25 años, llevaba ya 5 LPs grabados, los 3 últimos (The man who sold the world, Hunky dory y Ziggy Stardust, por este orden) podrían ser considerados obras maestras (junto al grupo de músicos que llamó The Spiders from Mars y que le acompañarían hasta el posterior Aladdin Sane), y el último de ellos valorado por por muchos críticos como el mejor de su carrera (podríamos discutir esa opinión, aunque tampoco demasiado).
Aún tendría tiempo, por cierto, de grabar unos cuantos discos mas de mucha entidad, pero este no es el tema que ahora nos ocupa.

En tanto en cuanto el glam rock, calificación que le quedaba pequeña a Bowie, era el estilo de moda en su momento, la mera creación de discos no era suficiente, y por tanto el siguiente paso añadido era producir a otros artistas, especialmente a aquellos por los que sentía cierta admiración musical.

Reed era uno de ellos. Así que Bowie, junto a su segundo de a bordo y por aquel entonces auténtica mano derecha musical, Mick Ronson, guitarra de Spiders from Mars pero tambien excelente pianista y arreglista, y autor de las segundas voces en sus discos (poseía una tonalidad muy similar a la de David), se trasladan a New York para producir a su admirado Reed, un poco de capa caída tras el fin de The Velvet Underground.

Antes que nada hay que decir que las producciones de Bowie tenían cierta trampa, y es que de algún modo acababa llevando a su terreno a los artistas con los que trabajaba, manipulando el arquetipo que tenemos de ellos y controlando musicalmente el resultado final. Pasó con Iggy & The Stooges en Raw Power y luego con Iggy Pop en solitario en The Idiot y Lust for life, también con Mott the Hoople y por supuesto con Reed.

La verdad es que el neoyorkino ya de por sí había asumido en cierto modo algunos parámetros del glam rock, tras el fracaso de su primera experiencia en solitario post Velvet.
A principios de los 70 Reed presentaba una estética inspirada en las películas underground de Kenneth Anger, director responsable de filmes con cierta vinculación con el rock, como el mediometraje documental (?) experimental Scorpio Rising, e incluso tuvo en mente rodar una película de corte satánico (admiraba, al igual que Jimmy Page de Led Zeppelin, al mago inglés Aleister Crowley) protagonizada por Mick Jagger (al final la novia de Jagger entonces, Marianne Faithful, estuvo vinculada al proyecto, relativamente inconcluso).

Pues bien, Anger había comenzado su carrera a principios de los 60 con un tipo de films de fuerte contenido homosexual y violento protagonizados por jovencitos con chaqueta de cuero, ajustadísimos vaqueros y la cara blanqueada y ojerosa. Algo así vemos en la portada de Transformer, gentileza del director artístico de Reed y diseñador de sus cubiertas, Ernst Thormahlen (aunque las adicciones de Reed también contribuian a ese aspecto, de hecho era habitual que se presentara en mal estado a sus actuaciones en directo), así como en la contraportada (que vemos aquí abajo), donde aparecen dos personajes representativos del submundo de prostitución masculina y travestismo del barrio de Bowery, que es el escenario que inspira este álbum. La leyenda urbana difundió que podían ser el propio Reed disfrazado (por cierto el modelo que hizo de hustler llevaba un plátano dentro del pantalón).

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Desde un punto de vista estrictamente musical, al final, junto a Bowie, Ronson y Reed se reunieron un grupo de notables músicos de sesión como los bajistas Klaus Voormann y Herbie Flowers (este también al contrabajo, manejando algunos de los mejores momentos del disco) y varios baterías. Por cierto que Bowie, cuando dejó de contar con Ronson (luego produjo su notable debut en solitario, Slaughter on 10th Avenue) y el resto de The Spiders from Mars, a partir del Diamond Dogs, y especialmente en su etapa americana (Young Americans y Station to Station) volvió a utilizar a algunos de estos colaboradores.

Comenzamos el disco con un ramalazo rock a la antigua usanza, Vicious, con ese riff de guitarra que recuerda al clásico Louie Louie de Richard Berry (o también en versión Kingsmen), gentileza de Ronson. El rock también estará presente en Hangin' Round o I'm so free, pero sobre todo, con excepción de la melodramática Perfect Day (que anticipa el siguiente disco de Reed, el oscuro Berlín), el resto, pese al contenido de algunos textos es puro glam: Make up, Goodnight Ladies o la excelente Andy's chest, aunque esta última esté inspirada en el atentado que sufrió Warhol en 1971 por parte de una radical feminista, Valerie Solanas, con unas armonías vocales a medida del tándem Bowie-Ronson, que también brillan en Satellite of Love, que parece extraída del mismo Ziggy Stardust. Especialmente ese arreglo de piano del omnipresente Ronson (como en Perfect Day) que recuerda a un tema de ese disco, Lady Stardust, y donde Reed suena hasta melódico y romántico.

Claro, que hay otro momento inolvidable, donde Reed rinde cuentas al mundo y a los personajes que rodeaban la Factory de Andy Warhol. Años después se ha convertido en un tema mas propio de las radiofórmulas de grandes éxitos, desprovisto de su sentido original y utilizado incluso en jingles publicitarios. Pero da igual, porque canciones como esta a la que me refiero, Walk on the wild side, nos reconcilian con la música.

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Años después, este Reed había desaparecido: estaba limpio, actuaba delante del Papa o junto a Pavarotti, y renegaba de su pasado, como vemos sobre estas líneas en la portada de The blue mask, juego visual y de palabras en el que la imagen del Transformer era como un reflejo de aquello que no se quería volver a ser.

LISTA DE CANCIONES

1. Vicious 2:58
2. Andy's Chest 3:21
3. Perfect Day 3:46
4. Hangin' 'Round 3:35
5. Walk On The Wild Side 4:16
6. Make Up 3:01
7. Satellite Of Love 3:40
8. Wagon Wheel 3:21
9. New York Telephone Conversation 1:32
10. I'm So Free 3:10
11. Goodnight Ladies 4:21

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MAGAZINE- THE CORRECT USE OF SOAP (1980)

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Howard Devoto es uno de los personajes fundamentales de la escena de Manchester. Miembro fundador de los Buzzcocks, pioneros de una mezcla entre punk y pop, dejó el grupo a las primeras de cambio (aunque sus compañeros siguieron haciéndolo muy bien sin él), pues comprendió (y no iba desencaminado) que las posibilidades del punk estaban práctica y rapidamente agotadas, y debía abrirse a sonidos aún mas innovadores. Eso, y que el propio Devoto (Trafford de verdadero apellido, como el estadio del United) ha tratado de huir siempre de las modas y de los públicos multitudinarios

Así surge Magazine, y tras dos primeros LPs de transición, pero no desdeñables, nos encontramos con este tercer álbum, que en una primera escucha puede recordar a Joy Division, aunque con un sonido no tan oscuro, con mas teclados, y logicamente con otro cantante.

Pero esto, aunque tiene su parte de real porque de hecho el productor es Martin Hannett, que lo fue de ambos grupos, sería una conclusión demasiado simple. En realidad Magazine son mas reconocibles como un grupo proximo al llamado art rock o a los sonidos del Bowie de la trilogía alemana (Lodger, Low y Heroes), que facturó junto a Brian Eno, también notable influencia en el sonido del grupo (en los teclados estaba el experimentado Dave Formula, que luego formó parte de algunos grupos de la era new romantic, como Visage), con algunos toques pop que no estaban en los anteriores trabajos de la banda.

La lista de canciones es notable, desde Because you're frightened, I'm a party, A song from under the floorboards, Sweetheart contract o una inesperada versión de Sly & The Family Stone, que denotan la madurez musical de Magazine.

Magazine no duró mucho mas (tampoco el estilo art rock), pero Devoto siguió por ahí haciendo de las suyas.

LISTA DE CANCIONES

1. Because You're Frightened (3:54)
2. Model Worker (2:51)
3. I'm A Party (3:01)
4. You Never Knew Me (5:23)
5. Philadelphia (3:54)
6. I Want To Burn Again (5:16)
7. Thank You (Falettinme Be Mice Elf Agin) (3:48)
8. Sweetheart Contract (3:18)
9. Stuck (4:04)
10. A Song From Under The Floorboards (4:07)

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THE NERVES- THE NERVES EP (1976)

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La historia de la música está llena de grupos que con una producción muy escasa han pasado a la historia, bien por un éxito, o, lo que mas nos interesa, porque por la calidad de su escasa producción quedaron en el recuerdo de los buenos aficionados y se convirtieron en grupo de culto.

The Nerves es uno de esos casos. Trío a medio camino entre el punk rock, el power pop, la new wave y el revivalismo de los grupos beat y de la british invasion de los 60, se formaron en Los Angeles a mediados de los 70.

Ellos eran Paul Collins, entonces batería y que luego montó como lider otra banda básica de power pop, The Beat, luego llamada Paul Collins' beat y habitual visitante de tierras valencianas (actualmente vive en Madrid); Peter Case, bajista y luego guitarrista, cantante y líder de otros imprescindibles del power pop californiano, Plimsouls, a los que dediqué un espacio en su momento prometiendo justamente que hablaría de los Nerves. Y por último, el guitarrista Jack Lee, nacido en Alaska y que fue el único cuya carrera musical no tuvo demasiado desarrollo posterior.

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En una época propicia para ello, The Nerves decidieron autoeditarse este primer y único EP en 1976, y que, sin menospreciar el resto de temas, también hubiera sido un magistral single si solo se hubiera contado con los 2 primeros temas: Hanging on the telephone, que luego fue versionado exitosamente por Blondie, y When you find out, dos de los mejores temas en su estilo de todos los tiempos e inolvidables para los que amamos la música.

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Lo que ocurre es que la falta de medios provocó que su repercusión fuera nula y de hecho apenas pudieron defender su grabación en directo, conduciendo a The Nerves a una rápida desaparición y desgraciadamente al olvido de muchos, prosiguiendo luego cada uno con sus diferentes proyectos, pero quedando para el recuerdo este EP que algunos no nos cansaremos nunca de oir, sin que pierda en ningún momento su vigencia ni su capacidad de emocionarnos.

LISTA DE CANCIONES

1. Hanging on the telephone
2. When you find out
3. Give me some time
4. Working too hard
5. Paper dolls
6. One way ticket

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SMALL FACES- OGDEN'S NUT GONE FLAKE (1967)

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Aunque Small Faces nunca fueron un grupo que disfrutara de un gran reconocimiento fuera del Reino Unido, fueron uno de los puntales del movimiento mod, con unos primeros discos que contienen enérgicas e inolvidables piezas de rythm and blues y soul, con muchas versiones, pero también creaciones propias de una de las mejores parejas compositivas del momento, la que formaban el cantante y guitarrista Steve Marriott y el bajista Ronnie Lane.

Tras dos primeros discos siguiendo esas coordenadas, decidieron abandonar su compañía original Deram (filial inglesa de Decca) y encontrar acomodo en Immediate, la innovadora compañía creada por el entonces manager de Rolling Stones Andrew Loog Oldham, en aras a un sonido mas personal (y también, todo hay que decirlo, por problemas financieros).

Allí editarían un primer álbum con el genérico nombre de Small Faces (en realidad el mismo título que su primera experiencia en Deram), y que probablemente merecería estar aquí antes que este Ogden's nut..., porque seguramente es menos conocido y porque revela el talento de Marriott y Lane como autores de un pop exquisito y rico en arreglos, que rompía lo realizado por ellos hasta ese momento y les situaba a la altura de experiencias similares de grupos como The Kinks (eso si, con sus propias particularidades y estilo).
Junto al LP, lanzarían singles de impacto como Here come the nice o Itchycoo park.

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Pero la verdad es que lo mejor estaría por llegar, con la banda a punto de finiquitarse por la idea de Marriott de emprender una carrera lejos de los Small Faces y de un cambio de rumbo por el resto de sus componentes, así como un mayor uso de las drogas, que ya no se ceñían estrictamente a las ingenuas anfetaminas propias de los mods.

Por tanto, en pleno fin de fiesta vio la luz este disco, que aún supuso una nueva vuelta de tuerca respecto al disco anterior. En plena era psicodélica y de nuevos sonidos, los Small Faces quisieron hacer su obra maestra, un disco memorable como muchos de los que estaban grabándose aquellos años.

Ya de entrada nos encontramos con una curiosa portada: en realidad el disco se presentaba como una caja de tabaco (lástima que las viles reediciones en CD nos hayan privado en muchos casos de ese detalle y mayoritariamente presenten una caja convencional, con los dibujos del contenido original): el título es un juego de palabras con una auténtica marca de tabaco inglesa, y en el interior del disco se presentaba la reproducción del interior de una verdadera lata de tabaco junto a unos dibujos psicodélicos y algunas instantáneas en blanco y negro del cuarteto.

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Aunque hay que decir que la cara B de este disco no me acaba de convencer, con el actor Stan Unwin recitando con marcado acento cockney (y casi ininteligible aún para los que entendemos el inglés) una especie de cuento infantil sobre un tal Happiness Stan entre canción y canción (lo que minimiza impactantes temas como Rollin’ over), la cara A original posee suficientes argumentos: desde el instrumental inicial, pasando por el clásico Afterglow, una de las mejores creaciones de Steve Marriott, hasta el pop psicodélico con ese juego de guitarra en Long agos and words apart, Ronnie Lane brillando en Song of a baker, con esos redobles de Kenny Jones (que luego acabó sustituyendo a Keith Moon en los Who; era su recambio mas natural). Sin olvidar temas como Renée o Lazy Sunday que recuerdan los que estaban haciendo otros notables grupos como The Kinks o The Move por entonces.
La dificultad de representar un disco de este calibre en directo supuso la puntilla definitiva a la existencia del legendario cuarteto.

Poco después de esto, como dije, Marriott llevó al límite sus influencias negras formando Humble Pie junto a Peter Frampton, otro arrepentido de los 60, mientras que el resto de sus compañeros continuaron simplemente como Faces, reclutando al guitarrista Ron Wood (luego entró como sustituto en los Rolling Stones y aún sigue) y a un entonces talentoso y joven cantante, Rod Stewart, cuando aún no era insoportable, tomando una senda mas proxima al rock y al blues.

Los Small Faces fueron muy grandes, lástima que hoy día solo otros muy grandes, como mi admirado Paul Weller, les den el reconocimiento que se merece.

LISTA DE CANCIONES

1. Ogden's Nut Gone Flake
2. Afterglow
3. Long Agos And Worlds Apart
4. Renée
5. Song of a Baker
6. Lazy Sunday
7. Happiness Stan
8. Rollin' Over
9. The Hungry Intruder
10. The Journey
11. Mad John
12. Happydaystoytown

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THE ZOMBIES- BEGIN HERE (1965)

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Aunque The Zombies son conocidos fundamentalmente por un par de temas al principio y al final de su carrera (She's not there, aquí presente y muy versioneado por gente tan dispar como Vanilla Fudge o Santana) y el Time of the season que aparecía en su último y también brillante álbum Odessey and Oracle (seguramente el mejor de su discografía), nos encontramos seguramente ante una de las bandas con mas talento del pop británico de mediados de los 60, y eso que había mucho donde elegir.

Sus dos elementos fundamentales eran el teclista Rod Argent, compositor de gran parte de los temas propios y que otorgaba un sello particular a los temas del grupo ya fuera con su piano eléctrico o con el órgano Hammond, junto al cantante Colin Blunstone, con su voz tenue y melancólica. Ambos hicieron después de The Zombies una carrera en solitario que no es desdeñable en absoluto, al menos en alguna de sus grabaciones.

Procedentes de St. Albans, pequeña localidad unos 30 km. al norte de Londres, The Zombies no eran el típico grupo británico sixty inspirado en el soul y rythm and blues, aunque no desdeñaban las correspondientes versiones (Roadrunner, I got my mojo working) para adaptarse a los gustos del público mayoritario.

Pero donde mas destacaban, a mi juicio (y no veo mucha proximidad a otros grupos ingleses del momento), es en piezas de pop y beat de tonos nostálgicos y etéreos, con arreglos mas trabajados de lo habitual (buena producción de Ken Jones) y en donde eran capaces de salir airosos de una versión del Summertime de Gershwin, o ejecutar con maestría temas propios en ese estilo como I remember when I loved her o I can't make up my mind u otras descartadas inicialmente pero que si que aparecen en las reediciones, como I know she will.

Seguramente Begin here no es una obra maestra, ni la mejor creación del grupo, pero si debe entrar, en mi opinión, entre los discos mas destacados del pop inglés de mediados de los 60, y eso ya es meritorio.

LISTA DE CANCIONES


1 Roadrunner
2 Summertime
3 I Can't Make Up My Mind
4 The Way I Feel Inside
5 Work 'N' Play
6 You've Really Got a Hold on Me/Bring It on Home to Me
7 She's Not There
8 Sticks And Stones
9 Can't Nobody Love You
10 Woman
11 I Don't Want To Know
12 I Remember When I Loved Her
13 What More Can I Do
14 I Got My Mojo Working

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GRAHAM PARKER & THE RUMOUR- HOWLIN' WIND (1976)

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Desde los primeros 70, Graham Parker interpretaba sus composiciones en pequeños clubes del norte de Inglaterra, a veces con pequeñas bandas, a veces en solitario.
Aunque Parker era un admirador de Dylan, no tenía muchas similitudes con él, y por su estilo, mas próximo al soul y rythm and blues, se le incluyó en esa etiqueta genérica que se dio en llamar Pub rock.

En su momento comentamos que el pub rock sirvió para mantener viva la llama de ciertos sonidos en el Reino Unido, en una época en la que se imponían otros estilos.

Precisamente una de las mejores bandas en ese estilo era Brinsley Schwarz, encabezada por el guitarrista homónimo y el teclista Bob Andrews. Estos músicos, junto a Martin Belmont y, por otro lado, Andrew Bordnar (bajo) y Steve Goulding (batería), forman una especie de supergrupo, The Rumour, y se unen a Parker al firmar éste un contrato con Mercury-Phonogram, tras llegar sus creaciones a manos del productor Dave Robinson, si bien sus discos acabarían publicándose en una filial de esta compañía, Vertigo.

Con la producción de una de las mentes mas preclaras de la New Wave británica, Nick Lowe, que también lo fue de Elvis Costello o The Damned, Graham Parker & The Rumour publicarían cuatro obras maestras consecutivas entre 1976 y 1980: este Howlin' Wind, y los sucesivos Heat Treatment, Stick to me (este seguramente el menos bueno de todos) y Squeezing out sparks.

En la era New Wave se recuperaba la sencillez de ciertas formas musicales de los 60 y ahí Parker tenía mucho que decir: temas sencillos pero directos, de letras nada enrevesadas con aroma sixty, de northern soul y de rock, a lo que contribuía su voz algo rasgada: solo los momentos más acústicos pueden evocar a su admirado Dylan, pero mucho mas a Van Morrison, otro de sus autores favoritos.
Música con mayúsculas, y no los productos prefabricados de hoy día. Además, con una banda experimentada y con muchos kilómetros en sus instrumentos.

Canciones honestas y vibrantes: White honey, Soul shoes, Between you and me (esa canción que dedicaríamos a muchas chicas), Nothing's gonna pull us apart o el tema que da título al disco.

Desgraciadamente, los 80 supusieron el olvido para Graham Parker and The Rumour, uno de los músicos que debería ser citado como uno de los mas brillantes y revitalizadores de aquellos años (y de estos, sigue grabando con regularidad buenos discos) junto a los Paul Weller, Elvis Costello y Nick Lowe, pero parece que hoy en día (entre muchos críticos, tristemente también) predomina la amnesia musical (de hecho apenas encontré videos de aquel momento de Graham Parker para ilustrar el artículo).

Un grande, si señor.


LISTA DE CANCIONES

1. White Honey
2. Nothing's Gonna Pull Us Apart
3. Silly Thing
4. Gypsy Blood
5. Between You and Me
6. Back to Schooldays
7. Soul Shoes
8. Lady Doctor
9. You've Got to Be Kidding
10. Howlin' Wind
11. Not If It Pleases Me
12. Don't Ask Me Questions

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JAPAN- QUIET LIFE (1979)

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No son muchos los amigos y conocidos que entran por esta página, yo diría que afortunadamente. Además, si fuera así, me imagino la conversación que podría producirse: "Tío, yo pensaba que a ti te gustaban The Who, Hendrix, Dylan, Ramones, Paul Weller y cosas así. No pensaba que podrías dedicarle tanto espacio a gente como The Human League, The Teardrop Explodes, Soft Cell o Adam & The Ants. En realidad solo he reconocido al Carlos que conozco al hablar de Plimsouls, Dexys Midnight Runners, The Style Council, The Sonics, The Damned, Ten Yers After, los discos de soul y algunos casos mas... quizá con Joy Division, Billy Bragg, The Cars...". Yo tendría que contestarle "Claro, pero si fuera así esto no se llamaría Discos de los que nunca te hablé, y además, en ningun momento he dicho que estos discos me parezcan mejores, solo tienes que leer lo que pone a la derecha de la página. Creo que están bien y merecen un hueco que no tienen en otros sitios, pero a lo mejor, o seguramente, si tuviera que hacer una lista de 100 ó 200 discos no aparecerían. Me gustan pero no tanto como otros".

Pues algo así sería aplicable a lo de hoy, y quizá multiplicado por diez. Porque Japan probablemente sería la antitesis de grupo que podría gustarme, desde un punto de vista musical o incluso estético.

Sin embargo considero que este Quiet life hay que tomarlo muy en serio, a pesar de que supuso la avanzadilla de esa entelequia llamada Nuevos Románticos (aunque no sé si se les puede incluir de pleno en ellos), que, pese a todo, al menos en sus inicios pudo dejar musicalmente cosas que no estuvieron del todo mal (ahí tenemos bandas como Franz Ferdinand, que ahora parecen de lo mas cool pero es fácil reconocer en ellos los rasgos musicales de muchos de estos grupos).

Japan se crearon en 1974 en el sur de Londres, como un grupo de estilo glam, inspirándose en el Bowie de principios de la década o en Roxy Music, algo que, poco después, en plena eclosión del punk y la new wave podía resultar fuera de onda. Los principales responsables eran los hermanos Batt, aunque cambiaron sus apellidos y fueron conocidos como David Sylvian (cantante) y Steve Jansen (batería), inspirándose en David Johansen y Sylvain Sylvain, miembros del grupo de glam punk americano New York Dolls, cuya influencia sobre Japan era mas perceptible en sus dos primeros discos.
El teclista Richard Barbieri, importante en el sonido de un grupo de estas características, el guitarrista Rob Dean y el bajista-multiinstrumentista Mick Karn también fueron miembros fundadores.

Con una estética fría que incluía elegantes ropas de color blanco, unido en el caso de Sylvian a un largo cabello rubio lo cual no tenía sentido entonces y generaba rechazo si no se era metalero, es en este, su tercer LP, donde consiguen un sonido mas definido, en el que combinaron elementos del glam, pop, música electrónica (especialmente la alemana), new age y jazz, con la introducción del saxo tenor interpretado por Karn en varios temas (Fall in love with me o Despair), o añadiendo una versión remozada de The Velvet Underground, All tomorrow parties, que junto al tema que da título al disco resultan de lo mas destacado.

Todo esto convierte a Quiet life en un disco revalorizado hoy día y por encima de otras experiencias similares de la época.

LISTA DE CANCIONES

1. Quiet Life
2. Fall in Love with Me
3. Despair
4. In Vogue
5. Halloween
6. All Tomorrow's Parties
7. Alien
8. Other Side of Life

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